MÚSICOS IMORTAIS

Elvis Presley - An American Trilogy (Live).

2008-06-23T07:02:00.000-07:00

Freddie Mercury - Queen - Love of my Life

2008-06-02T11:01:00.000-07:00

Louis Armstrong- What A Wonderful World

2008-05-26T09:48:00.000-07:00

James Brown

2008-05-26T09:09:00.000-07:00

Freddie Mercury & Montserrat Caballe (How Can I Go On)

2008-05-26T08:03:00.000-07:00

Luiz Gonzaga

2008-02-21T07:43:00.000-08:00

Luiz Gonzaga do Nascimento[1] (13 de dezembro de 1912 — Recife, 2 de agosto de 1989) foi um compositor popular brasileiro, conhecido como o "rei do baião".

Nasceu em uma fazenda chamada Caiçara, no sopé da Serra de Araripe, na zona rural de Exu, no sertão de Pernambuco. O lugar seria revivido anos mais tarde em "Pé de Serra", uma de suas primeiras composições. Seu pai, Januário, trabalhava na roça, num latifúndio, e nas horas vagas tocava acordeão (também consertava o instrumento). Foi com ele que Luiz Gonzaga aprendeu a tocá-la. Não era nem adolescente ainda, quando passou a se apresentar em bailes, forrós e feiras, de início acompanhando seu pai. Autêntico representante da cultura nordestina, manteve-se fiel às suas origens mesmo seguindo carreira musical no sul do Brasil. O gênero musical que o consagrou foi o baião. A canção emblemática de sua carreira foi Asa Branca, que compôs em 1947, em parceria com o advogado cearense Humberto Teixeira.

Aos dezoito anos, ele se apaixonou por Nazarena, uma moça da região e, repelido pelo pai dela, o coronel Raimundo Deolindo, ameaçou-o de morte. Januário e Santana lhe deram uma surra por isso, revoltado, Luiz Gonzaga fugiu de casa e ingressou no exército em Crato, Ceará. A partir dali, durante nove anos ele viajou por vários estados brasileiros, como soldado. Em Juiz de Fora-MG, conheceu Domingos Ambrósio, também soldado e conhecido na região pela sua habilidade como sanfoneiro. Dele, recebeu importantes lições musicais.

Em 1939, deu baixa do Exército no Rio de Janeiro, decidido a se dedicar à música. Na então capital do Brasil, começou por tocar na zona do meretrício. No início da carreira, apenas solava acordeão (instrumentista), tendo choros, sambas, fox e outros gêneros da época. Seu repertório era composto basicamente de músicas estrangeiras que apresentava, sem sucesso, em programas de calouros. Até que, no programa de Ary Barroso, ele foi aplaudido executando Vira e Mexe (A primeira música que gravou em 78 rpm; disco de 78 rotações por minuto), um tema de sabor regional, de sua autoria. Veio daí a sua primeira contratação, pela Rádio Nacional.

Em 11 de abril de 1945, Luiz Gonzaga gravou sua primeira música como cantor, no estúdio da RCA Victor: a mazurca Dança Mariquinha em parceria com Saulo Augusto Silveira Oliveira.

Também em 1945, uma cantora de coro chamada Odaléia Guedes deu à luz um menino, no Rio. Luiz Gonzaga tinha um caso com a moça - iniciado provavelmente quando ela já estava grávida - e assumiu a paternidade do rebento, adotando-o e dando-lhe seu nome: Luiz Gonzaga do Nascimento Júnior. Gonzaguinha foi criado pelos seus padrinhos, com a assistência financeira do artista.

Em 1948, casou-se com a pernambucana Helena Cavalcanti, professora que tinha se tornado sua secretária particular. O casal viveu junto até perto do fim da vida de "Lua". Não teve filhos, já que ele era estéril.

Gonzaga sofria de osteoporose. Morreu vítima de parada cárdio-respiratória no Hospital Santa Joana, na capital pernambucana, seu corpo foi velado em Juazeiro do Norte e posteriormente sepultado em seu município natal. Sua música mais famosa é Asa Branca

Luiz Gonzaga Jr. (Gonzaguinha)

2008-02-21T07:38:00.000-08:00

Gonzaguinha é filho adotivo do conhecido cantor e compositor, Luiz Gonzaga e nasceu no dia 22 de setembro de 1945, no Rio de Janeiro. Herdou do pai adotivo o nome, Luiz Gonzaga Nascimento Filho e, como o pai, tinha o talento para a música. Sua mãe, Odiléia, era uma cantora e dançarina que morreu de tuberculose ainda muito moça, com apenas 22 anos de idade, deixando Gonzaguinha órfão aos dois anos.

Em função da dificuldade de seu pai para criá-lo, foi entregue a seus padrinhos, Seo Xavier e Dona Dina. Sua infância foi passada no morro de São Carlos, no bairro do Estácio onde Gonzaguinha conviveu com a miséria, a falta de infra-estrutura e todas as dificuldades que existem em uma favela. Aos 16 anos foi morar com o pai para poder dar continuidade aos seus estudos, já que seus padrinhos não tinham condições financeiras para isso. Mas não foi fácil. Teve desavenças com a mulher de seu pai e, por causa disso, foi para um colégio interno. Seus estudos o levaram à Faculdade de Ciências Econômicas Cândido Mendes, no Rio de Janeiro.

Durante seu período universitário entrou em contato com outros músicos novos como ele. Fez parte do grupo MAU (Movimento Artístico Universitário) junto com Ivan Lins, Dominguinhos, Aldir Blanc e César Costa Filho.

Participava de festivais e já começava a despontar pelas suas letras sempre com forte teor social. Aliás, essa era uma marca em sua carreira. Suas letras eram provocativas e, em virtude do regime militar, estava sempre tendo que driblar a censura. Em 73 se apresentou no programa de Flávio Cavalcante e causou grande espanto pelo teor de suas música. Gonzaguinha era agressivo e irônico. Recebeu uma advertência da censura e muitas críticas, mas teve um lado positivo. Seu compacto que estava encalhado nas prateleiras foi rapidamente vendido. Começou aí a carreira de Gonzaguinha. Era um sucesso na Rádio Tamoio e logo veio a gravar seu primeiro long-play.

Com o passar do tempo percebeu que suas letras não alcançavam o público que ele queria tocar. Assim deu uma guinada na carreira e começou a ser mais leve. De certa forma, os tempos haviam mudado e o discurso foi se adaptando às circunstâncias.

No ano de 1976 lançou o disco “ Começaria Tudo Outra Vez” onde conseguiu o sucesso entre as massas. A partir daí se consolidou como compositor sendo gravado por cantoras como Elis Regina, Simone e Maria Bethânia. No dia 9 de abril de 1991 Gonzaguinha morre em um acidente de carro em uma estrada do sul do Paraná. E o Brasil perdia mais um grande compositor...

George Harrison

2008-02-12T18:00:00.000-08:00

George Harrison, (Liverpool, 25 de Fevereiro de 1943 — Los Angeles, 29 de Novembro de 2001) foi um músico britânico, famoso por ter sido o guitarrista dos Beatles. Foi também produtor de cinema, cantou e compôs.

George Harrison nasceu em 25 de fevereiro de 1943 em Liverpool, Inglaterra. Harold, o pai, era motorista de ônibus e membro ativo do sindicato de sua categoria e Louise, a mãe, era dona de casa. Sua família tinha origem irlandesa já que seus avós maternos vieram de Wexford. Durante sua infância ele viveu em uma casa localizada na 12 Arnold Grove, no bairro de Wavertree, Liverpool. Em 1950 a família se mudou para 25 Upton Green, em Speke. George tinha ainda dois irmãos e uma irmã (Peter, Harry e Louise).

Aos 11 anos, após passar em um exame, George começou a freqüentar a Liverpool Institute for Boys (atual Liverpool Institute for Performing Arts), onde ele conheceu Paul McCartney. Harrison e McCartney não só estudavam na mesma a escola como também moravam no mesmo bairro, em Speke, e freqüentemente pegavam o mesmo ônibus para ir à escola.

George comprou sua primeira guitarra aos 12 anos, uma Egmond, por 3 libras e 10 shillings. Pouco depois comprou sua primeira guitarra decente, uma Hofner President e formou um grupo de skiffle chamado The Rebels com seu irmão Peter e um amigo, Arthur Kelly. [1]. Quando Paul McCartney descobriu que George tocava guitarra, convidou-o para ver a banda da qual ele fazia parte. Em 1958, Paul apresentou George a John Lennon que acabou o aceitando na banda Quarrymen, que se tornaria posteriormente The Beatles.

No começo dos Beatles, era visto pelo outros membros do grupo como um garoto por ser o mais jovem dentre eles.[2]

Ele foi o primeiro beatle a ir aos Estados Unidos quando visitou sua irmã Louise em Benton, Illinois, em setembro de 1963. Em 1964, ele voltaria aos Estados Unidos com os Beatles, época em que eles se apresentaram no programa de TV chamado Ed Sullivan Show.[3] Durante esta visita aos Estados Unidos, George Harrison ganhou uma guitarra modelo "360/12" da Companhia Rickenbacker; esta guitarra de 12 cordas fez parte de várias solos de George por volta de 1965.

Durante o auge da Beatlemania, George ficou conhecido como beatle quieto ("quiet Beatle"), devido a sua maneira introspectiva e tendência a falar pouco durante as entrevistas. Apesar da imagem de "beatle tranqüilo", a maioria dos amigos, como Eric Idle, membro do Monty Python, asseguram que na intimidade ele era muito falante, contradizendo a imagem que a imprensa tinha a seu respeito.[4]

Harrison escreveu sua primeira canção em 1963, "Don't Bother Me", lançada no segundo álbum dos Beatles. Neste álbum, ele conseguiu mais sucesso interpretando a canção "Roll Over Beethoven" de Chuck Berry, do que com sua própria composição. Embora tenha escrito uma canção para o álbum Beatles for Sale, ela não foi usada e George acabou interpretando outro cover, "Everybody's Trying to Be my Babe", de Carl Perkins. Ainda nesta fase, ele cantou como líder vocal composições de Lennon/McCartney como por exemplo "Chains", "Do You Want to Know a Secret" (ambas do álbum Please Please Me) e "I'm Happy Just to Dance with You" (do álbum A Hard Day's Night).

Foi só a partir de 1965 que George Harrison começou a contribuir freqüentemente com composições para o grupo. No álbum Help!, ele lançou duas composições próprias: "I Need You" e "You Like Me Too Much".

Um importante marco em sua carreira aconteceu durante a tournê americana de 1965, quando David Crosby, do grupo The Byrds, introduziu George à cultura indiana através do trabalho do músico Ravi Shankar[5]. George ficou fascinado pelo som indiano e se tornou um dos maiores responsáveis pela popularização da música indiana nos anos 60. Após comprar um sitar, ele introduziu pela primeira vez na música pop um instrumento indiano, na canção "Nowergian Wood" do álbum Rubber Soul. Após essa experiência, George escreveu algumas canções que utilizaram outros instrumentos indianos como a tabla e a cítara. Entre essas canções destacam-se "Love you too", do álbum Revolver, de 1966 e "Within you without you", do Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, de 1967. Ainda em 1967, ele foi responsável pela inclusão de Ravi Shankar no Festival Pop de Monterey.

Após a separação do grupo, em 1970, ofuscado por anos por John Lennon e Paul McCartney, George Harrison lançou grande parte do material que havía acumulado e inicou sua carreira solo. O primeiro álbum de George foi um sucesso de crítica e de público. All Things Must Pass, de 1970, é considerado por muitos como o melhor disco de um ex-beatle e um dos melhores discos da história. O álbum era triplo (quando lançado em vinil), o primeiro álbum triplo da história do rock (que em CD, se tornou duplo). O álbum atingiu o primeiro posto das paradas de sucesso britânicas e norte-americana, incluía sucessos como as músicas My Sweet Lord, Isn't a pity e What is life. Anos mais tarde a canção My sweet Lord, presente no álbum, lhe trouxe problemas devido a uma acusação de violação de direitos autorais. A canção era bem parecida com "He's so f ine", do grupo The Chiffons. George negou a acusação, mas em 1976, foi condenado por plágio. Nos anos 90, o antigo empresário dos Beatles, Allen Klein, entrou na justiça contra Harrison após comprar os direitos autorais de "He's so fine". Quando o álbum foi remasterizado em CD, a música ganhou uma versão nova chamada "My Sweet Lord 2000".

Em 1971, pela primeira vez na história do rock, George Harrison organizou um show humanitário. O show aconteceu em 1 de agosto no Madison Square Garden, de Nova York, reuniu cerca de 40.000 pessoas e contou com a participação de Eric Clapton, Ravi Shankar, Bob Dylan, Ringo Starr, Leon Russell, Billy Preston e o grupo Badfinger. Os outros ex-Beatles também foram chamados mas só Ringo Starr compareceu. Paul alegou ser muito cedo para reunir a banda novamente e John não compareceu porque o convite não se estendeu a sua esposa, Yoko Ono. O The Concert For Bangladesh foi feito com a finalidade de arrecadar fundos para refugiados de Bangladesh. Em 2005 o álbum foi relançado em CD e em DVD e as arrecadações foram doadas à Unicef.

Em 1980, ele escreveu uma autobiografia intitulada I Me Mine, onde falava pouco dos Beatles e mais de seus hobbies preferidos: corridas de Fórmula 1 e jardinagem. O livro inclui também letras de suas músicas e fotos raras. John Lennon, antes de morrer, declarou que ficou magoado com George por ter sido pouco mencionado em sua biografia.

Após o assassinato de John Lennon, em 1980, escreveu a canção "All those years ago" em sua homenagem e chamou Paul McCartney, Linda McCartney e Ringo Starr para participarem da gravação. A canção foi lançada no álbum de 1981, Somewhere in England e se tornou um sucesso, atingindo o segundo lugar nos Estados Unidos. Mas o álbum marcou um dos piores momentos da sua carreira. A Warner Bros. Records rejeitou quatro músicas ("Tears of the World", "Sat Singing", "Lay His Head" e "Flying Hour").

No primeiro ano da nova década viria a luz o segundo álbum do Traveling Wilburys, Traveling Wilburys Vol. 3, apesar da morte de Roy Orbison em 1988. Como substituto, o grupo havía pensado em Del Shannon, mas em fevereiro de 1990 o músico se suicidou.
George Harrison casou-se com a modelo Pattie Boyd em 21 de janeiro de 1966, tendo Paul McCartney como padrinho. Eles se conheceram em 1964, durante as filmagens do filme A Hard Day's Night(Os Reis do Iê-Iê-Iê)(BR). Muitos acreditavam que a música "Something" fosse escrita em homenagem a Pattie mas ele negou dizendo que a música foi feita inspirada em uma música de Ray Charles. No final dos anos 60, Eric Clapton apaixonou-se por Pattie e para ela compôs "Layla". O casamento com Pattie terminou em 1973, e ela acabou casando com Eric posteriormente. Apesar da situação, George e Eric continuaram grandes amigos até a morte de Harrison. E se chamavam de "husbands in law", uma espécie de "maridos-cunhados".

Harrison casou-se pela segunda vez com Olivia Trinidad Arias (nascida em 18 de maio de 1948), em 1978. A cerimônia aconteceu em 2 de setembro na casa de Harrison, tendo o cantor Joe Brown como padrinho. George conheceu Olivia Trindade Aires em 1974, quando ela era secretária da A&M Records. Em 1 de agosto de 1978, um mês antes do casamento, nasceu o filho deles, Dhani Harrison, aliás o único filho dele.

Em 1991, George iniciou uma turnê pelo Japão, acompanhado por Eric Clapton. O álbum com a turnê, Live in Japan, foi lançado em 1992. Foi seu segundo álbum ao vivo lançado e a primeira turnê feita em sua carreira solo desde a de 1974. Nesta turnê, diferentemente da de 74, foi incluída no repertório algumas composições clássicas da época dos Beatles além das da carreira solo.
O primeiro sinal de câncer de George apareceu na década de 90, no pulmão. Ele enfrentou várias cirurgias para eliminá-lo. Em 2001, o câncer reapareceu em metástase. Apesar dos tratamentos agressivos, logo se descobriu que era terminal, decidindo de imediato passar seus últimos dias em família e trabalhar em alguns projetos para posteriormente serem terminados por sua viúva e filho.

George faleceu dia 29 de novembro de 2001 em Los Angeles aos 58 anos de idade. Seu corpo foi cremado e alguns afirmam que suas cinzas jogadas no Rio Ganges embora a família não tenha oficialmente confirmado. Sua morte foi devido ao câncer que havia atingido ao cérebro. Após a sua morte, sua familia emitiu um comunicado: "Abandonou este mundo como viveu: consciente de Deus, sem medo da morte e em paz, rodeado de familiares e amigos". Harrison costumava dizer: "Tudo pode esperar, menos a busca de Deus".[7]

O álbum póstumo de George Harrison, Brainwashed, foi completado por seu filho Dhani Harrison e Jeff Lynne e lançado em 18 de novembro de 2002, recebendo positivas críticas e alcançando o posto 18 nas paradas de álbuns da Billboard. Dentre as canções do álbum se destacam o promocional "Stuck Inside a Cloud" e "Any Road" que alcançou o posto 37 nas paradas de sucesso britânicas.

Exatamente um ano após sua morte, Olívia Harrison, sua mulher, e Eric Clapton, seu amigo, organizaram o Concert for George, no Royal Albert Hall, em Londres. O concerto contou com a presença do filho de George, Dhani, além de grandes amigos como Ravi Shankar, Tom Petty, Jeff Lynne, Billy Preston, Jim Capaldi, Paul McCartney, Ringo Starr, Jools Holland, Albert Lee, Sam Brown, Gary Brooker, Joe Brown, Ray Cooper, integrantes do Monty Python e Tom Hanks.

John Denver

2008-02-12T17:37:00.000-08:00

John Denver (31 de dezembro de 1943 - 12 de outubro de 1997), nascido Henry John Deutschendorf, Jr., foi um cantor, compositor, músico e ator americano. Compunha e cantava canções do gênero musical conhecido como "country music". Denver morreu aos 53 anos na região costeira de Monterey, na Califórnia, enquanto pilotava um avião experimental, feito de fibra de vidro.

John Denver é mais conhecido por sua balada "Annie's Song", mas grandes sucessos foram também as canções Take me home, country roads och Come and let me look in your eyes. Ficou também famoso por outras paixões, além da música: aviões, Natureza e mulheres.

John Denver nasceu em Roswell, Novo México. Seu pai, Henry Deutschendorf, foi um oficial da Força Aérea americana e instrutor de vôo. Nasceu quando seu pai estava em missão na Base de Roswell e cresceu em várias bases aéreas do sudoeste americano. Freqüentou o curso secundário em Fort Worth, Texas, e mais tarde a escola Texas Tech.

Sua introdução à música ocorreu aos 12 anos, quando sua avó lhe presenteou um violão acústico Gibson. Começou tocando em clubes noturnos enquanto cursava a Universidade, de onde saiu em 1964, ao mudar-se para Los Angeles. Lá formou o Chad Mitchell Trio, que abandonou quando era conhecido como Denver, Boise and Johnson para seguir carreira solo a partir de 1969.

No ano seguinte, lançaria seu LP de estréia, Rhymes and Reasons. Os quatro álbuns seguintes: Whose Garden Was This, Take Me to Tomorrow, e Poems, Prayers and Promises fizeram dele um dos artistas mais populares nos Estados Unidos.

Denver desenvolveu carreira de sucesso como cantor e compositor, e uma trajetória menor como ator. Em 1994, escreveu uma autobiografia, chamada Take Me Home. Em 1970, mudou-se para Aspen, Colorado, logo após seu primeiro sucesso: "Leaving on a Jet Plane".

John Denver não foi reconhecido apenas por sua qualidade como músico, mas também por seu trabalho humanitário, em projetos de conservação de fauna, no Alasca, assim como em iniciativas contra a fome na África.

John Denver teve duas paixões em sua vida: cantar e voar. Piloto experiente, possuiu e pilotou seus próprios aviões, entre os quais modelos Lear Jet, mas também outros, com os quais praticava vôos acrobáticos. E foi justamente a paixão pelo vôo que lhe tirou a vida nas águas do mar da Califórnia em 12 de outubro de 1997, quando pilotava seu avião em fibra de vidro, marca Rutan, modelo Long-EZ, que havia adquirido em 12 de outubro do mesmo ano.

A imprensa publicou versões inconsistentes e contraditórias para explicar a causa do acidente, que na verdade resultou da conjugação de muitos fatores, como costuma acontecer na maioria dos acidentes com aviões.

Canções famosas
"Take Me Home, Country Roads" (1971) – escrita por Denver com Bill e Taffy Danoff. Tornou-se o hino de facto da Virgínia Ocidental, embora sem caráter oficial.
"Sunshine On My Shoulders" (1971) escrita por Denver com Dick Kniss e Mike Taylor
"Perhaps Love" (1981) – gravada com Plácido Domingo

José Vianna da Motta

2008-02-12T17:23:00.000-08:00

Nasceu na ilha de São Tomé em 22 de abril de 1868. Morreu em 1 de junho de 1948, em Lisboa.
Formou-se no Conservatório Nacional e estudou em Berlim no Conservatório Scharwenka. Durante sua estada na Alemanha, foi discípulo de Liszt que, juntamente com Hans von Bullow, com quem colaborou, e Richard Wagner, integra a trilogia germânica à qual Viana da Mota sempre esteve ligado. Ao eclodir a Primeira Guerra, Viana da Mota abandona Berlim e fixa residência em Genebra, onde se torna professor de piano no Conservatório, voltando a Lisboa em 1917. Entre 1918 e 1938, assume a Direção do Conservatório Nacional, formando, em 1918, a Sociedade de Concertos de Lisboa, de que foi o primeiro diretor artístico. Esta sociedade, primeira no gênero em Portugal, permite ao público entrar em contato com as grandes figuras contemporâneas da música. Viana da Mota, defensor de um "ideal da música de arte" que se opõe à ópera italiana, dedicou-se exclusivamente à composição de música instrumental e música de câmara, tendo-se notabilizado por suas magníficas composições para piano. Motivado pela música tradicional portuguesa e pela história de Portugal, Viana da Mota compôs igualmente peças baseadas no folclore português, tendo impulsionado a escola nacionalista tradicional. A sinfonia para orquestra À Pátria (1894-1895) encontra a sua fonte de inspiração em Os Lusíadas. Como pianista, foi um dos mais notáveis em Portugal, revelando-se excepcional intérprete de Bach e Beethoven. Distinguiu-se ainda como autor de várias obras sobre música, como Vida de Liszt (1945) e Música e Músicos Alemães (1947).

Reconhecido internacionalmente como um dos grandes pianistas de seu tempo, em 1882 vai para Berlim, onde foi influenciado por Carl Schaeffer e Hans von Bülow. Em Weimar, em 1885, estudou com Liszt.
Wagner foi uma figura marcante na sua vida e obra. Foi reconhecido como um especialista na pessoa do compositor alemão.
Na Primeira Guerra Mundial teve que abandonar a Alemanha, indo para Genebra, onde ficou até 1917, quando regressa definitivamente a Portugal.
Teve um papel de importância capital nas mudanças operadas em Portugal nas primeiras décadas do século XX ao nível do ensino da música e do gosto musical, nomeadamente através da defesa da música instrumental de raiz germânica em detrimento da ópera italiana que então dominava o meio musical português.
Detentor de uma vasta cultura, combina na sua obra a estética do romantismo alemão e um estilo que tende para o nacionalismo, através da recriação de elementos do folclore. As suas obras para canto e piano são particularmente ilustrativas destas duas tendências repartindo-se entre o lied em língua alemã e a canção portuguesa (gênero em que teve um papel pioneiro), refletindo assim a ambivalência entre uma consciência européia de cariz cosmopolita e a necessidade de criar uma música portuguesa.
A música para piano e para canto e piano, fazem parte de suas obras primas. Musicou tanto textos portugueses como alemães.
Dedicou-se quase que exclusivamente à canção de câmara e à música instrumental, com linguagens estéticas e técnicas de Liszt, Wagner e do nacionalismo russo. Também se dedicou a um estilo estritamente nacional, influenciado pelo folclore português, como na Balada, Opus 16, escrita sobre dois temas populares: Tricana da Aldeia e Ave Maria.
Sua obra mais simbólica é a Sinfonia "A Pátria". Cada um de seus quatro andamentos é a expressão musical da obra de Camões, Os Lusíadas. É a primeira sinfonia bitemática escrita por um compositor português, depois de Domingos Bomtempo.

OBRA

Sinfonia "A Pátria" em Lá maior, Opus 13 (1895);
Invocação dos Lusíadas, música coral-sinfônica;
Sonata;
Fantasiestück;
Cantiga de Amor;
Valsa Caprichosa;
Balada Opus 16;
Diversos lieder e canções portuguesas.

Ernesto Júlio de Nazareth

2008-02-12T17:17:00.000-08:00

"Seu jogo fluido, desconcertante e triste ajudou-me a compreender melhor a alma brasileira", disse sobre ele, o compositor francês Milhaud.
Desenvolveu um gênero peculiar, entre a valsa e o choro, que chamava de "tango brasileiro".
Sua obra sofreu a influência da música de Chopin, sem se afastar da espontaneidade e singeleza dos motivos populares em que se inspirou.
Somente uma pequena parte das mais de 200 peças para piano foi gravada.

OBRA

Polcas:
Apanhei-te Cavaquinho;
Ameno Resedá;
Você Bem Sabe;

Choros:
Janota;
Sustenta a Nota;

Valsas:
Confidências;
Coração que Sente;
Expansiva;
Turbilhão de Beijos;
Eponina;
Ouro sobre Azul;

Tangos brasileiros:
Odeon;
Bambino;
Brejeiro;
Duvidoso;
Fon-Fon;
Batuque;
Turuna;
Escovado.

Ernesto Júlio de Nazareth (Rio de Janeiro, 20 de março de 1863 — Jacarepaguá, 1º de Fevereiro de 1934) foi um pianista e compositor brasileiro, considerado um dos grandes nomes do "tango brasileiro" ou, simplesmente, choro.

"Seu jogo fluido, desconcertante e triste ajudou-me a compreender melhor a alma brasileira", disse o compositor francês Darius Milhaud sobre Ernesto Nazareth, carioca que fixou o "tango brasileiro" e outros gêneros musicais do Rio de Janeiro de seu tempo.

Estudou música com os professores Eduardo Madeira e Lucien Lambert. Intérprete constante de suas próprias composições, apresentava-se como "pianista em salas de cinema, bailes, reuniões e cerimônias sociais. De 1910 a 1913, e de 1917 a 1918, trabalhou na sala de espera do antigo Cinema Odeon (anterior ao da Cinelândia), onde muitas personalidades ilustres iam àquele estabelecimento apenas para ouvi-lo.

Deixou-nos cerca de 230 peças para piano. E suas obras mais conhecidas são: "Apanhei-te, cavaquinho!...", "Ameno Resedá" (polcas), "Confidências", "Coração que sente", "Expansiva", "Turbilhão de beijos" (valsas), "Bambino", "Brejeiro", "Odeon" e "Duvidoso" (tangos brasileiros).

Ernesto Nazareth ouviu os sons que vinham da rua, tocados por nossos músicos populares, e os levou para o piano, dando-lhes roupagem requintada. Sua obra se situa, assim, na fronteira do popular com o erudito, transitando à vontade pelas duas áreas. Em nada destoa se interpretada por um concertista, como Arthur Moreira Lima, ou um chorão como Jacob do Bandolim. O espírito do choro estará sempre presente, estilizado nas teclas do primeiro ou voltando às origens nas cordas do segundo. E é esse espírito, essa síntese da própria música de choro, que marca a série de seus quase cem tangos-brasileiros, à qual pertence "Odeon".

Em 1931, o compositor começou a manifestar problemas mentais que motivaram sua internação na colônia Juliano Moreira, em Jacarepaguá. No dia 1 de fevereiro de 1934, Nazareth fugiu do manicômio e só foi encontrado três dias depois, morto por afogamento em uma cachoeira próxima.

César Guerra-Peixe

2008-02-12T17:04:00.000-08:00

Nasceu em Petrópolis, Brasil, em 18 de março de 1914 e faleceu no Rio de Janeiro em 26 de novembro de 1993.
Em 1934 foi para o Rio, onde realizou estudos de composição, orquestração, contraponto, fuga, técnica dodecafônica, musica serial, harmonia acústica e estética da música.
Com o Tributo a Portinari, confirma seu incomparável domínio de orquestração.
Em 1941 foi ao Recife com o objetivo de conhecer as diversas manifestações do folclore nordestino. Sua música ganhou uma nova dimensão a partir do estudo de ritmos nordestinos como o maracatu, coco, xangô e frevo.
Suas peças eram, até então, compostas dentro do modelo clássico com melodia brasileira, sendo a Suíte Infantil nº 1 a expressão maior desse período.
Em 1944, entra em contato com o dodecafonismo. Sua primeira composição, Sonatina para flauta e clarinete, foi intencionalmente antinacionalista.
Depois de compor Música nº 1, uma obra em que todas as características dodecafônicas se realizam alheias aos valores musicais brasileiros, suas obras seguintes acentuaram a intenção de nacionalizar os 12 sons. A peça Trio de Cordas foi um marco na pesquisa da dodecafonia, no sentido de conferir-lhe tons nacionais.
Nos anos 70, estruturou em forma de cantata popular os afro-sambas de Baden Powell e Vinícius de Moraes. Compôs trilhas para os filmes Terra é Sempre Terra e O Canto do Mar. Também fez arranjos sinfônicos para músicas de Chico Buarque, Luiz Gonzaga e Tom Jobim.

César Guerra-Peixe,filho de imigrantes portugueses de origem cigana, nasceu em Petrópolis no dia 18 de março de 1914. Aos 9 anos já tocava violão, bandolim, violino e piano. Viajava muito com a família pelo interior do Rio de Janeiro e de Minas Gerais, assistindo freqüentemente a grupos folclóricos, o que marcou muito sua infância. Estudou violino com o professor Gao Omacht, na Escola de Música Santa Cecília, e teve aulas particulares de violino e piano com Paulina d’Ambrósio. Com apenas cinco anos de estudo, obteve a medalha de ouro oferecida pela Associação Petropolitana de Letras. Após prestar concurso para ingressar na Escola Nacional de Música, obtendo o primeiro lugar, Guerra Peixe transferiu-se para o Rio de Janeiro, onde, para sobreviver, passou a trabalhar como músico em orquestras de salão que tocavam em confeitarias e bares, além de integrar um trio alemão que se apresentava na Taberna da Glória. Na Escola de Música, fez os cursos de harmonia elementar, com Arnaud Gouveia, e de conjunto de câmara, com Orlando Frederico. Nesta época, começou a trabalhar como arranjador para alguns cantores e gravadoras. Depois de ler Ensaio sobre a Música Brasileira, de Mário de Andrade, Guerra Peixe mudou seu conceito de composição. "Depois de ter lido Mário, comecei a compor com mais consciência...". Em 1943, ingressou no Conservatório do Rio de Janeiro, para se aperfeiçoar em contraponto, fuga e composição, tornando-se o primeiro aluno a concluir o curso de composição do Conservatório.

Em 1944, terminado o curso, Guerra Peixe, ansioso por conhecer as novidades no campo da música, entrou em contato com o professor Koellreutter, que trouxe para o Brasil o dodecafonismo, a técnica dos 12 sons criada por Schöenberg. Suas peças eram, até então, compostas dentro do modelo clássico com melodia brasileira, sendo a Suíte infantil n.º 1 para piano a expressão maior desse período. Na primeira fase da concepção dodecafônica, sua primeira composição, Sonatina para flauta e clarinete, foi intencionalmente antinacionalista. Compôs também a obra Noneto, interpretada por Hermann Scherchen em diversos centros europeus. Nessa época, participava do grupo Música Viva, com Cláudio Santoro, Edino Krieger e Eunice Katunda.
Depois de compor uma obra em que todas as características dodecafônicas se realizam alheias aos valores musicais brasileiros, Música n.º 1 para piano e solo, suas obras seguintes acentuaram a intenção de nacionalizar os 12 sons, como a Sinfonia n.º 1 para pequena orquestra, executada pela BBC de Londres, o 1º quarteto de cordas, as Miniaturas para piano. A peça Trio de Cordas foi um marco na pesquisa da dodecafonia, no sentido de conferir-lhe tons nacionais. Composta em 1945, nota-se, no segundo movimento (andante), um desprendimento no manejo da técnica dos doze sons. A fase dodecafônica encerrou-se em 1949 com a Suíte para flauta e clarinete.

Em junho de 1941, Guerra Peixe decidiu ir ao Recife com o objetivo de conhecer as diversas manifestações do folclore nordestino. Voltou depois ao Rio de Janeiro, mas por pouco tempo. Insatisfeito com seus conhecimentos folclóricos, firmou um contrato de trabalho com uma emissora da capital pernambucana, a fim de poder estudar a fundo o folclore, tornando-se um "sulista nordestinizado", como o descreveu Gilberto Freyre. Guerra Peixe passou a conhecer o folclore brasileiro como poucos, ganhando sua música uma nova dimensão a partir do estudo de ritmos nordestinos como o maracatu, coco, xangô, frevo. O compositor descobriu que os passos do frevo foram trazidos por ciganos de origem eslava e espanhola, e não por negros africanos, como se pensava até então.

" Durante 3 anos me meti nos xangôs, maracatus, viajei para o interior, recolhi músicas de rezas para defunto, da banda de pífanos..."

Publicou em 1955, como resultado de suas pesquisas, o trabalho Maracatus do Recife. Em 1960 compôs a sinfonia Brasília, conhecida como a obra mais importante de sua fase nacionalista.

Guerra Peixe compôs trilhas para os filmes Terra é sempre terra e O canto do mar, sendo premiado em 1953 como melhor autor de música de cinema.

Também realizou trabalhos no campo da música popular brasileira, fazendo arranjos sinfônicos para músicas de Chico Buarque, Luiz Gonzaga e Tom Jobim.

Integrou a Orquestra Sinfônica Nacional como violonista e dedicou-se à carreira de professor, dando aulas de composição na Escola de Música Villa-Lobos, e de orquestração e composição, na Universidade Federal de Minas Gerais.

Na sua fase de maturidade artística, compôs Tributo a Portinari, confirmando seu incomparável domínio de orquestração. Poucos compositores conseguiram, como ele, atingir uma versatilidade e uma admirável concisão de linguagem, buscando na simplicidade a sua arma mais eficaz.

OBRA

Suíte Infantil nº 1, para piano;
Retirada da Laguna, para orquestra;
Trítico de Portinari, para orquestra;
Maracatus do Recife (1955);
Brasília (1960), sinfonia, a obra mais importante de sua fase nacionalista.

Obras dodecafônicas:
Sonatina, para flauta e clarinete, antinacionalista;
Noneto;
Música nº 1, para piano e solo;
Sinfonia nº 1, para pequena orquestra;
Quarteto de Cordas nº 1;
Miniaturas, para piano;
Trio de Cordas (1945);
Suíte, para flauta e clarinete (1949).
Roda de Amigos.

Francisca Edwiges Neves Gonzaga

2008-02-12T16:59:00.000-08:00

Chiquinha Gonzaga nasceu no Rio de Janeiro em 17 de outubro de 1847. Morreu em 28 de fevereiro de 1935, na mesma cidade.
Foi uma das maiores expressões da musicalidade brasileira do final do século XIX ao início do XX.
Recebeu sólida formação de pianista e regente. Com sua numerosa e variada obra musical, contribuiu para fixar o cancioneiro popular brasileiro com maxixes, modinhas e o nascente samba urbano. Aproximou a música erudita da popular e foi uma das primeiras a introduzir o violão nos salões cariocas.
Iniciou a carreira como compositora de polcas, muito apreciadas na época. Seu primeiro sucesso foi a polca Atraente. Depois de várias tentativas, conseguiu ser aceita como compositora teatral, estreando com a música da opereta A Corte na Roça. Seguiu-se uma extensa obra musical para revistas, comédias e operetas.
O Corta Jaca, da peça Zizinha Maxixe, foi estilizado por Darius Milhaud, na sinfonia Le Boeuf sur le Toit.
Sua marcha-rancho Abre Alas foi a primeira marcha carnavalesca e tornou-se o hino do carnaval carioca.
Participou ativamente na luta pelo direito autoral (fundou a Sociedade Brasileira dos Autores Teatrais) e na campanha abolicionista. Por suas atitudes revolucionárias, foi alvo dos preconceituosos da época.

Filha de um general do Exército Imperial e de uma mãe humilde e mulata, Chiquinha Gonzaga foi educada numa família de pretensões aristocráticas (seu padrinho era o Duque de Caxias). Fez seus estudos normais com o Cônego Trindade e musicais com o Maestro Lobo. Desde cedo freqüentava rodas de lundu, umbigada e outras músicas populares típicas dos escravos.

Aos 16 anos, por imposição da família, casou-se com Jacinto Ribeiro do Amaral, oficial da Marinha Imperial. Não suportando a reclusão do navio onde o marido servia e as ordens para que não se envolvesse com a música, Chiquinha separou-se.

Após a separação, envolveu-se com o engenheiro João Batista e passou a viver como musicista independente, tocando piano em lojas de instrumentos musicais. Deu aulas de piano e obteve grande sucesso, tornando-se também compositora de polcas, valsas, tangos e cançonetas. Ao mesmo tempo, uniu-se a um grupo de músicos de choro, que incluía ainda o compositor Joaquim Antônio da Silva Calado, apresentando-se em festas.

Chiquinha Gonzaga, aos 78 anosA necessidade de adaptar o som do piano ao gosto popular valeu a Chiquinha Gonzaga a glória de se tornar a primeira compositora popular do Brasil. O sucesso começou em 1877, com a polca Atraente. Em 1897, tornou-se conhecida sua versão estilizada do "Corta-Jaca", sob a forma de tango, intitulada Gaúcho. Dois anos depois, compôs a marcha Ó Abre Alas, a primeira música escrita para o carnaval de que se tem notícia, para o cordão Rosa de Ouro, do bairro carioca do Andaraí.

A partir da repercussão de sua primeira composição impressa, resolveu lançar-se no teatro de variedades e revista. Estreou compondo a trilha da opereta de costumes "A Corte na Roça", de 1885. Em 1911, estréia seu maior sucesso no teatro: a opereta Forrobodó, que chegou a 1500 apresentações seguidas após a estréia - até hoje o maior desempenho de uma peça deste gênero no Brasil. Em 1934, aos 87 anos, escreveu a partitura da opereta "Maria". Foi criadora da célebre partitura da opereta "A Jurity", de Viriato Correia.

Ao todo, compôs músicas para 77 peças teatrais, tendo sido autora de cerca de duas mil composições.

Chiquinha participou ainda, ativamente, da campanha abolicionista e foi fundadora da Sociedade Brasileira de Autores Teatrais.

Chiquinha Gonzaga já foi retratada como personagem no cinema e na televisão, dirigida por Jayme Monjardim e interpretada por Regina Duarte e Gabriela Duarte, na minissérie Chiquinha Gonzaga (1999), na TV Globo, e por Bete Mendes, no filme "Brasília 18%" (2006), dirigido por Nelson Pereira dos Santos.

OBRA

Atraente (1877), polca;
Abre Alas (1899), marcha;

Para revistas, comédias e operetas:
A Corte na Roça (1885), opereta;
A Filha do Guedes (1885);
Abacaxi (1893);
Zizinha Maxixe (1895), com o maxixe Corta Jaca;
Forrobodó (1911);
Sertaneja, de Viriato Correia, do libreto Viagem ao Parnaso, de Artur Azevedo
Juriti (1919).

Johannes Brahms

2008-02-12T16:50:00.000-08:00

Nasceu em em 7 de maio de 1833, em Hamburgo, Alemanha. Faleceu em Viena, Áustria, em 3 de abril de 1897.
Na mocidade foi romântico, mas poucas obras românticas subsistem porque Brahms tinha o hábito de destruir os originais que não resistiam à sua severa autocrítica. Calcula-se que só possuímos a metade daquilo que escreveu.
Em sua segunda fase, decididamente não-romântica, seguiu, como modelo, o Beethoven da segunda fase. Música instrumental absoluta, evitando inspirações e alusões poético-literárias. É a música do classicismo vienense ressurgindo em plena metade do século XIX, embora diferente, pelo espírito sombrio de Brahms. É uma sucessão de obras-primas.
A última fase de Brahms caracteriza-se por efusões rapsódicas, o emprego de recursos pré-clássicos e formas de Bach.
Ele apenas não escreveu óperas.
Sua linguagem musical é original, específica. Sua música é caracterizada pela fusão do lied melódico e da polifonia instrumental, através de uma rigorosa construção arquitetônica, conforme os princípios de Haydn, Mozart e Beethoven. Não tolera a improvisação nem os isoláveis "trechos brilhantes". A emoção profunda, sim, mas em forma estrita.
Esse "formalismo" dificulta o acesso à sua música para todos os que só costumam ouvir com o coração. Para os ouvintes não-alemães há mais uma dificuldade: o germanismo muito mais acentuado que o do nacionalista Wagner. Sempre se interessou pelo folclore musical. Esse germanismo dificultou, durante muito tempo, a difusão de sua música no estrangeiro.
Na Alemanha, o wagnerianismo vitorioso o hostilizou de todas as maneiras. Mas enfim, tanto a Áustria como a Alemanha acabaram por se render a Brahms.

No dia 7 de maio de 1833, em Hamburgo, nasceu Johannes Brahms. Seu pai, Johan Jacob, era contrabaixista e ganhava a vida tocando nos bares e nas tavernas da cidade portuária. Logo ele percebeu os dotes incomuns do filho e quando este completava 7 anos, contratou o excelente professor Otto Cossel para dar-lhe aulas de piano. Aos 10 anos, fez seu primeiro concerto público, interpretando Mozart e Beethoven. Também aos 10 anos, frequentava tabernas com seu pai e tocava lá durante parte da noite.

Não tardou em receber um convite para tocar nas cervejarias da noite hamburguesa, ao lado de seu pai. Enquanto trabalhava como músico profissional, Johannes tinha aulas com Eduard Marxsen, regente da Filarmônica de Hamburgo e compositor. Foi Marxsen quem lhe deu as primeiras noções de composição, para sua grande alegria.

Na noite, Brahms conhece Eduard Reményi, violinista húngaro que havia se refugiado em Hamburgo. Combinam um torneio pela Alemanha. Foi um sucesso, mas por causa dos excessivos malabarismos de Reményi. Johannes não fica muito contente com esta postura, mas usufrui a viagem - acaba conhecendo Joseph Joachim, famoso violinista, que se tornaria um de seus maiores amigos, Liszt e, principalmente, os Schumann.

Em sua casa em Düsseldorf, no ano de 1853, Robert e Clara Schumann o receberam como gênio. Robert logo tratou de recomendar as obras de Brahms aos seus editores e escreveu um famoso artigo na Nova Gazeta Musical, entitulado Novos Caminhos, onde era chamado de "jovem águia" e de "Eleito". Quanto à Clara, existem muitas hipóteses de que os dois teriam tido um relacionamento amoroso, mas nenhuma prova - ambos destruíram cartas e outros documentos que poderiam afirmar isso. Restou apenas a dúvida.

Brahms ficou alguns anos perambulando entre as cidades da Alemanha, "fixando-se" em duas residências - a de Joachim em Hannover e a de Schumann em Düsseldorf. Esta vida de errante haveria de terminar em 1856, com a trágica morte de Schumann. Foi quando conseguiu o emprego de mestre de capela do pequeno principado de Lippe-Detmold.

Em 1860, comete um grande erro: assina, junto com Joachim e outros dois músicos, um manifesto contra a chamada escola neo-alemã, de Liszt e Wagner, e sua "música do futuro". Embora Brahms nunca fosse afeito a polêmicas, acabou entrando nessa, o que lhe valeu a pecha de reacionário, derrubada apenas no nosso século pelo famoso ensaio de Schoenberg, Brahms, o Progressista.

Então, três anos mais tarde, resolve morar em Viena. Seu primeiro emprego na capital austríaca foi como diretor da Singakademie, onde regia o coro e elaborava os programas. Apesar do relativo sucesso que obteve, pediu demissão em um ano, para poder dedicar-se à composição. A partir daí, sempre conseguiu sustentar-se apenas com a edição de suas obras e com seus concertos e recitais.

Em Viena, conseguiu o apoio e admiração do importante crítico Eduard Hanslick (mais um Eduard em sua vida!), mas isso não era suficiente para garantir-lhe fama. Foi só a partir da estréia do Réquiem Alemão, em 1868, que Brahms começou a ser reconhecido como grande compositor. O reflexo disso é que, em 1872, foi convidado para dirigir a Sociedade dos Amigos da Música, a mais célebre instituição musical vienense. Ficaria lá até 1875.

Em 1876, um fato marcante: estréia sua Primeira Sinfonia, ansiosamente aguardada. Foi um grande sucesso e Brahms ficou marcado como sucessor de Beethoven - o maestro Hans von Bülow até apelidou a sinfonia de Décima.

Como alguém já observou, a vida de Brahms vai-se ralentando em razão contrária de sua produção. Os anos que se seguem são tranquilos, marcados pela solidão (manteve-se solteiro), pelas estréias de suas obras, pelas longas temporadas de verão e pelas viagens (principalmente à Itália).

Em 1890, após concluir o Quinteto de Cordas op. 111, decide parar de compor e até prepara um testamento. Mas não ficaria muito tempo longe da atividade; no ano seguinte, encontra-se com o clarinetista Richard Mülhfeld, e, encantado com o instrumento, escreve inúmeras obras de câmara para clarinete.

Sua última obra publicada foi o ciclo Quatro Canções Sérias, onde praticamente despede-se da vida. Ele deu a coletânea a si mesmo de presente no aniversário de 1896. Johannes Brahms viria a morrer um ano depois, em 3 de Abril de 1897.

Brahms dedicou grande parte de sua obra ao piano, principalmente na juventude e na velhice. As obras juvenis, como as três sonatas (em Fá Sustenido Maior, Dó Maior e Fá Menor), são vigorosas e apaixonadas, superabundantes em termos temáticos.

Resolvidos os desafios da sonata, Brahms entrou no gênero em que se revelaria um mestre: a variação. O primeiro conjunto publicado foi a das Dezesseis Variações sobre um Tema de Schumann, escritas em 1854, onde já demonstra seu domínio técnico. Mas foi com as 25 Variações e Fuga sobre um Tema de Handel que Brahms atingiu o máximo no campo. Outras obras-primas são os dois grupos de Variações sobre um Tema de Paganini, de dificílima execução, e as Variações sobre um Tema de Haydn, para dois pianos, que ficariam célebres em sua versão orquestral.

No campo das formas mais livres, destacam-se na produção pianística de Brahms as Baladas op. 10, da juventude, os Intermezzos op. 117 e as Klavierstücke op. 118 e 119, da velhice.

Música de câmara
Este foi o gênero brahmsiniano por excelência, tendo exemplares em todas suas quatro fases. Entre as primeiras, destacam-se o ardente Trio op. 8, que seria revisado 35 anos mais tarde, o impressionante Sexteto de Cordas no. 1 e o exuberante Quarteto para Piano op. 25 - o último seria orquestrado por Schoenberg, que queria demonstrar as potencialidades sinfônicas da obra.

Mais maduros, os dois Quartetos de Cordas op. 51 demonstram a capacidade de síntese e concentração que viria a caracterizar a maturidade artística de Brahms. O terceiro quarteto, opus 67, seria menos tenso. Composto já no final da vida, o Quinteto de Cordas op. 111, considerado perfeito pelo compositor, é mais vigoroso e alegre.

Este Opus 111 levou Brahms a ensaiar uma aposentadoria, mas ela não veio. Ainda comporia mais quatro obras camerísticas, todas dedicadas ao clarinete. Destaque para o quinteto e para as duas sonatas compostas para o instrumento, suas últimas peças no gênero.

No campo da sonata de câmara, Brahms compôs três grandes sonatas para violino e piano (a primeira é a mais conhecida) e duas sonatas para violoncelo e piano.

Música vocal
Brahms foi um grande compositor de canções. Numericamente, os lieder formam a maior parte da obra brahmsiniana. Entre os ciclos mais conhecidos encontram-se Romanzen aus Magelone e as Quatro Canções Sérias, este último sua obra derradeira.

Na música coral de Brahms, destacam-se o Réquiem Alemão, talvez sua obra mais famosa, que o consagrou definitivamente, a Canção do Destino e a Rapsódia para Contralto, magnífica peça que encantou até Hugo Wolf, habitual crítico

A última obra orquestral de Brahms é o Concerto Duplo, para Violino e Violoncelo. É uma de suas obras mais apaixonantes. O diálogo entre os solistas no movimento lento é um dos pontos altos de toda a produção brahmsiniana, e vale como um resumo de sua obra: os mais complexos e contraditórios sentimentos são aqui pintados em delicados meios-tons.

Como bem disse Romain Goldron, "nada é deixado ao acaso nessas páginas onde reinam as penumbras, os meios-tons, os mistérios da floresta, na qual, a todo instante, parece que vamos nos perder".

OBRA

Da primeira fase:
Sonata para piano em Fá menor, Opus 5 (1853);

Da segunda fase:
Variações e Fuga Sobre um Tema de Händel, Opus 24, sua obra prima para piano;
Variações Sobre um Tema de Haydn, Opus 56 (1873), para dois pianos;
Sinfonia nº 1, Opus 68 (1877);
Sinfonia nº 3, Opus 90 (1883);
Sinfonia nº 4, Opus 98 (1885);
Concerto Duplo, Opus 102, para violino, violoncelo e orquestra (1887);
Inúmeros lieder;

Da terceira fase:
a) no estilo rapsódico:
Três Intermezzi, Opus 117 (1892);
Sechs Stuecke (Seis Peças), Opus 118 (1893);
b) no estilo "arcaico":
Sinfonia nº 4, Opus 98 (1885);
c) no estilo arcaico e rapsódico:
Quinteto para clarineta, Opus 115 (1891);

Da paixão pelo folclore germânico, destacamos:
Danças Húngaras;
Sonata para violino nº 1, Opus 78;
Muitos lieder.

Charles-François Gounod

2008-02-12T16:40:00.000-08:00

Nasceu em 17 de junho de 1818 em Paris. Morreu em Saint-Cloud, perto de Paris, em 18 de outubro de 1893.
O ressurgimento musical francês do século XIX teve seu principal artífice em Gounod, famoso pelas óperas e pela música religiosa, nas quais se manteve afastado do gosto italiano em voga.
Buscou revitalizar o gosto musical francês frente à moda italiana. Dotado de forte senso melódico, tendeu, porém, para o sentimentalismo.
A famosa Ave Maria (ou Meditação Sobre um Tema de Bach) é baseada no Prelúdio em Dó maior, do Cravo bem Temperado, livro I, de Bach.

OBRA

As óperas:
Faust (1859), obra que lhe deu fama;
Mireille (1864);
Romeu e Julieta (1867);

Música religiosa:
La Rédemption (A Redenção, 1822), oratório;
Mors et Vita (Morte e Vida, 1855), oratório;
Mess Solennele à Sainte-Cécile (Missa Solene para Santa Cecília, 1855);
Missa à Memória de Joana d'Arc (1887);
Ave Maria, sua obra mais popular.

Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy

2008-02-12T16:34:00.000-08:00

Nasceu em 3 de fevereiro de 1809 em Hamburgo, Alemanha. Morreu em Leipzig, em 4 de novembro de 1847.
Foi um dos maiores compositores românticos alemães, de alto nível cultural e moral.
Depois de ter sido o compositor mais festejado da época, sobretudo na Inglaterra, caiu em desprezo porque a crítica via nele um discípulo do classicismo com, apenas, feições externas de romantismo e devido, também, ao anti-semitismo dos wagnerianos. Durante o nazismo, suas obras foram banidas do repertório alemão.
Sua linguagem musical é inconfundivelmente pessoal. Um eclético.
Como regente, em 1829 ressuscitou o então esquecido Bach, regendo em Berlim a Paixão Segundo São Mateus. Resgatou também músicas de Handel, Haydn e Mozart.
Foi o primeiro maestro a dispensar a antiga tradição de interromper uma sinfonia entre seus movimentos, para apresentar canções e solos instrumentais; ele fazia questão de que as obras fossem executadas completas.

OBRA

Abertura Sonho de uma Noite de Verão (1816);
Abertura A Gruta de Fingal (As Hébridas), Opus 26 (1830);
Sinfonia nº 4 (Italiana), Opus 90 (1833);
Concerto para violino nº 2, Opus 64 (1844).
Algumas das suas mais conhecidas obras são a suíte Sonho de uma Noite de Verão (que inclui a famosa marcha nupcial), os dois concertos para piano e o concerto para violino, cerca de 100 Lieder, os oratórios São Paulo e Elijah entre outros. Seu pai era um rico banqueiro judeu, que convertido ao cristianismo, acrescentou Bartholdy ao seu apelido. Felix cresceu em Berlim, e começou a aprender um piano em uma idade precoce. Ele mostrou uma incrível capacidade musical precocemente, dando o seu primeiro concerto com nove anos, com treze publicou seu primeiro trabalho como compositor. Seus trabalhos incluem sinfonias, concertos, oratórios e musica de câmara. Após um longo período de denegração devido a mudança nos gostos musicais e do anti-semitismo no final do séc. XIX e início do sec. XX, sua originabilidade é agora reconhecida e re-avaliada, e agora está entre os mais populares compositores da Era Romantica.

Joseph-Maurice Ravel

2008-02-12T16:25:00.000-08:00

Nasceu em 7 de março de 1875, em Ciboure, e morreu em 1937, em Paris, no dia 28 de dezembro.
Representou o caminho natural do nacionalismo neolatino para o neoclassicismo, através do impressionismo.
Embora o impressionismo de Debussy tenha sido seu ponto de partida, houve separação de caminhos. Enquanto Debussy, vago e poético, é influenciado por Mussorgsky e Chopin, Ravel, espirituoso e exato, sofre influência de Rimsky-Korsakov e Liszt.
No piano e na regência foi mestre.
Apesar de contemporâneo da belle époque, Ravel não a viveu, foi um solitário de instintos aristocráticos.
Os ritmos de danças sempre foram, desde os tempos de Lully, Couperin e Rameau, o recurso específico da música francesa para pôr em ordem o caos sonoro. Ravel também usou-o.
Um traço característico da música de Ravel, comparada com a de Debussy, é o dinamismo. A música de Debussy é essencialmente estática: seus pontos firmes são os acordes isolados. A de Ravel está em movimento perpétuo.
Ravel foi o último grande mestre clássico da música européia.
Começou a manifestar interesse pela música aos 7 anos. Desde então dedicou-se ao estudo do piano, mas só começou a frequentar o Conservatório de Paris aos 14. Posteriormente, em 1895, passou a estudar só e retornou ao Conservatório em 1898, quando estudou composição com Gabriel Fauré. Concorreu no Prix de Rome, mas não foi bem sucedido.

Foi influenciado significativamente por Debussy, mas também por compositores anteriores, como Mozart, Liszt e Strauss, mas logo encontrou seu próprio estilo, que ficou, porém, marcado pelo Impressionismo.

É mundialmente conhecido pelo seu Bolero, ainda hoje a obra musical francesa mais tocada no mundo. A composição foi encomendada pela bailarina Ida Rubistein e estrou na Ópera de Paris em 1928. Ravel descreveu seu Boléro como "uma obra para orquestra sem música". Para Ravel, esta música não existiria sem o acompanhamento dos bailarinos.

Faleceu das conseqüências de um acidente de táxi ocorrido em 1932. Durante o período que precedeu a sua morte, havia perdido parte da sua capacidade de compor devido às lesões cerebrais causadas pelo acidente. A sua inteligência sempre se manteve intacta mas o seu corpo já não respondia adequadamente tendo sofrido de graves problemas motores.

OBRA

Introdução e Allegro (1906);
Ma Mère l'Oye (Mamãe Gansa, 1908);
Pavane pour une Infante Défunte (1889);
Gaspard de la Nuit, suíte;
Valses Nobles et Sentimentales, suíte;
L'Heure Espagnole (1911), ópera;
Bolero (1928), música de balé;
Daphnis et Chloé (1912), balé;
Concerto para a Mão Esquerda (1931);
Concerto para piano em Sol.

SERGEI VASSILIEVITCH RACHMANINOV

2008-02-12T16:20:00.000-08:00

O pianista e compositor russo Rachmaninov foi um dos maiores concertistas de sua época e o último expoente do Romantismo russo.

Iniciando seus estudos com Nikolai Zverev, formou-se aos 19 anos no conservatório de Moscou, logo despertando atenção com seu prelúdio em dó sustenido menor (1892).

O sentimento de insegurança do jovem Rachmaninov levava-o a constantes crises emocionais, a mais grave seguiu-se após o fracasso de sua sinfonia N. 2 (1897). Durante este período, o compositor procurou um psiquiatra, Nikolai Dahl, a quem retribuiu a reabilitação de sua autoconfiança, dedicando-lhe o concerto N.2 para piano e orquestra (1901), hoje sua obra mais popular.

Ao rebentar a revolução de 1905, Rachmaninov deixou o cargo de regente do Teatro Bolshoi e mudou-se com a família para Dresden, onde escreveu o poema sinfônico A Ilha dos Mortos (1909) e o concerto N.3 (1909), este escrito especialmente para sua primeira viagem aos EUA.

Retornando a Moscou, Rachmaninov definiu seu lugar na vida musical russa, ligando-se ao grupo de Tchaikovsky, Rubinstein e Taneyev. Após a revolução de 1917, transfere-se definitivamente para os EUA, onde nunca acostumou-se a morar, fixando-se em Nova York. Cessa quase completamente sua produção como compositor e dedica-se à carreira de concertista. Sua únicas obras importantes deste período são a Rapsódia sobre um tema de Paganini (1934) e a Sinfonia N.3 (1936).

Em 1942, atraído pela presença de atores e diretores russos que proliferavam em Hollywood, mudou-se para Beverly Hills. Mas já estava muito mal de saúde, minado pelo cancer. Devido ao seu estado, o compositor foi levado para Nova Orleans. Certamente ele sabia disso e quis, de alguma forma, estar mais perto de sua pátria: pediu uma enfermeira russa e um rádio que lhe permitisse ouvir música emitida de Moscou. Morreu em 1943, corroído pelo cancer e pela amargura de saber que a guerra assolava seu país.

Embora tenha sido quase toda escrita no século XX, a música de Rachmaninov ancora-se na tradição oitocentista e é classificada como Romântica.

Georg Friedrich Händel

2008-02-12T15:45:00.000-08:00

Nasceu em Halle, na Alemanha, em 23 de fevereiro de 1685. Morreu em Londres em 20 de abril de 1759.
Representou a contribuição inglesa para a polifonia, embora fosse alemão de nascimento.
Virtuose do órgão e do cravo, alcançou o sucesso quando desenvolveu e começou a executar oratórios nas salas de concertos.
Considerado por Haydn, Mozart e Beethoven como o maior de todos os compositores, não deixava de ser, no entanto, um plagiário, pois adaptava ou recompunha obras de que gostava, de outros compositores e mesmo suas.
Embora fosse um cristão muito devotado, o barroco protestante inglês está presente na sua música litúrgica, especialmente na música coral.
Ele foi muito superior em suas obras vocais, um dos pricipais compositores de ópera do período barroco, embora seja mais conhecido como compositor de oratórios ingleses.
Seus 17 oratórios são a música mais grandiosa. Peças dramáticas em 3 atos, são como óperas de enredo bíblico, com alusões a fatos do Império Britânico, mas representadas sem encenação ou ação. Essa mistura de antigüidade clássica e atualidade política é tipicamente barroca, de um barroco protestante. Nessas obras predominam os coros, tradução para a linguagem vocal da nova polifonia instrumental do barroco.
Messias, o oratório mais popular de Handel, ao contrário dos outros oratórios, tem inspiração cristã e muito lirismo.

OBRA

Concerti Grossi, Opus 6 (1739);
Water Music (1717);
Music for the Royal Fireworks (1749);
Messias (1742), oratório.

A importância do tema, a profundidade da música, a riqueza de inspiração, a maestria da composição - fazem do Messias, esse oratório de mais de 200 anos, comprovadamente o Oratório mais interpretado em nossos dias.

Sobre o conhecido Halleluya - : aleluia, porque Deus, o Senhor, reina, Aleluia! O reino do mundo foi transformado no Reino do Senhor e de seu Cristo, e Ele reinará eternamente, Aleluia! Rei dos reis, Deus dos deuses, Ele reinará eternamente, Aleluia!

Este texto do Apocalipse de São João ecoa a todo momento, nas mais diversas ocasiões, cumprindo um destino quase sempre sozinho. Num momento em que na Inglaterra lutava-se pelo alijamento da ópera italiana, a dedicação de Handel aos textos bíblicos, num trabalho que deu origem a extensos oratórios, transformou-se num grande achado e aí reside, mais do que em quaisquer outros gêneros aos quais o grande compositor tenha dedicado boa parte de sua vida, a razão de sua continuidade e consagração. Além disso, além das belíssimas árias e trechos orquestrais, os corais fugatos ou os simples imitativos representam momentos muito altos dentro da arte vocal barroca. Dentre esses grandes corais, o Halleluyah tem recebido atenção especial, por sua empolgação, feliz ligação entre texto e música, e pela feliz interpretação de um trecho do Apocalipse.

Bezerra da Silva

2008-02-12T15:40:00.000-08:00

Bezerra da Silva (Recife, Pernambuco, 23 de fevereiro de 1927 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 17 de janeiro de 2005) foi um cantor, compositor e violonista brasileiro, considerado o embaixador dos morros e favelas. Cantou sobre os problemas sociais encontrados dentro das comunidades, se apresentando no limite da marginalidade e da indústria musical.
Nordestino, desde sua infância foi ligado à música e sempre "sentiu" que apresentava o dom de tocar, causando atritos com a família.

Seu pai, da Marinha Mercante, saiu de casa quando Bezerra era pequeno, vindo morar no Rio de Janeiro. Com isso, depois de ingressar e ser expulso da Marinha Mercante, descobriu o paradeiro do pai e veio atrás dele. Causando mais atritos com o pai, foi morar sozinho, no Morro do Cantagalo, trabalhando como pintor na construção civil. Juntamente, era intrumentista de percussão e logo entrou em um bloco carnavalesco, onde um dos componentes o levou para a Rádio Clube do Brasil, em 1950.

Durante sete anos viveu como mendigo nas ruas de Copacabana, onde tentou suicídio e foi "salvo" por um Santo da Umbanda, onde ele se tornou um praticante até ingressar numa Igreja Evangélica. A partir daí passou a atuar como compositor, instrumentista e cantor, gravando seu primeiro compacto em 1969 e o primeiro LP seis anos depois.

Inicialmente gravou músicas sem sucesso. Mas a partir da série Partido Alto Nota 10 começou a encontrar seu público. O repertório de seus discos passou a ser abastecido por autores anônimos (alguns usando codinomes para preservar a clandestinidade) e Bezerra notabilizou-se por um estilo Sambandido (ou Gangsta Samba), precursor mesmo do Gangsta Rap norte-americano. Antes do Hip Hop brasileiro, ele passou a transmitir do outro lado da trincheira da guerra civil não declarada: "Malandragem Dá um Tempo", "Seqüestraram Minha Sogra", "Defunto Cagüete", "Bicho Feroz", "Overdose de Cocada", "Malandro Não Vacila", "Meu Pirão Primeiro", "Lugar Macabro", "Piranha", "Pai Véio 171", "Candidato Caô Caô".

Em 1995 gravou pela Sony "Moreira da Silva, Bezerra da Silva e Dicró: Os Três Malandros In Concert", uma paródia ao show dos três tenores, Luciano Pavarotti, Plácido Domingo e José Carreras. O sambista virou livro em 1998, com "Bezerra da Silva - Produto do Morro", de Letícia Vianna.

Em 2001 converteu-se à fé evangélica através da Igreja Universal do Reino de Deus e em 2003 gravou o CD Caminho de Luz com músicas gospel. Em 2005, perto da morte, mas ainda demostrando plena atividade, participou de composições com Planet Hemp, O Rappa e outros nomes de prestígio da Música Popular Brasileira.

Morreu em 2005, aos 77 anos de idade, perto de completar 78, eternizando-se no mundo do samba.

Bezerra morreu na manhã de segunda-feira, dia 17 de Janeiro de 2005 aos 77 anos, depois de sofrer uma parada cardíaca. De acordo com o último boletim médico, a causa do óbito foi falência múltipla dos órgãos. O corpo de Bezerra foi velado no Teatro João Caetano, no Rio de Janeiro. O sepultamento foi em uma terça-feira no Cemitério Memorial do Carmo, no Caju.

Bezerra estava internado desde o dia 28 de outubro, no Centro de Terapia Intensiva (CTI) do Hospital dos Servidores do Estado, Rio de Janeiro, com embolia pulmonar e pneumonia.

Jessé

2008-02-12T15:21:00.000-08:00

O cantor e compositor Jessé Florentino Santos nasceu em Niterói e foi criado em Brasília. Mudou-se para São Paulo, e atuou como crooner em boates. Depois, integrou os grupos Corrente de Força e Placa Luminosa, animando bailes por todo o Brasil. Ainda nos anos 70, também chegou a gravar em inglês com o pseudônimo de Tony Stevens. Foi revelado ao grande público em 1980, no Festival MPB Shell da Rede Globo com a música "Porto Solidão" (Zeca Bahia/ Ginko), seu maior sucesso, ganhando prêmio de melhor intérprete. Em 83, ganhou o XII Festival da Canção Organização (ou Televisão Ibero-Americana) (OTI) realizado em Washington, com os prêmios de melhor intérprete, melhor canção e melhor arranjo para "Estrelas de Papel" (Jessé/ Elifas Andreato). De voz muito potente, no decorrer de sua carreira Jessé gravou 12 discos (como os álbuns duplos "O Sorriso ao Pé da Escada" e "Sobre Todas as Coisas") mas nunca conseguiu os louros da crítica especializada. Morreu aos 41 anos, em março de 1993 de traumatismo craniano sofrido num acidente de carro em Ourinhos (interior de SP), quando se dirigia para o Paraná para fazer um show.

Pixinguinha

2008-02-12T15:13:00.000-08:00

Alfredo da Rocha Vianna Filho, conhecido como Pixinguinha, (Rio de Janeiro, 23 de abril de 1897 — Rio de Janeiro, 17 de Fevereiro de 1973) foi um flautista, saxofonista, compositor, cantor, arranjador e regente brasileiro.

Pixinguinha é considerado um dos maiores compositores da música popular brasileira, contribuiu diretamente para que o Choro encontrasse uma forma musical definitiva.

Em 1919, Pixinguinha formou o conjunto Oito Batutas, formado por Pixinguinha na flauta, João Pernambuco e Donga no violão, dentre outros músicos. Fez sucesso entre a elite carioca, tocando maxixes e choros e utilizando instrumentos até então só conhecidos nos subúrbios cariocas.

Quando compôs Carinhoso, entre 1916 e 1917 e Lamentos em 1928, que são considerados um dos choros mais famosos, Pixinguinha foi criticado e essas composições foram consideradas como tendo uma inaceitável influência do jazz. Mas na verdade elas eram avançadas demais para a época. Além disso, Carinhoso na época não foi considerado choro e sim polca.

Outras composições, entre centenas, são Rosa, Vou vivendo, Lamentos, 1X0, Naquele tempo e Sofres porque Queres.

No dia 23 de abril comemora-se o Dia Nacional do Choro, trata-se de uma homenagem ao nascimento de Pixinguinha. A data foi criada oficialmente em 4 de setembro de 2000, quando foi sancionada lei originada por iniciativa do bandolinista Hamilton de Holanda e seus alunos da Escola de Choro Raphael Rabello.

Pixinguinha faleceu em uma igreja, na cidade do Rio de Janeiro, quando seria padrinho de um batizado.

Considerado um dos maiores gênios da música popular brasileira e mundial, Pixinguinha revolucionou a maneira de se fazer música no Brasil sob vários aspectos. Como compositor, arranjador e instrumentista, sua atuação foi decisiva nos rumos que a música brasileira tomou. O apelido "Pizindim" vem da infância, era como a avó africana o chamava, querendo dizer "menino bom". O pai era flautista amador, e foi pela flauta que Pixinguinha começou sua ligação mais séria com a música, depois de ter aprendido um pouco de cavaquinho. Logo começou a tocar em orquestras, choperias, peças musicais e a participar de gravações ao lado dos irmãos Henrique e Otávio (China), que tocavam violão. Rapidamente criou fama como flautista graças aos improvisos e floreados que tirava do instrumento, que causavam grande impressão no público quando aliados à sua pouca idade. Começou a compor os primeiro choros, polcas e valsas ainda na década de 10, formando seu próprio conjunto, o Grupo do Pixinguinha, que mais tarde se tornou o prestigiado Os Oito Batutas. Com os Batutas fez uma célebre excursão pela Europa no início dos anos 20, com o propósito de divulgar a música brasileira. Os conjuntos liderados por Pixinguinha tiveram grande importância na história da indústria fonográfica brasileira. A Orquestra Típica Pixinguinha-Donga, que organizou em 1928 junto com o compositor e sambista Donga, participou de várias gravações para a Parlophon, numa época em que o sistema elétrico de gravação era uma grande novidade. Liderou também os Diabos do Céu, a Guarda Velha e a Orquestra Columbia de Pixinguinha. Nos anos 30 e 40 gravou como flautista e saxofonista (em dueto com o flautista Benedito Lacerda) diversas peças que se tornaram a base do repertório de choro, para solista e acompanhamento. Algumas delas são "Segura Ele", "Ainda Me Recordo", "1 x 0", "Proezas de Solon", "Naquele Tempo", "Abraçando Jacaré", "Os Oito Batutas", "As Proezas do Nolasco", "Sofres Porque Queres", gravadas mais tarde por intérpretes de vários instrumentos. Em 1940, indicado por Villa-Lobos, foi o responsável pela seleção dos músicos populares que participaram da célebre gravação para o maestro Leopold Stokowski, que divulgou a música brasileira nos Estados Unidos. Como arranjador, atividade que começou a exercer na orquestra da gravadora Victor em 1929, incorporou elementos brasileiros a um meio bastante influenciado por técnicas estrangeiras, mudando a maneira de se fazer orquestração e arranjo. Trocou de instrumento definitivamente pelo saxofone em 1946, o que, segundo alguns biógrafos, aconteceu porque Pixinguinha teria perdido a embocadura para a flauta devido a problemas com bebida. Mesmo assim não parou de compor nem mesmo quando teve o primeiro enfarte, em 1964, que o obrigou a permanecer 20 dias no hospital. Daí surgiram músicas com títulos "de ocasião", como "Fala Baixinho" Mais Quinze Dias", "No Elevador", "Mais Três Dias", "Vou pra Casa". Depois de sua morte, em 1973, uma série de homenagens em discos e shows foi produzida. A Prefeitura do Rio de Janeiro produziu também grandes eventos em 1988 e 1998, quando completaria 90 e 100 anos. Algumas músicas de Pixinguinha ganharam letra antes ou depois de sua morte, sendo a mais famosa "Carinhoso", composta em 1917, gravada pela primeira vez em 1928, de forma instrumental, e cuja letra João de Barro escreveu em 1937, para gravação de Orlando Silva. Outras que ganharam letras foram "Rosa" (Otávio de Souza), "Lamento" (Vinicius de Moraes) e "Isso É Que É Viver" (Hermínio Bello de Carvalho).

Luciano Pavarotti

2008-02-12T15:07:00.000-08:00

Luciano Pavarotti (Módena, 12 de outubro de 1935 — Módena, 6 de setembro de 2007) foi um cantor (tenor lírico) italiano, grande intérprete das obras de Donizetti, Puccini e Verdi. É merecidamente reconhecido como o tenor que popularizou a música clássica.

Pavarotti participou com os tenores espanhóis José Carreras e Plácido Domingo nos concertos "Os três tenores", e gravou famosos duetos com Frank Sinatra,Ricky Martin, Laura Pausini, Spice Girls, Bryan Adams, Andrea Bocelli, Mariah Carey, Queen, Céline Dion, Eros Ramazzotti, Jon Bon Jovi, The Corrs, U2 e Roberto Carlos, entre outros. É considerado um dos mais importantes tenores de todos os tempos. Cantou nos mais importantes teatros mundiais, como sendo o Teatro alla Scala (Milão), a Royal Opera House (Covent Garden, Londres), a Metropolitan Opera House (Nova Iorque), entre outros.

Pavarotti fez a sua estréia na ópera em 29 de Abril de 1961 no papel de Rodolfo de La bohème, em Reggio Emilia.

Estreou-se na América em Fevereiro de 1965 com a Greater Miami Opera junto com Joan Sutherland em Miami. Pavarotti foi o cantor substituto de um tenor subitamente doente e executou o seu papel sem prévio ensaio. Sutherland recomendou o jovem Pavarotti, que viajava na sua turnê, já que tinha desempenhado muito bem o papel. Em Milão, em 28 de Abril seguinte, estreia no Teatro alla Scala com La bohème. Depois de uma turnê à Austrália regressou ao La Scala onde fez o papel de Tebaldo de I Capuleti e i Montecchi em 1966, com Giacomo Aragall como Romeo. O seu primeiro papel de Tonio subiu à cena no Covent Garden em 2 de Junho desse ano.

Atinge grande êxito em Roma em finais de 1969 cantando I Lombardi com Renata Scotto, registado em disco e amplamente distribuído, tal como árias de I Capuleti e i Montecchi, habitualmente com Aragall. Os primeiros registos comerciais incluem um recital com obras de Donizetti e Verdi, com árias (a de Don Sebastiano de excepcional qualidade), bem como um L'elisir d'amore completo, com Sutherland. O seu maior êxito nos EUA chega com La fille du régiment de Donizetti, em 1972, na Metropolitan Opera, onde leva o público à loucura com nove aparentemente fáceis para si dós tenores. Foi chamado 17 vezes à cena em constante aplauso.

No início da década de 1980, lança The Pavarotti International Voice Competition para jovens cantores, cantando com os vencedores em 1982 excertos de La bohème e de L'elisir d'amore. O segundo concurso em 1986 repete La bohème e Un ballo in maschera. Para comemorar o 25º aniversário de carreira leva os vencedores a Itália para recitais de gala de La bohème em Modena e Génova, e à China exibindo La bohème em Pequim. Actua no Grande Salão do Povo para 10.000 pessoas, recebendo ovação entusiástica por nove dós tenores. O concurso de 1989 continha excertos de L'elisir d'amore e Un ballo in maschera. Os vencedores deste acompanharam Pavarotti em performances em Filadélfia em 1997.

Um novo incremento à sua fama internacional ocorreu quando em 1990 cantou a ária de Giacomo Puccini "Nessun Dorma" da ópera Turandot, que foi o hino da Copa do Mundo de 1990 em Itália. Forma com Plácido Domingo e José Carreras Os Três Tenores, acompanhados pelo maestro Zubin Mehta, que ainda hoje é o álbum de música clássica mais vendido de sempre. Em Hyde Park, Londres, junta 150.000 pessoas para o ouvir. Em Junho de 1993, mais de 500.000 dirigem-se ao Central Park de Nova Iorque para o ouvir, com milhões em todo o mundo a segui-lo pela televisão. Em Setembro, em Paris, junta 300.000. Os três Tenores repetem recitais nas várias Copas do Mundo de Futebol: em Los Angeles em 1994, em Paris em 1998, e Yokohama em 2002.

Pavarotti tem duas entradas no livro Guinness World Records: o maior número de chamadas ao palco — 165 — e o álbum de música clássica mais vendido de sempre (In Concert de Os Três Tenores partilhado com os colegas Plácido Domingo e José Carreras).
Pavarotti esteve no Brasil sete vezes, a última delas em 2000, com uma apresentação dos Três Tenores, no Estádio do Morumbi, em São Paulo.

Em 2003 publica a sua última compilação, Ti Adoro.

Pavarotti casou-se 2 vezes e tem 4 filhas: Do primeiro casamento, com Adua, que durou 34 anos, teve Lorenza, Christina e Giuliana. Depois casou-se com Nicoletta Mantovani(1969), ficou com ela até sua morte. Ela teve gêmeos(Alice e Riccardo(2003)), mas, devido as complicações no parto, apenas a menina sobreviveu.

Iniciou a sua turnê de despedida em 2004, aos 69 anos, após quatro décadas de palco.

Pavarotti actuou pela última vez na New York Metropolitan Opera em 13 de Março de 2004 recebendo uma ovação de 11 minutos pelo papel do pintor Mario Cavaradossi na Tosca de Giacomo Puccini. Em 1 de Dezembro de 2004 anuncia a turnê final em 40 cidades, produzida por Harvey Goldsmith.

Em 10 de Fevereiro de 2006, Pavarotti canta "Nessun Dorma" na cerimónia de abertura dos Jogos Olímpicos de Inverno de 2006 em Turim.

Morte

Desde 2006 submetera-se a tratamento devido a um tumor no pâncreas, tendo sido operado em Julho de 2006, momento em que deixou de fazer aparições públicas. O seu estado de saúde agravou-se no Verão de 2007. Luciano Pavarotti esteve internado num hospital durante mais de duas semanas para tratamentos e diagnósticos, tendo regressado a casa em final de Agosto. O seu estado de saúde piorou significativamente em 5 de Setembro. Pavarotti morreu em sua casa na madrugada de 6 de Setembro de 2007, aos 71 anos de idade. A morte foi anunciada pelo empresário do cantor, Terri Robson.

Pedrinho Mattar

2008-02-12T14:36:00.000-08:00

Pedro Mattar, conhecido como Pedrinho Mattar, (São Paulo, 20 de agosto de 1936 — Santos, 7 de fevereiro de 2007) foi um pianista brasileiro.

Sua família o chamava de Pedrinho por ser o caçula de dez irmãos. Filho de libaneses começou com o estudo de piano muito cedo, na escola de Magdalena Tagliaferro. Frequentava com seu pai o Restaurante Trianon, casa de chá da avenida Paulista, onde se tocava piano ao vivo. Começou os seus estudos em piano clássico somente em 1962. Tocava em inferninhos (escondido do pai) com o conjunto Os anjos do Inferno, tendo como componente João Gilberto.

Em 1953 já acompanhava os festivais de música realizados na União Cultural Brasil-Estados Unidos, onde estudava. Em 1959 viajou a Las Vegas, acompanhando a cantora brasileira Leny Eversong, que só cantava em inglês. Em 1960 acompanhou nas viagens o cantor Agostinho dos Santos pela Argentina e Uruguai.

Presença marcante na música brasileira, freqüentava junto com outros músicos o João Sebastião Bar do jornalista Paulo Cotrin, no bairro da Consolação, uma usina de nomes que eram ou seriam destaque no mundo da música, como: Chico Buarque, Elis Regina, Maysa, Claudette Soares, César Camargo Mariano, Taiguara, Marisa Gata Mansa etc.

Viajou por diversas vezes com a cantora Claudette Soares, no eixo Rio-São Paulo. Em 1962 tocou para a cantora Maysa em Portugal e na Espanha. Foi responsável pela produção musical do Programa Bibi Ferreira na televisão. Excursionou pelo Brasil, acompanhado de Luís Carlos Miele e Sandra Bréa - 1976 - Caso Water-Closed e Dzi Croquettes.

Na superboate paulistana Gallery (1982), que reunia boêmios e fãs da boa música, de quem se dizia que poderiam gastar mais de dois salários mínimos numa noite, a imagem do Pedrinho Mattar era a do pianista de smoking, impecável na execução de um repertório internacional.

O flautista e saxofonista Derico, o pianista Sérgio Sciotti (que com Derico forma o Duo Sciotti)são seus sobrinhos.

Uma de suas irmãs - Mercedes Mattar - pianista é responsável pela organização do Concurso Internacional de Piano, em São Paulo.

Era apresentador e solista do programa de televisão Pianíssimo - da Rede Vida , desde 1990.

Uma das canções que mais gostava de tocar era "As Time Goes By do filme Casablanca, música tema da abertura do seu programa Pianíssimo.

Discografia
Pedrinho Mattar Trio (1962) Farroupilha LP
Pedrinho Mattar Trio número 2 (1963) Farroupilha LP
Pedrinho Mattar Trio número 3 (1964) Farroupilha LP
Pedrinho Mattar Especial Volume 2 (1970) LP
Um show de Mattar (1971) Copacabana LP
Pianomania (1996) RGE CD
As vinte profecias (1997) RGE CD
Álbum de Músicas INTERCD CD
Um Toque Especial INTERCD CD
Pedrinho Mattar, que morreu infarto fulminante em Santos (SP), era um pianista da chamada escola "florida". Trata-se de uma linhagem de tecladistas virtuoses que tem por característica
--muitos dirão vício-- justamente florear os arranjos das músicas com um sem-número de sobreposições e notas extras.

O efeito sonoro é carregado e encorpado, e por vezes lembra um carrilhão. Funciona muito bem como "entertainment", que era o forte de Mattar, mas certamente provoca enfado em recitais, que por sinal são bem incomuns.
Tal escola teve seu auge com Wladziu Valentino Liberace (1919-1987). No Brasil, de longe, Mattar, 70, foi seu maior e mais importante expoente.

Afável com o público, mas duro com os imitadores de seu estilo (que proliferavam), ele costumava ser extremamente zeloso com suas partituras, muitas com correções visíveis à mão, as quais tomava o cuidado de impedir que as câmeras da Rede Vida focassem diretamente durante seu programa "Pianíssimo", que estreou nos anos 90.

Muitas vezes, durante o próprio programa, chegou a cobri-las com a mão de forma nada discreta, durante as execuções de peças. Disse a este repórter, certa vez, que o motivo era que seus arranjos estavam sendo copiados por plagiadores que nada lhe pagavam, e que faria de tudo para impedi-los. Inclusive mover ações judiciais, se necessário.

No entanto, quando encontrava um telespectador apaixonado de verdade por sua forma de tocar, ou um simples amante da música sem fins lucrativos, não hesitava em enviar uma partitura autografada para a casa do fã, sem nada cobrar.

Pedrinho Mattar, no fundo, era um tipo romântico, obcecado pela música e pelo instrumento que tocava. Do tipo que quebrava a parede da sala de estar do próprio apartamento, mandava içar um piano de cauda por uma dezena de andares e depois mandava fechar a parede de novo.

Pedrinho Mattar foi o último de sua espécie. Restaram seus imitadores.

Mahalia Jackson

2008-02-12T14:33:00.000-08:00

Mahalia Jackson (26 de outubro de 1911, Nova Orleans, Louisiana, EUA – 27 de janeiro de 1972, Chicago, Illinois) foi uma das principais cantoras gospel dos Estados Unidos no século 20. Teve uma participação especial no filme "Imitação da Vida" (Imitation of Life), de 1959, dirigido por Douglas Sirk e interpretado por Lana Turner e Sandra Dee.

Cantora de gospels e spirituals, Mahalia nasceu em New Orleans, Louisiana, no dia 26 de outubro de 1911 e faleceu em Chicago, Illinois, no dia 27 de janeiro de 1972. Considerada a melhor intérprete de spirituals, gospels e cantos religiosos de todos os tempos, Mahalia Jackson contribuiu para a divulgação da música ritual afro-americana, permanecendo sempre fiel a si mesma.

Mahalia nasceu em um dos bairros mais pobres de New Orleans, numa favela a dois passos do rio. De família muito pobre, ela foi posta aos cuidados de uma tia, muito religiosa e assídua freqüentadora da igreja local.

A estrutura dos hinos religiosos, nos quais se inseria o jogo de perguntas e respostas, marcava os tons do diálogo musical da África negra, oferecendo a Mahalia motivações espirituais. Ela jamais abandonou sua inclinação religiosa, até mesmo quando importantes músicos de jazz, como Earl Hines e Duke Ellington lhe ofereciam a possibilidade de se envolver mais com o jazz.

Nos anos vinte, a família Jackson se mudou para Chicago. Cidade fundamental, onde ocorreu um fato determinante para definir seu estilo: o encontro com Bessie Smith. A sua voz grave e solene tornava a melhor referência para Mahalia, em que pese a diferença de conteúdo, pois Bessie cantava o blues da cidade e do mundo.

Em Chicago, Mahalia se uniu a Wilbur e Robert Johnson, formando o grupo "Johnson Gospels Singers", com o qual começou a percorrer os Estados Unidos, atuando em igrejas e teatros. O encontro com Thomas Dorsey, deu uma nova guinada na vida de Mahalia, que iniciou com ele uma série de atuações que lhe abririam não só as portas do sucesso, mas o "Carnegie Hall".

Mahalia entrou no templo da música novaiorquina e ali cantou spirituals e gospels, obtendo um sucesso tal que os empresários repetiram a experiência todos os anos, numa série de inesquecíveis concertos. Começaram suas excursões pela Europa, e em Roma foi recebida pelo Papa, antes de uma peregrinação a Jerusalém.

De volta aos Estados Unidos, na época das primeiras reações dos negros ante a perseguição racial, Mahalia estabeleceu contatos com Martin Luther King, participando no famoso boicote de Alabama e na marcha sobre Washington, durante a qual entoou várias vezes o canto negro “We Shall Overcome”.

ASeu sucesso foi decaindo pouco a pouco, e Mahalia substituía o cansaço do canto pela dedicação a obras de beneficência.Pouco antes de morrer, era sempre encontrada cercada de crianças negras, a quem sabia oferecer seu carinho e seu sorriso.

Discografia
1958 Live at Newport Columbia
1962 Silent Night (Songs for Christmas) Sony
1968 Sings the Best-Loved Hymns of Dr. M.L. King CBS
1975 The World Greatest Gospel Singer Collectables
1991 Gospels, Spirituals & Hymns Columbia/Legacy
1993 Nobody Knows the Trouble I Have Seen Vogue
1996 16 Most Requested Songs Columbia/Legacy

James Brown

2008-02-12T14:04:00.000-08:00

Cantor redefiniu parâmetros da música pop no século 20

Daqui a muitos anos, quando começarem a surgir os inevitáveis livros-resumo sobre a cultura pop do século 20, os capítulos musicais terão de se limitar a alguns poucos nomes para definir tudo o que aconteceu. Entre os quatro ou cinco artistas mais influentes, ao lado de Beatles, Louis Armstrong e João Gilberto, lá estará o nome dele, logo acima da árvore genealógica de estilos que influenciou: James Brown, o padrinho do soul.
Muitos músicos têm o talento de pegar uma sonoridade e transformá-la em algo seu, mas poucos realmente podem carregar o mérito de haver criado um parâmetro, uma fonte para todos os outros beberem. A influência de James Brown sobre toda a música que surgiu depois foi tanta que não pode ser medida com exatidão. O que pode-se afirmar é que o cantor foi o inventor definitivo de algo que pode ser ouvido em tudo que aconteceu depois, inclusive no Brasil: hip hop, r&b, samba-rock, black Rio, drum'n'bass, pós-punk, miami bass, pancadão -tudo se desenvolveu a partir de suas criações.
Eterno garoto-problema, que em meados dos anos 50 começou sua carreira musical cantando soul mais tradicional, mas sempre com intensidade, Brown em certo momento se deparou com algo novo e percebeu que estava reinventando a roda: soube se agarrar àquilo e se desenvolver junto do novo estilo. Ainda não havia nome, mas hoje já se convencionou chamar aquela música de funk.

"Chega de Saudade"
A mágica começou a acontecer na música "Papa's Got a Brand New Bag", de 1965 -a "Chega de Saudade" do funk. Logo depois, vieram pérolas como "Cold Sweat" e "I Got You (I Feel Good)", e a partir de 1966 suas gravações eram a mais perfeita definição do cálice sagrado de qualquer estilo musical, o tão buscado "groove". Ao lado de músicos como o saxofonista Maceo Parker e o trombonista Fred Wesley, Brown criou uma música crua, intensa, sexual, instintiva e dançante, com forte ênfase nos ritmos criados a partir de improvisações dos músicos e nos sopros com influência de jazz.
Com base nos riffs melódicos do naipe de sopros, nas intrincadas linhas de baixo, nas baterias suingadas e guitarras minimalistas, sua banda tinha sonoridade tão própria que chegou a gravar discos instrumentais. Brown era também produtor prolífico, especialmente de novas cantoras, o que ajudou a espalhar sua música pelo mundo -além, é claro, dos muitos hits que emplacou nas paradas.
Sem ser exatamente um compositor de canções, Brown era intérprete inigualável de suas próprias músicas. Quando cantava, eram tradição seus gritos -para chamar o público à dança nas músicas agitadas, para partir o coração dos ouvintes nas baladas. Suas letras não eram letras, eram frases, expressões, gírias, metáforas, palavras gritadas instintivamente, chamados à ação. Brown mostrava sua alma quando cantava.

Era também ótimo dançarino. No auge do groove de sua banda, estava sempre dançando, girando sobre os próprios pés, balançando as pernas, sacodindo a pélvis, descendo até o chão. Quando estava no palco, James Brown parecia possuído. Com olhar de louco, expressão corporal intensa e entrega total à música, no palco ele cantava com a mesma ânsia com que, dizia-se, batia nas mulheres, drogava-se, andava armado, dirigia em alta velocidade e passava temporadas preso.
James Brown era a personificação da música, do sexo, do palco, da vida. Sem ele, a música perde muito. Ainda bem que seu legado está em todo lugar.

James Brown morreu aos 73 anos em 25 de dezembro de 2006, em Atlanta, Geógia, EUA, após internação devido a severa pneumonia.

Chet Baker

2008-02-12T13:56:00.000-08:00

Chet Baker (Chesney Henry Baker Jr.) (Yale, Oklahoma, 23 de Dezembro de 1929 – Amsterdã, 13 de maio, 1988) foi um trompetista de jazz norte-americano.

Criado até os dez anos numa fazenda de Oklahoma, parte para Los Angeles no final dos anos 30, quando começa a estudar teoria musical. Chet Baker sempre foi influenciado por seu pai, guitarrista, de quem herdou a paixão pela música e de quem ganhou, aos 10 anos de idade, um trombone. Amante do Jazz, não tardou em conquistar o sucesso, sendo apontado como um dos melhores trompetistas do gênero logo em seu primeiro disco.

Ainda bem jovem, passou a integrar o grupo de renome da música americana da época. Seus primeiros trabalhos foram com a Vido Musso's Band e com Stan Getz, porém Chet só conheceu o sucesso depois do convite de Charlie Parker (Bird) em 1951 para uma série de apresentações na costa ocidental. Em 1952 entrou para a banda de Gerry Mulligan, alcançando grande notoriedade com a primeira versão de "My Funny Valentine". Entretanto, em razão dos problemas de Gerry com as drogas, o quarteto não teve vida longa, sustentando-se por menos de um ano.

O talento de Chet logo o transformaria num ídolo. Apresentou-se por toda América e Europa. Especialistas dividem a vasta obra do músico em duas fases: a cool, do início da sua carreira, mais ligada ao virtuosismo jazzístico e a segunda parte, a partir de 1957, quando a sensibilidade na interpretação torna-se ainda mais evidente.

Avesso às partituras, isto não lhe impediu, entretanto, de integrar as grandes bands americanas.Baker era dotado de extrema criatividade, inaugurando um modo de cantar no qual a voz era quase sussurrada. Chet teria exercido grande influência em músicos brasileiros, como João Gilberto e Carlos Lyra, alguns dos grandes nomes da Bossa Nova. Esta versão é, contudo, bastante controvertida. Sizão Machado, numa visão chauvinista, chegou a dizer, certa feita, que a Bossa Nova é que teria influenciado os músicos americanos, e não o contrário.

Para tocar as músicas pedia apenas o tom. Econômico nas notas (ao contrário de outros tompetistas que preferiam o virtuosismo, como Dizzy Gillespie), Chet improvisava com sentimento. Certo dia, deram-lhe o tom errado de uma música de propósito, e mesmo assim Chet Baker conseguiu encontrar um caminho harmônico. Valorizava as frases melódicas com notas longas e encorpadas, o que acabou lhe valendo o rótulo de cool

No começo dos anos 60, Chet começou realizou diversas experiências com o flugelhorn, instrumento de timbre macio e aveludado.

No entanto, sua gloriosa trajetória na música não lhe rendeu uma vida segura, afastada de problemas. Por causa de seus envolvimentos com as drogas, especialmente com a heroína (durante suas crises de abstinência, que eram monitoradas por médicos, usava metadona), Chet foi preso muitas vezes. Conta-se que chegou a ser espancado por não ter pago uma dívida contraída com a compra de drogas. Este episódio teria lhe rendido a perda de vários dentes.

Para alguns especialistas, as falhas em sua arcada dentária teriam contribuído para uma inevitável piora de sua performance. Contudo, para outros, contraditoriamente, tal fato teria obrigado o músico a se enveredar por outras vertentes e nuances do instrumento, alcançando, deste modo, sonoridades ímpares e inconfundíveis.

Em 1985, Chet Baker esteve no Brasil para duas apresentações na primeira edição do Free Jazz Festival. A banda era formada pelo pianista brasileiro Rique Pantoja (com quem Chet já havia gravado um disco no início dos anos 80 - Chet Baker & The Boto Brasilian Quartet), pelo baixista Sizão Machado, pelo baterista americano Bob Wyatt e pelo flautista Nicola Stilo. A primeira apresentação, no Hotel Nacional, na cidade do Rio de Janeiro, foi considerada decepcionante, mas a apresentação em São Paulo, tida como um sucesso, quase entra para a história do Jazz pela porta dos fundos: depois do espetáculo, já em seu quarto, no Maksoud Plaza, Chet surrupiou a maleta do médico que o acompanhava e tomou doses cavalares das drogas que lhe estavam sendo administradas para controlar as crises de abstinência. Chet teve uma overdose e quase morreu.

Neste mesmo ano, iniciou com Rique Pantoja, em Roma, as gravações de Rique Pantoja & Chet Baker (WEA, Musiquim), que terminariam em São Paulo, no ano de 1987. O LP foi um sucesso de crítica.

Em maio de 1983, durante uma de suas inúmeras viagens à Holanda, produziu gravações com o pianista Michael Graillier e com o baixista italiano Ricardo Del Fra, parceiro do baterista brasileiro Afonso Vieira.

Baker morreria em Amsterdã, de forma trágica e misteriosa, na madrugada de 13 de Maio de 1988, quando despencou da janela do hotel. Até hoje resistem muitas controvérsias sobre a causa de sua partida: suicídio ou acidente?

Chet foi enterrado no "Inglewood Park Cemetery", em Los Angeles.

John Coltrane

2008-02-12T13:50:00.000-08:00

John William Coltrane (Hamlet, Carolina do Norte, EUA, 23 de Setembro de 1926 - 17 de Julho de 1967), saxofonista e compositor de Jazz estadunidense, tendo atuado principalmente durante as décadas de cinquenta e sessenta. Comumente considearado pela crítica especializada como o maior sax tenor do Jazz e um dos maiores jazzistas e compositor do gênero de todos os tempos, sua influência no mundo da música ultrapassa os limites do Jazz, indo desde o Rock até a Música Erudita .

Infância e Adolescência
Neto de um pastor evangélico, John Coltrane cresceu em High Point e em New Jersey numa época de forte segregação racial em meados da década de vinte tendo tido uma infância pobre, como a maioria das crianças negras daquela época em seu país. Seu interesse pela música começou devido ao seu pai que tocava vários intrumentos musicais e que o incentivou a estudar música. Durante sua adolescência, Coltrane perdeu vários parentes, como sua tia, seu avô e seu pai. Essas perdas o marcariam por toda sua vida.
Início de Carreira
Coltrane começou sua carreira tocando em várias big bands após o fim da Segunda Guerra Mundial. Tocou com vários gigantes do Jazz como Dizzy Gillespie e Paul Chambers (depois voltaria a tocar com ele no quinteto-sexteto de Miles Davis).
The Miles Davis Quintet, Monk e primeiros álbuns como líder
De 1955 a 1960 fez parte do histórico quinteto de Miles Davis, tendo participado de discos memoráveis como Cookin', Relaxin', Steamin', 'Round About Midnight e Workin', todos de 1956. No ano seguinte gravou seus primeiros álbuns como líder, tendo Blue Train alcançado maior destaque no meio jazzistico. Essa foi a sua primeira grande fase como músico, embora tenha sido um período muito difícil em sua vida pessoal, devido à um vício em heroína , adquirido no final dos anos quarenta. Este foi o motivo pelo qual Miles Davis o tenha demitido ainda no fim do ano de 1956. Em 1957 foi contratado pelo grande pianista Thelonious Monk e gravado alguns álbuns com ele, sendo Thelonious Monk with John Coltrane o de maior reconhecimento.
volta ao conjunto de Miles Davis
Em 1958, Coltrane foi recontratado por Miles Davis iniciando sua grande fase como sideman. Nos próximos anos gravaria dois álbuns que entrariam para a História do Jazz:

Milestones(1958), um grande álbum do Cool Jazz .
Kind of Blue(1959), o álbum símbolo do Cool Jazz. O sexteto de Miles Davis, além de John Coltrane, contava com outros dois grande músicos do Jazz: o célebre pianista Bill Evans e o grande contra-baixista Paul Chambers. Este álbum foi um dos maiores sucessos da história do gênero.
John Coltrane's Quartet
Em 1960, após deixar o conjunto de Miles, Coltrane iniciou uma nova fase, liderando um quarteto com McCoy Tyner ao piano, Jimmy Garrison ao contrabaixo e Elvin Jones à bateria, e iniciou uma ousada e inédita exploração do espaço sonoro jazzístico. Coltrane desenvolveu um estilo absolutamente próprio, onde predominavam as chamadas sheets of sound (folhas ou camadas de som), que se compunham de longas frases de notas rápidas tocadas em legato. Coltrane embarca numa radicalização da harmonia que o leva à beira da atonalidade. Também fragmenta e desconstrói os temas, deixando-os quase irreconhecíveis sob um congestionamento de frases torturadas. A produção do quarteto de Coltrane entre 1960 e 1965 é um marco na história do jazz, comparável ao quinteto de Miles. As várias, longuíssimas e impressionantes versões de Coltrane para My Favorite Things, valsa aparentemente banal de Rodgers e Hammerstein, são antológicas. Em 1965 o quarteto cria aquela que é unanimamente considerada sua obra-prima, a suíte em quatro movimentos A Love .
Free Jazz e fim de vida
Embora vindo do hard bop, o Coltrane de 1955 a 1965 já podia ser considerado em certo sentido um precursor do free jazz. Porém em 1965 sua ligação com a vanguarda se torna ainda mais direta, quando se une a músicos free como o baterista Rashied Ali, os saxtenoristas Archie Shepp e Pharoah Sanders, entre outros. Sua mulher, a pianista Alice Coltrane, também o acompanha nessa nova, arrojada e curta fase. O disco Ascension é uma obra-prima desse período, já desvinculado da harmonia tonal. Bastante religioso, Coltrane imprimiu às suas obras de 1965-1967 um forte conteúdo religioso e místico. Morreu repentina e prematuramente, em 1967, aos 40 anos, de câncer no fígado. Após sua morte, uma grande quantidade de gravações inéditas foi sendo localizada e lançada, permitindo ao público avaliar melhor o quão monumental é sua obra.

Citações
"Não poucos medíocres julgaram poder imitar Coltrane. Ora, tocar como ele exige uma fé enorme. Coltrane era puro, generoso, gostava do mundo; seu rosto espelhava calma e franca formosura. Os que o imitam não passam de aproveitadores. (...) Em tudo a vida de John Coltrane é exemplar. Nenhum escândalo, nenhuma fraqueza, quase nenhuma anedota frívola: música, isso sim, acima de tudo. (...) Muitos há que tocam e agem como ele (...) Mas falta-lhes a mesma fé." André Francis, crítico de Jazz.

Louis Armstrong

2008-02-12T13:45:00.000-08:00

Louis Armstrong (4 de agosto de 1901, Nova Orleans - 6 de julho de 1971, Nova Iorque) foi um músico dos Estados Unidos da América.

Louis Armstrong
Trompetista, cornetista e cantor de jazz americano. É conhecido pelo pseudónimo de Satchmo. Quando criança e a viver em condições miseráveis, começa a cantar em locais públicos de Nova Orleans com alguns companheiros.

Em 1917 ingressa numa orquestra, a de Kid Ory. A partir de então inicia uma carreira de continuados êxitos, primeiro no conjunto de King Oliver e depois no de Fletcher Henderson.

Em 1925 forma o seu próprio grupo, chamado Hot Five. Nos anos 30 é o precursor da passagem do estilo polifónico tradicional de Nova Orleans para a preponderância do solista, característica esta das modernas correntes do jazz. Grava mais de uma centena de discos e intervém numa quinzena de filmes.

Gravou três composições com Ella Fitzgerald: Ella and Louis, Ella and Louis Again e Porgy and Bess.

Louis Armstrong é, sem dúvida, o músico de jazz mais conhecido do público em todo o mundo. Foi chamado de "a personificação do jazz". Seu retrato e sua voz são inconfundíveis, até para quem não é aficionado do jazz.

Nascido em Storyville, o distrito de New Orleans famoso por seu ambiente, digamos, diversificado, que incluía de bordéis até igrejas, passando por espeluncas diversas, Louis Daniel Armstrong passou a infância mergulhado em grande pobreza. Seu pai abandonou a família asssim que Louis nasceu. Dividindo seu tempo entre a liberdade das ruas e o trabalho para ajudar a família, o pequeno Louis tornou-se uma criança extremamente esperta e adaptada à vida difícil. Conseguiu comprar uma corneta e, sozinho, começou a aprender a tocá-la. Também cantava com um grupo pelas ruas para ganhar uns trocados a mais. Na noite do ano novo de 1912, por brincadeira, atirou para o alto com um revólver, e por isso foi enviado a um reformatório, onde passaria um ano e meio. Curiosamente, foi essa temporada no reformatório que o fez ter um contato intensivo com a música, tocando bugle e corneta na banda da instituição. Ali também começou a aprender harmonia. De volta à liberdade, fez diversos bicos para se sustentar, e aproveitava cada oportunidade para emprestar uma corneta e tocar onde fosse possível, dentre as inúmeras bandas que pululavam por New Orleans - uma música que, no entanto, ainda não era o jazz.

A extraordinária musicalidade inata de Armstrong, somada à disciplina técnica que havia adquirido na banda do reformatório, capacitaram-no a tocar num estilo pessoal, incisivo e virtuosístico que ultrapassava o estilo reinante em New Orleans naquele tempo. Por volta de 1917, Joe “King” Oliver, percebendo o talento do jovem, tomou Armstrong sob sua proteção, e quando foi para Chicago em 1918, recomendou Armstrong para substituí-lo na banda de Kid Ory. Louis tocou com a banda de Fate Marable entre 1919 e 1921, e em 1922 foi para Chicago para se juntar novamente a Oliver. Em 1924 casou-se com Lillian Hardin, a pianista do conjunto de Oliver (a segunda de suas quatro esposas). Por incentivo de Lil, Louis deixou Oliver e entrou para a orquestra de Fletcher Henderson em Nova Iorque, com quem ficaria pouco mais de um ano.

A estréia de Armstrong como líder se deu em 12 de novembro de 1925. Nos anos seguintes, Armstrong gravaria muito, com os Hot Five de 1925-1926, os Hot Seven de 1927 e os Hot Five de 1928 - os melhores (com seis integrantes), com Earl Hines ao piano. Toda essa série de gravações é absolutamente antológica, e ocupa um lugar central na história do jazz. Nelas, o gênio de Armstrong se revela em sua plenitude. Durante esse período, Armstrong também trabalhou com inúmeras orquestras. Foi por essa época que ele trocou definitivamente a corneta pelo trompete. A partir de 1929, Armstrong deixa os conjuntos pequenos e passa dezenove anos trabalhando apenas à frente de grandes orquestras, sempre como estrela absoluta. Em 1932 e 1933 fez suas primeiras turnês pela Europa. Em 1938 Louis e Lilian se divorciam e ele se casa com Alpha Smith. Em 1942 casa-se com Lucille Wilson, que seria sua esposa até o fim da vida. Nos anos 40, especialmente com o declínio do swing no pós-guerra, a música de Armstrong começou a ser considerada pelo público como um tanto fora de moda. Em 1948 forma o Louis Armstrong and His All Stars, um sexteto de grandes músicos, nos moldes do seu segundo Hot Five, agora com a participação do ex-clarinetista de Duke Ellington, Barney Bigard, o notável trombonista Jack Teagarden, o baixista Arvel Shaw, o grande baterista Sid Catlett, e o mestre Earl Hines ao piano. Esse conjunto se revela o contexto ideal para a arte de Armstrong, e com ele faz turnês por todo o mundo. No entanto, com o passar do tempo, ocorreram sucessivas mudanças no pessoal dos All Stars, o padrão musical caiu sensivelmente, e a música se tornou mais previsível.

Nos anos 50 e 60, Armstrong se tornou uma celebridade sem paralelo no mundo da música popular, graças não só às suas turnês e gravações, mas também, às suas participações em filmes. Apesar de ter sofrido um ataque cardíaco em 1959, continuou ativo e realizando turnês. Enfrentou algumas críticas por parte dos ativistas negros norte-americanos, pelo fato de não militar mais ativamente no movimento dos direitos civis. Porém é preciso lembrar que, naquela época, Louis já se aproximava dos 60 anos de idade, e pertencia a uma geração diferente daquela que estava assumindo a linha de frente dos protestos e da militância no final dos anos 50 e ao longo dos anos 60. Armstrong trabalhou até os seus últimos dias, e morreu dormindo em sua casa, em Nova Iorque, em 6 de julho de 1971.
Numa avaliação objetiva, no plano musical, toda a fama de Armstrong, de proporções quase mitológicas, é plenamente merecida. Ele efetivamente redefiniu o jazz, e foi o seu primeiro grande virtuose. Em primeiro lugar, Armstrong expandiu os limites de seu instrumento, ampliando a extensão do trompete até notas consideradas inacessíveis aos executantes anteriores, de tão agudas. Seu som é límpido e quente, com um vibrato absolutamente regular nos finais de frases, como poucos na história do jazz. Seu fraseado é admiravelmente focalizado e, acima de tudo, inventivo: Armstrong inicia e termina suas frases em pontos que nunca são óbvios. Sua improvisação nos depara uma imaginação que parece inesgotável. A influência de Armstrong pode ter sido mais direta ou indireta, dependendo das épocas e dos estilos em voga, porém nunca desapareceu completamente; está presente em todo o jazz. A maioria dos trompetistas que vieram depois de Armstrong têm alguma dívida para com ele.
Com o passar dos anos, Louis começou a cantar cada vez mais, às vezes até mais do que tocar, e foi principalmente essa imagem que ficou gravada no inconsciente coletivo - a de cantor e entertainer, mais do que trompetista. Alguns críticos consideram a propensão cada vez maior de Armstrong para cantar como um sinal claro de declínio ou acomodação no plano musical. Porém é preciso entender o canto de Armstrong como sendo mais uma faceta de seu talento, que já se manifestava em algum grau desde os anos 20. Com uma voz singular e sem paralelo na história da música - embora se tenha freqüentemente tentado imitá-la - Armstrong era um grande cantor. O timbre rouco e grave teria sido considerado esdrúxulo em qualquer outro contexto, porém para o jazz se mostrava um instrumento admirável. A entonação aparentemente “preguiçosa” escondia um timing perfeito e um senso rítmico impecável, que dava a cada frase o recorte perfeito. Uma outra característica única da voz de Armstrong era a maneira pela qual ele mantinha o vibrato mesmo nas consoantes finais das palavras (“ar-r-r-r-r”, “is-z-z-z-z”, etc). Finalmente, deve-se destacar que ele era um cantor imensamente expressivo, que valorizava cada verso da letra na medida exata.

Acima de tudo, Armstrong demonstrou, ao longo de toda a carreira, possuir uma personalidade generosa, em termos tanto humanos como musicais.

Heitor Villa-Lobos

2008-02-12T13:39:00.000-08:00

Heitor Villa-Lobos (Rio de Janeiro, 5 de março de 1887 - Rio de Janeiro, 17 de novembro de 1959) foi um compositor brasileiro.

Aprendeu as primeiras lições de música com seu pai, Raul Villa-Lobos, funcionário da Biblioteca Nacional, que morreu em 1899. Ele lhe ensinara a tocar violoncelo usando improvisadamente uma viola, devido ao tamanho de "Tuhu" (apelido de origem indígena que Villa-Lobos tinha na infância). Sozinho, aprendeu violão na adolescência, em meio às rodas de choro cariocas, às quais prestou tributo em sua série de obras mais importantes: os Choros, escritos na década de 1920. Casou-se em 1913 com a pianista Lucília Guimarães.

Após viagens pelo Norte, Nordeste e Centro-Oeste do Brasil, no final da década de 1910, ingressou no Instituto Nacional de Música, no Rio, mas não chegou a concluir o curso, devido à sua desadaptação - e descontentamento - com o ensino acadêmico.

Suas primeiras peças tiveram alguma influência de Puccini e Wagner, mas a de Stravinsky foi mais decisiva, como se vê nos balés Amazonas e Uirapuru (ambos de 1917). Apesar de suas obras terem aspectos da escrita européia, Villa-Lobos sempre fundia suas obras com aspectos da música realizada no Brasil. Utilizava sons da mata, de eventos indígenas, africanos, cantigas, choros, sambas e outros gêneros muito utilizados no país. O meio acadêmico desprezava o que escrevia, até que uma turnê do pianista polonês Arthur Rubinstein pela América do Sul, em 1918, proporcionou uma amizade sólida, que abriria as portas para a mudança de Villa-Lobos para Paris, em 1923.

Na Semana de Arte Moderna, em 1922, ficou famoso um episódio em que o compositor é chamado ao palco e entra com um dos pés calçado de sapato e o outro de sandália, com uma atadura chamativa no dedão. Interpretada como uma atitude de vanguardismo provocativo, Villa-Lobos é vaiado; depois viria a explicar que o ferimento era verdadeiro, demonstrando sua ingenuidade ante as reações ardorosas despertadas pelo evento.

Passou duas longas temporadas na França, o maior reduto musical da época, através da ajuda financeira da família Guinle. Residiu em Paris entre 1923 e 1924, e de 1926 a 1930, quando voltou ao Brasil para participar de um programa de educação musical do governo de Getúlio Vargas. Nesse tempo, a influência de Stravinsky foi sobrepujada pela da música brasileira, seja a indígena, seja a dos chorões. Essas duas vertentes são bastante marcantes nos catorze Choros. Os temas nordestinos viriam a se fazer mais presentes na década de 1930, ao lado da inspiração reencontrada em Bach.

[editar] Trabalho intenso
O ano de 1930 deu novo rumo à vida do compositor, pois conseguiu concretizar seu projeto de introduzir a disciplina Canto Orfeônico (coral) nas escolas de ensino médio de todo o País, por intermédio da confiança depositada pelo interventor do Estado de São Paulo, João Alberto, aliado de Getúlio Vargas. Foi professor Catedrádico de Canto Orfeônico do Colégio Pedro II,no Rio de Janeiro.

Desse projeto, destacaram-se os concertos ao ar livre com a participação de milhares de alunos. Um desses concertos, no estádio de São Januário, contou com 40 mil vozes e a presença do presidente Getúlio Vargas. Em 1936, pediu separação de sua primeira esposa e se uniu com Arminda d'Almeida Neves, a "Mindinha", com quem viveu até a morte.

Na década de 1940, Villa-Lobos conheceu os Estados Unidos. Teve ótima aceitação de suas obras e a definitiva aclamação. Diversas orquestras americanas lhe encomendaram novas composições, bem como de instrumentistas renomados que lá moravam ou se apresentavam. Se na metade de sua vida, seu eixo fora Rio-Paris, agora passava a ser Rio-Nova Iorque. Mesmo com o sucesso, nunca foi rico; também não teve filhos. Em 1947, em Nova Iorque, sofreu a primeira intervenção cirúrgica para tratar do problema que iria tirar-lhe a vida doze anos mais tarde, pouco mencionado em suas biografias: o câncer de bexiga, causado por seu vício em charutos.Recuperou-se e ganhou mais vigor para compor.

Na sua última década de vida surgiram as cinco últimas sinfonias, os seis últimos quartetos de cordas, quase todos os concertos (exceto o primeiro para piano e o primeiro para violoncelo), sua ópera Yerma, a suíte A Floresta do Amazonas e diversas obras de câmara, como a Fantasia Concertante para Violoncelos (1958) e o Quinteto Instrumental, para flauta, violino, viola, violoncelo e harpa (1957). Em nova viagem a Paris, em 1955, gravou algumas de suas obras mais importantes, regendo a ORTF (Orquestra da Rádio-Teledifusão Francesa), mais de sete horas de música, remasterizadas na década de 1990, e hoje disponíveis em CD. Em 1959, regeu sua última gravação, à frente da Symphony of the Air, justamente A Floresta do Amazonas, e voltou para o Rio de Janeiro, onde veio a falecer poucos meses depois, em sua casa.

Villa-Lobos se incomodava muito com o título de compositor brasileiro. Ele sempre fazia questão de dizer que era compositor do mundo, afinal ninguém fala de outros compositores como Mozart, Bach, etc, dizendo que são de determinados países .

Prêmios
Entre os títulos mais importantes que recebeu, está o de Doutor Honoris Causa pela Universidade de Nova Iorque; foi o primeiro presidente da Academia Brasileira de Música e regeu onze orquestras brasileiras e quase 70 na Alemanha, Argentina, Áustria, Bélgica, Canadá, Chile, Cuba, Dinamarca, Espanha, Estados Unidos, Finlândia, França, Grécia, Holanda, Inglaterra, Israel, Itália, México, Portugal, Suíça, Uruguai e Venezuela.

Estilo
A música de Villa-Lobos é, sobretudo, sui generis: o compositor nunca chegou a possuir um estilo definido. Se tanto, é possível encontrar preferências por alguns recursos estilísticos: combinações inusitadas de instrumentos (que muitas vezes prejudicaram a expressividade da música), arcadas bem puxadas nas cordas, uso de percussão popular, imitação de cantos de pássaros (recurso no qual era mestre, só tendo um único concorrente: o francês Olivier Messiaen; ambos nunca se conheceram).

Não defendeu nem se enquadrou em nenhum movimento, e continuou por muito tempo desconhecido do público no Brasil e atacado impiedosamente pelos críticos, dentre os quais Oscar Guanabarino, seu eterno opositor. Ainda assim, sempre foi fiel a seu próprio impulso interior para compor: "Minha música é natural, como uma cachoeira", disse certa vez. Essa obediência a seu instinto o tornou o mais prolífico compositor erudito do século XX; somente alguns barrocos, como Telemann, possuem mais obras do que Villa-Lobos.

Esse instinto, pela natureza mesma da palavra, não era disciplinado, e essa indisciplina se manifestou muitas vezes numa harmonia (uso de acordes) excessivamente livre, quando fazia uma peça deliberadamente tonal, e numa orquestração inadequada - sua vida desprogramada, às vezes tendo de se render às necessidades do dia-a-dia, colaborou para que diversas obras ficassem sem um melhor acabamento.
Villa-Lobos, porém, sempre se recusou a fazer revisões, aceitava seus "monstros", como ele chamava os rascunhos que rabiscava em guardanapos, e nunca usou a palavra "acabamento": não se concentrava numa obra só e logo passava às idéias novas que lhe surgiam, na sala de sua casa, num navio ou num trem. Por outro lado, é possível encontrar composições onde recorreu a melodias já usadas antes, tal qual em Magdalena.

Esses problemas, todavia, não estão presentes em três de suas peças mais conhecidas. O Trenzinho do Caipira é uma magistral amostra de uso dos instrumentos de uma orquestra imitando o som de um trem. A Cantilena das Bachianas n° 5, originalíssima em sua instrumentação, possui um contraponto simples, mas muito correto. A Introdução das Bachianas n° 4 - matéria-prima do Samba em Prelúdio, de Baden Powell e Vinícius de Morais - apresenta progressões harmônicas bem trabalhadas e que casam perfeitamente com o clímax romântico do meio do movimento.
Obras
Considero minhas obras como cartas que escrevi à posteridade, sem esperar resposta.

Villa-Lobos

Bachianas
O ciclo de obras mais conhecido de Villa-Lobos é o das nove Bachianas Brasileiras, escritas entre 1930 e 1945, onde o compositor intencionou construir uma versão nacional dos Concertos de Brandemburgo, usando ritmos ou formas musicais de várias regiões do Brasil. Essa intenção é clara nas Bachianas n° 1, para conjunto de violoncelos, dividida em três movimentos: Introdução (Embolada), Prelúdio (Modinha) e Fuga (Conversa).

Todos os movimentos das Bachianas, inclusive, receberam dois títulos: um bachiano, outro brasileiro. São trechos famosos de Bachianas a Tocata (O Trenzinho do Caipira), quarto movimento das n° 2; a Ária (Cantilena), que abre as de n° 5; o Coral (O Canto do Sertão) e a Dança (Miudinho), ambos nas n° 4.

instrumentação adotada nas Bachianas Brasileiras foi a seguinte:

N° 1 - orquestra de violoncelos (1932);
N° 2 - orquestra de câmara (1933);
N° 3 - piano e orquestra (1934);
N° 4 - piano solo (1930-1940) (depois orquestrada, em 1942);
N° 5 - soprano e orquestra de violoncelos (1938);
N° 6 - flauta e fagote (1938);
N° 7 - orquestra completa (1942);
N° 8 - idem (1944) (a única com instrumentação já utilizada);
N° 9 - orquestra de cordas ou coro misto (1945) (a única com versão alternativa).

As doze sinfonias de Villa-Lobos foram escritas ao longo de sua carreira e são consideradas obras sem consistência orquestral, à exceção da n.º 10 (Sumé Pater Patrium, em cinco movimentos, sobre poemas do catequizador jesuíta espanhol José de Anchieta e escrita para o quarto centenário da cidade de São Paulo).

Seus concertos também são tidos como peças menores no conjunto da obra, exceto o para violão, integrado ao repertório internacional do instrumento - solicitado e, então, mundialmente divulgado pelo maior virtuose do instrumento: o espanhol Andrés Segovia. Igualmente belo, mas de escrita simples, é o para harpa, executado pela primeira vez por Nicanor Zabaleta, também espanhol e também grande expoente de seu instrumento.

Os outros concertos foram compostos para piano (cinco), violoncelo (dois) e um raríssimo para gaita de boca, além de um Grosso - para flauta, clarineta, oboé e fagote, de 1959.

Carlos Gomes

2008-02-12T13:33:00.000-08:00

1836 - Em 11 de julho nasce, em Campinas, Carlos Gomes, filho de Manoel José Gomes e Fabiana Maria Jaguary Cardoso. Apelidado de Tonico, inicia os estudos musicais aos dez anos, sob a supervisão de seu pai. Durante a adolescência apresentava-se com seus irmãos na banda do pai em bailes e concertos. Neste período, já compõe músicas religiosas e modinhas.
1854 - Compõe sua primeira missa - Missa de São Sebastião.

1857 - Compõe a modinha Suspiro d'Alma com versos de Almeida Garret. Fundação da Imperial Academia de Música e Ópera Nacional. No discurso de inauguração, José Amat enfatiza os objetivos da Academia: "A música não é absolutamente a mesma em todas as nações; sujeita às grandes regras da arte ,ela se modifica no estilo e no gosto em cada nação, segundo as inspirações da natureza do país, os costumes, a índole e as tendências do povo."

1859 - Compõe a fantasia Alta Noite para clarinete. Apresenta-se, pela primeira vez, tocando piano, num concerto em Campinas, acompanhado de Henrique Luiz Levy. Faz uma tournée com o irmão violinista Pedro Sant'Anna Gomes, através das principais províncias de São Paulo, hospedando-se em repúblicas estudantis. Compõe o Hino Acadêmico, a modinha Tão longe de mim distante e a Missa de Nossa Senhora da Conceição.

1860 - Muda-se para o Rio de Janeiro, contra a vontade de seu pai, e inicia seus estudos musicais no Conservatório de Música.

1861- Apresenta sua primeira ópera com o libreto de Fernando Reis A Noite do Castelo no Teatro Lírico Provisório. Escreve uma carta para seu pai a fim de convidá-lo para a estréia.

1862 - Compõe Joana de Flandres.

1863 - Com o apoio do Imperador Pedro II, viaja para a Itália, berço da ópera e do belcanto, terra de Rossini, Verdi , Donizetti, Ponchielli .

1864 - Chega à Milão. Devido à idade avançada, sua inscrição é recusada no Conservatório de Milão. Passa a ter aulas particulares de composição com o maestro Lauro Rossi.

1866 - É aprovado no exame final de composição no Conservatório de Milão e recebe o título de Maestro. Compõe música para a revista Se sa minga, com texto de Antônio Scalvini

1867 - Execução, no Teatro Fossati do Coro das Máscaras, da canção Fuzil em Agulha

1868 - Enquanto Inicia seus trabalhos para a ópera O Guarani, compõe várias peças de música de câmara, com textos de Scalvini. Escreve as músicas Nella Luna, La Moda.

1869 - É recebido nos salões da Condessa Maffei, o que lhe abrirá as portas para sua apresentação no Scalla.

1870 - Apresenta-se no Teatro Alla Scalla de Milão com O Guarani, baseada no romance de José de Alencar. No intervalo da récita, vende todos os direitos da ópera para o editor Francisco Lucca por 3.000 liras, que passa a lucrar com a ópera mais do que o próprio maestro.
O Rei Vítor Manuel II o nomeia Cavaleiro da Coroa da Itália.

Em razão das comemorações do aniversário de D. Pedro II, a ópera é encenada no Rio de Janeiro, em 2 de dezembro. A apresentação se encerra com os gritos do público: Viva o Imperador! Viva Carlos Gomes! Viva José de Alencar!

1871 - Escreve a opereta Telégrafo Elétrico e começa a trabalhar na ópera Os Mosqueteiros do Rei, que fica inacabada. Abertura da Exposição Industrial de Milão com O Guarani.Carlos Gomes é convidado para preparar a apresentação de O Guarani no Teatro Apollo em Roma. Em 16 de dezembro casa-se com a pianista Adelina Peri.

1872 - Contando com a ajuda de seu amigo André Rebouças, apresenta-se no circuito dos grandes teatros com O Guarani: La Pergola (Florença); Carlo Felice (Gênova) Covent Garden (Londres); Teatro Municipal de Ferrara; Teatro Municipal de Bolonha; Teatro Eretenio (Vicenza); Teatro Social de Treviso. Termina de compor Fosca, e encarrega Antônio Ghislanzoni de escrever-lhe o libreto Marinella, mas abandona o projeto. Verdi assiste à récita de O Guarani.

1873 - Nascimento do filho Carlos André e morte dos filhos Carlotta Maria e Manoel José. Estréia de Fosca no Scalla. A ópera foi duramente criticada na imprensa italiana, que a julgava impregnada do leitmotif wagneriano. Começa a compor Salvador Rosa, vendendo os direitos ao editor Giullio Ricordi.

1874 - Primeira apresentação de Salvador Rosa no Carlo Felice de Gênova. Começa a trabalhar em Maria Tudor, com libreto de Arrigo Boito e Emílio Praga. Estréia de Salvador Rosa . Nasce o filho Mário.

1876 - A pedido do Imperador Pedro II, compõe Saudação do Brasil, para ser apresentada nas comemorações do Primeiro Centenário da Independência dos Estados Unidos.
Inicia uma nova ópera com libreto de Ghislanzoni, A Máscara, mas logo abandona o projeto.

Apresenta Fosca no Teatro Colón de Buenos Aires, seguindo depois para apresentações no Rio de Janeiro.

É nomeado Acadêmico do Instituto Musical de Florença.

1878 - Inicia a construção da Villa Brasília, em Lecco. Escreve, para o Álbum musical do Trovador, a romança Corrida de Amor.

1879 - A ópera Maria Tudor , encenada pela primeira vez no Scalla, é um fracasso. Começa a escrever a música para a ópera cômica em três atos, Ninon de Lenclos, que logo abandona, devido a uma forte depressão que o acomete após a morte de seu filho Mário. Muda-se para Gênova. Conhece Hariclé Darclée, tornando-se amantes.

"Mário, subindo ao céu, aos cinco anos, me deixou na terra infeliz para toda a vida."

A ópera O Guarani começa a rodar o mundo: Livorno, Milão, Turim, Moscou e Pittsburgh. Em dezembro, começa uma nova ópera, Palma, mais um projeto inacabado.

1880 - Retorna ao Brasil na Excursão Lírica de Tomás Passini, visitando Rio de Janeiro, Salvador, Recife e Belém. A companhia encena Salvador Rosa, O Guarani e Fosca. Compõe na Bahia o Hino do Centenário de Camões.

1883 - Organiza, em Milão, uma Companhia Lírica, e realiza nova temporada no Brasil.

1884 - O Imperador lhe pede uma marcha para comemorar a libertação dos escravos no Ceará: Ao Ceará Livre. De volta a Lecco, compõe a modinha Conselhos. Trabalha em dois libretos de Ghislanzoni, Os ciganos e Oldrada, também projetos inacabados.

1885 - Separa-se de Adelina Peri. Passa por graves dificuldades financeiras. A manutenção de Villa Brasília se torna onerosa.

1886 - Sofre de grave crise nervosa, somente aliviada com ópio. Promessas para encenar Fosca, mas nenhum teatro concretiza o convite.

1887 - Para pagar dívidas, vende a Villa Brasília com todos os móveis e objetos. Muda-se para um pequeno apartamento em Milão. Escreve Madrigal para a revista Cena Ilustrada. Morre Adelina e sua filha Itala vem morar com ele. Começa a trabalhar na ópera Morena, que também fica inacabada.

1888 - Termina de compor O Escravo com argumento de Visconde de Taunay e libreto de Paravicini.

1889 - De volta ao Brasil, apresenta O Escravo no Teatro Lírico, em homenagem à Princesa Isabel e à Lei Áurea. D Pedro II promete-lhe a direção do Conservatório do Rio de Janeiro; no entanto, a República é proclamada, não se realizando a promessa.

1890 - Volta à Milão e vai morar no apartamento de propriedade da Condessa Cavalini, sua amante. Inicia a composição da ópera Cântico dos cânticos, não concluída.

1891 - A ópera O Condor é encenada no Scalla. Faz parte, juntamente com Arrigo Boito, Bazzini e Catalani, da comissão julgadora para escolher o diretor de orquestra do Scalla. Morre D.Pedro II em Paris.

1892 - Compõe o oratório Colombo em homenagem ao IV Centenário do Descobrimento da América. Solicita ao governo ajuda financeira para representar o Brasil na Exposição Universal Colombiana de Chicago. Viaja para Chicago, mas apresenta somente trechos de suas óperas, uma vez que as subvenções do governo não cobrem o custo das apresentações. Retorna à Milão com o filho Carlos doente.

A apresentação de O Guarani em Chicago foi por água abaixo, pois o governo brasileiro não deu a subvenção esperada. No dia 7 houve apenas um concerto para convidados do mundo oficial daqui. Portanto, entrada grátis. Esperava fazer aqui um mundo de negócios, mas depois percebi a triste realidade! Neste país a arte é um mito. Os americanos não se interessam por nada que não seja uma novidade da vida prática, ou seja, o meio mais fácil de ganhar dólares! Carta de Gomes, escrita nos Estados Unidos, à Tornaghi.

1893 - Representa Condor no Teatro Carlo Felice em Gênova.

1894 - Concorre à cadeira de diretor do Liceu Musical Rossini, perdendo para Carlo Pedrotti. Trabalha em duas óperas, Kaila e Cântico dos cânticos. Assiste em Turim à estréia da ópera Manon Lescaut, de Puccini

1895 - Encena O Guarani em Lisboa e recebe, das mãos do Rei de Portugal, a Comenda de San Tiago. Recebe convites para dirigir a Escola de Música de Veneza e o Conservatório do Pará, porém, doente e disposto a livrar seu filho Carlos do serviço militar italiano, prefere partir para o Brasil.

1896 - Já muito doente, chega ao Pará em abril. Morre em 16 de setembro.

Ray Conniff

2008-02-12T13:28:00.000-08:00

Ray Conniff (Attleboro, Massachusetts, 6 de novembro de 1916 - Escondido, California, 12 de Outubro de 2002) foi um músico norte-americano, considerado o rei do Easy Listening.
Desde criança Ray parecia predestinado a seguir a carreira musical, já que o pai era trombonista e a mãe pianista. Foi natural, pois, que seguisse o caminho da carreira musical. Conforme Ray contava em suas entrevistas, fez um curso por correspondência, com um único dólar, que o introduziu na arte da teoria musical. Formou o seu primeiro grupo artístico ainda adolescente. Anos mais tarde, aperfeiçoou-se de forma profunda na carreira, ao se tornar discípulo da Escola Julliard de Música. Depois de atuar e formar uma sólida base musical como trombonista e arranjador nas Big Bands, como as de Artie Shaw, Harry James e outros, Ray passou a escrever arranjos para Johnny Mathis, Guy Mitchell, Johnnie Ray, mas tão talentoso se revelou que teve a oportunidade de formar sua própria orquestra em 1955, a convite de Mitch Miller, da CBS. Seu estilo de associar vozes masculinas a trombones, trompas e saxofones baixo, e vozes femininas a pistons, clarinetes e saxofones altos, lhe dava sua característica inusitada. Seu coral limitava-se a pronunciar sons como da-das e du-du-dus e outras variantes, ao invés de palavras, o que imprimia um "colorido musical", intensificando os tons suaves e, ao mesmo tempo, abrandando os mais fortes.

O som Conniff ficou famoso logo após o lançamento de seu primeiro disco "solo", em 1956, e que se entitulou ´S Wonderful, que vendeu milhões de cópias e permaneceu por meses nas primeiras posições da parada de sucessos. Daí até o segundo, terceiro e quarto álbuns, todos de enorme sucesso, foi um pulo, assim como seus lançamentos subseqüentes. Ray Conniff fez um grande sucesso até o inicio da segunda metade da década de 1960, período em que seu som ainda era ouvido em bailes de clubes, nas rádios e nas festinhas caseiras. No entanto, a partir do final da década de 1960, suas vendas começaram a decair. A despeito disso, sempre se manteve fiel a seu estilo, com algumas variantes, como discos com o pistonista Billy Butterfield e a introdução dos cantores ainda no início da década de 1960 e que, a partir do final desta, passariam a ser a sua maneira predominante de interpretar as canções, com gravações mais espaçadas do estilo que lhe consagrou, até por uma imposiçao do mercado que, àquela altura, apresentava forte concorrência com o lançamento de novos estilos mundo afora.

Naquela mesma época, fez sua primeira visita ao Brasil, como convidado, ao lado de Henry Mancini, para o Festival Internacional da Canção, onde então teve oportunidade de imprimir seu estilo a uma orquestra constituída de músicos e coral inteiramente brasileiros. Seu som, sempre fidelíssimo a seu estilo, levou a platéia do Maracanãzinho ao delírio, interpretando Aquarela do Brasil, Tico-Tico e Somewhere My Love. Foi o início de uma série de vindas ao Brasil e de shows pelo mundo afora (América Latina, Inglaterra, Alemanha, Japão, Rússia, etc.). Em todos esses lugares era recebido com enorme entusiasmo pelas platéias.

A partir de meados da década de 1970, reduziu seus cantores de 24 para 8 vozes, sem que perdesse em qualidade sonora ou comprometesse seu estilo. Na década de 1980/1990, voltou-se de vez para o mercado latino, tendo gravado centenas de músicas, inclusive brasileiras, concentrando-se basicamente no repertório musical de Roberto Carlos e de Julio Iglesias. Ainda assim, lançou álbum de trilhas sonoras de filmes americanos e que incluíam sucessos como Titanic, Superman, A Bela e a Fera, etc e outro com cantores do estilo country americano. Ray Conniff permanecia vindo ao Brasil quase que anualmente, tal era o seu sucesso até sua última tour por essas terras, no ano 2001, na qual ainda revelava muita alegria e disposição e era ovacionado por enorme platéia onde quer que fosse.

Para tristeza de todos os amantes da boa música, Ray sofreu um derrame cerebral em abril de 2002, tendo se recuperado do mesmo, chegando a fazer planos de voltar ao Brasil, quando foi surpreendido por outro derrame, na saída de um restaurante, no qual almoçara com a família, e que naquele fatídico dia 12 de outubro de 2002, lhe roubaria a vida. Sua última canção gravada foi "Nossa Senhora" de Roberto Carlos, porém sua música permanece viva nos milhares ou milhões de CDs espalhados pelo mundo afora, e que se encontram à disposição daqueles que amam a música feita com esmero, talento e capricho. Ray Conniff foi, sem dúvida alguma, um marco na música mundial.

Ray Charles

2008-02-12T13:12:00.000-08:00

Ray Charles (Albany, 23 de Setembro de 1930 — Los Angeles, 11 de Junho de 2004) foi um pianista pioneiro e cantor de música soul que ajudou a definir o seu formato ainda no fim dos anos 50, além de um inovador interpréte de R&B. Seu nome de nascimento era Ray Charles Robinson, mas ele encurtou-o quando entrou na indústria do entretenimento para evitar confusão com o famoso boxeador Sugar Ray Robinson. Considerado um dos maiores gênios da música negra americana, Ray Charles também foi um dos responsáveis pela introdução de ritmo gospel nas músicas de R&B.

Cego aos sete anos de idade em razão de um glaucoma e órfão na adolescência, Ray Charles iniciou sua carreira tocando piano e cantando em grupos de gospel, no final dos anos 40. A princípio influenciado por Nat King Cole, trocou o gospel por baladas profanas e, após assinar com a Atlantic Records em 1952, enveredou pelo R & B. Quando o rock & roll estourou com Elvis Presley em 1955, e cantores negros como Chuck Berry e Little Richard foram promovidos, Ray Charles aproveitou o espaço aberto na mídia e lançou sucessos como "I got woman" (gravada depois por Elvis), "Talkin about you", "What I say", "Litle girl of mine", entre outros, reunindo elementos de R & B e gospel nas músicas de uma forma que abriram caminho para a soul music dos anos 60, e tornando-o um astro reverenciado do pop negro.

Quando o rock & roll estourou com Elvis Presley em 1955, e cantores negros como Chuck Berry e Little Richard foram promovidos, Ray Charles aproveitou o espaço aberto na mídia e lançou sucessos como "I got woman" (gravada depois por Elvis), "Talkin about you", "What I say", "Litle girl of mine", entre outros, reunindo elementos de R & B e gospel nas músicas de uma forma que abriram caminho para a soul music dos anos 60, e tornando-o um astro reverenciado do pop negro.

A partir de então, embora sempre ligado ao soul, não se ateve a nenhum gênero musical negro específico: flertou com o jazz, gravou baladas românticas chorosas e standards da canção americana. Entre seus sucessos históricos desta fase estão canções como "Unchain my heart", "Ruby", "Cry me a river", "Georgia on my mind" e baladas country tais como "Sweet memories", e seu maior sucesso comercial, "I can't stop loving you", de 1962. Apesar de problemas com drogas que lhe prejudicaram a carreira, as interpretações de Ray Charles sempre foram apreciadas, não importando as músicas que cantasse. Uma "aura" de genialidade reconhecida acompanhou-o até o fim da vida e mais do que nos últimos álbuns que gravou, era nas suas apresentações ao vivo que o seu talento único podia ser apreciado.

Um notório mulherengo, Ray Charles casou-se duas vezes e foi pai de doze crianças com sete diferentes mulheres. Sua primeira esposa foi Eileen Williams (casado em 1951, divorciado em 1952) deu-lhe um filho. Outros três filhos são de seu segundo casamento, em 1955, com Della Beatrice Howard (divorciaram-se em 1977).

O filme
O filme Ray, interpretado por Jamie Foxx (vencedor do Oscar, pelo papel) conta a vida do músico, partindo do momento em que deixa sua casa em direção a Seattle, para tentar a carreira profissional, até o sucesso e o vício da heroína e sua luta para se livrar dela, intercalando inumeros flash-backs, onde o protagonista relembra os conselhos de sua mãe e momentos de sua infância, quando perdeu seu irmão (que morreu afogado) e quando ficou cego.

1956 The Great Ray Charles [Atlantic]
1956 The Genius After Hours
1957 Ray Charles [Atlantic]
1958 Ray Charles at Newport [live]
1958 Yes, Indeed!!
1958 Soul Brothers
1959 What'd I Say
1959 The Genius of Ray Charles [Atlantic]
1960 Ray Charles in Person
1960 Genius + Soul = Jazz
1960 Ray Charles Sextet
1960 The Genius Hits the Road
1961 Dedicated to You
1961 Ray Charles and Betty Carter
1961 The Genius Sings the Blues
1961 Do the Twist with Ray Charles!
1961 Soul Meeting
1962 Modern Sounds in Country & Western Music
1962 Modern Sounds in Country & Western Music,...
1962 The Original Ray Charles [London]
1962 Spotlight on Ray Charles
1963 Ingredients in a Recipe for Soul
1964 Sweet & Sour Tears
1964 Have a Smile with Me
1965 Live in Concert
1965 Country & Western Meets Rhythm & Blues
1965 Cincinnati Kid [Soundtrack]
1966 Crying Time
1966 Ray's Moods
1967 A Man & His Soul
1967 Ray Charles Invites You to Listen
1969 I'm All Yours-Baby!
1969 Doing His Thing
1970 My Kind of Jazz
1970 Love Country Style
1971 Volcanic Action of My Soul
1972 A Message from the People
1972 Through the Eyes of Love
1972 Presents the Raelettes
1973 My Kind of Jazz, Number 2
1973 Genius in Concert L.A. [live]
1974 Come Live with Me
1975 Renaissance
1975 My Kind of Jazz, Pt. 3
1975 World of Ray Charles, Vol. 2
1975 Live in Japan
1976 Porgy & Bess
1977 True to Life
1978 Love & Peace
1979 Ain't It So
1980 Brother Ray Is at It Again
1983 Wish You Were Here Tonight
1984 Do I Ever Cross Your Mind?
1984 Friendship
1985 The Spirit of Christmas
1986 From the Pages of My Mind
1988 Just Between Us
1988 Modern Sounds In Country And Western Music...
1990 Would You Believe?
1993 My World
1996 Strong Love Affair
1998 In Concert [Rhino] [live]
2002 Thanks for Bringing Love Around Again
2002 Ray Charles
2002 Live at the Montreux Jazz Festival
2002 A Sentimental Blues

Bob Marley

2008-02-12T13:06:00.000-08:00

Robert Nesta Marley, mais conhecido como Bob Marley, (Saint Ann, 6 de fevereiro de 1945 — Miami, 11 de maio de 1981) foi um cantor, guitarrista e compositor jamaicano. Ele é o mais conhecido músico de reggae de todos os tempos, famoso por popularizar o gênero. Grande parte do seu trabalho lidava com os problemas dos pobres e oprimidos. Ele foi chamado de "Charles Wesley dos rastafaris" pela maneira com que divulgava a religião através de suas músicas.

Bob foi casado com Rita Marley (uma das "I Threes", que passaram a cantar com os Wailers depois de eles alcançarem sucesso internacional). Ela foi mãe de quatro de seus doze filhos(2 adotados), os renomados Ziggy e Stephen Marley, que continuam o legado musical de seu pai na banda Melody Maker. Outro de seus filhos, Damien Marley (vulgo "Jr Gong") também seguiu carreira musical.

Bob Marley era adepto da religião Rastafari. Ele foi influenciado por sua esposa Rita, e passou a receber os ensinamentos de Mortimer Planner. Ele servia de fato como um missionário rasta (suas ações e músicas demonstram que isso talvez fosse intencional), fazendo com que a religião fosse conhecida internacionalmente. Em suas canções Marley pregava irmandade e paz para toda a humanidade. Antes de morrer ele foi inclusive batizado na Igreja Ortodoxa da Etiópia com o nome Berhane Selassie.

Em apenas 36 anos de vida, não só colocou sua pequena ilha no mapa, como revolucionou a música, hábitos e comportamentos pelos quatro cantos do mundo.

Marley era um grande defensor da maconha, usada por ele no sentido da comunhão, apesar de que seu uso não é consenso entre os rastafaris. Na capa de Catch a Fire inclusive ele é visto fumando um cigarro de maconha, e o uso espiritual da cannabis é mencionado em muitas de suas músicas.

Marley também tinha conexões com a seita rastafari "Doze Tribos de Israel", e expressou isso com uma frase bíblica sobre José, filho de Jacó, na capa do álbum Rastaman Vibration.

Bob Marley nasceu em 6 de fevereiro de 1945 no interior da Jamaica - Sta. Ann, filho de Norval Marley, um militar branco inglês e Cedella Booker, uma adolescente negra vinda do norte do país. Cedella e Norval estavam de casamento marcado para 9 de julho de 1944,no dia seguinte do seu casamento Norval deixa sua mulher. Norval dava apoio financeiro para sua mulher e filho, mas raramente os via, pois estava constantemente viajando. Após a morte de Norval em 1955, Marley e sua mãe se mudaram para um bairro pobre de Kingston, onde Marley era provocado pelos negros locais por ser mulato e por sua baixa estatura (1,63 m).

Marley começou suas experimentações musicais com o ska e passou aos poucos para o reggae enquanto o estilo se desenvolvia. Marley é talvez mais conhecido pelo seu trabalho com o grupo de reggae The Wailers, que incluía outros dois célebres músicos, Bunny Wailer e Peter Tosh. Livingstone e Tosh posteriormente deixariam o grupo para iniciarem uma bem-sucedida carreira solo.

A maioria do trabalho inicial de Marley foi produzida por Coxsone Dodd no Studio One. O relacionamento dos dois se deterioraria mais tarde devido a pressões financeiras, e no começo da década de 1970 ele produziu o que é considerado por muitos o seu melhor trabalho, então pelas mãos de Lee Perry. A dupla também se separaria, desta vez por problemas com direitos autorais. Eles trabalhariam juntos novamente em Londres, e permaneceriam amigos até a morte de Marley.

O trabalho de Bob Marley foi amplamente responsável pela aceitação cultural da música reggae fora da Jamaica. Ele assinou com o selo Island Records de Chris Blackwell em 1971, na época uma gravadora bem influente e inovadora. Foi ali, com "No Woman, No Cry" em 1975, que ele ganhou fama internacional.

Em 1976, dois dias antes de um show gratuito organizado por Bob Marley e o então primeiro-ministro jamaicano Michael Manley durante as eleições gerais, Marley, sua esposa Rita e o empresário Don Taylor foram baleados na residência do astro em Hope Road. Marley sofreu ferimentos leves no braço e no tórax. Don Taylor levou a maior parte dos tiros em sua perna e torso ao andar acidentalmente na frente da linha de fogo. Ele foi internado em estado grave mas recuperou-se. Rita também, que sofreu um ferimento na cabeça. Acredita-se que o tiroteio teve motivações políticas (os políticos jamaicanos eram em geral violentos na época, especialmente quando as eleições se aproximavam). O concerto foi visto como um gesto de apoio ao primeiro ministro, e supostamente Marley foi alvo dos defensores do partido conservador da Jamaica, o "Jamaican Labour Party". Embora a polícia nunca tenha pego os atiradores, os seguidores de Marley mais tarde "acertaram as contas" com eles nas ruas de Kingston.E o candidato foi eleito.

Bob Marley deixou a Jamaica no final de 1976 e foi para a Inglaterra, onde gravou os álbuns Exodus e Kaya e onde também foi preso pela posse de um cigarro de maconha. Ele lançou a música "Africa Unite" no álbum Survival em 1979, e então foi convidado a tocar nas comemorações pela independência do Zimbabwe em 17 de abril de 1980.

Em julho de 1977 Marley descobriu uma ferida no dedão de seu pé direito, que ele pensou ter sofrido durante uma partida de futebol. A ferida não cicatrizou, e sua unha posteriormente caiu enquanto ele jogava bola. Foi então que o diagnóstico correto foi feito. Marley na verdade sofria de uma espécie de câncer de pele, chamado melanoma maligno, que se desenvolveu sob sua unha. Os médicos o aconselharam a ter o dedo amputado, mas Marley recusou-se devido aos princípios rastafaris que diziam que os médicos são homens que enganam os ingênuos, fingindo ter o poder de curar. Ele também estava preocupado com o impacto da operação em sua dança; a amputação afetaria profundamente sua carreira no momento em que se encontrava no auge. Marley então passou por uma cirurgia para tentar extirpar as células cancerígenas. A doença foi mantida em segredo do grande público.

O câncer espalhou-se para seu cérebro, pulmão e estômago. Durante uma turnê no verão de 1980, numa tentativa de se consolidar no mercado norte-americano, Marley desmaiou enquanto corria no Central Park de Nova Iorque. Isso aconteceu depois de uma série de shows na Inglaterra e no Madison Square Garden, mas a doença o impediu de continuar com a grande turnê agendada. Marley procurou ajuda, e decidiu ir para Munique para tratar-se com o controverso especialista Josef Issels por vários meses, não obtendo resultados .

Um mês antes de sua morte, Bob Marley foi premiado com a "Ordem ao Mérito" jamaicana. Ele queria passar seus últimos dias em sua terra natal, mas a doença se agravou durante o vôo de volta da Alemanha e Marley teve de ser internado em Miami. Ele faleceu no hospital Cedars of Lebanon no dia 11 de maio de 1981 em Miami, Flórida, aos 36 anos. Seu funeral na Jamaica foi uma cerimônia digna de chefes de estado, com elementos combinados da religião Ortodoxa da Etiópia e do Rastafari. Ele foi enterrado em uma tumba em Nine Miles, perto de sua cidade natal.

Reputação póstuma
A música e a lenda de Bob Marley ganharam mais e mais força desde sua morte, e continuam a render grandes lucros para seus herdeiros. Também deu a ele um status quase mítico, similar ao de Elvis Presley e John Lennon. Marley é enormemente popular e bastante conhecido ao redor do mundo, particularmente na África e na América Latina. É considerado por muitos como o primeiro "pop-star" do Terceiro Mundo.

Controvérsia sobre o local do túmulo
Em janeiro de 2005 foi divulgado que Rita Marley estava planejando exumar os restos de Bob Marley e enterrá-los em Shashamane, Etiópia. Ao anunciar sua decisão, Rita afirmou que "toda a vida de Bob foi centrada na África, não na Jamaica". Os jamaicanos foram amplamente contra a proposta, e a comemoração do aniversário de Bob em 6 de fevereiro de 2005 foi celebrada em Shashamane pela primeira vez -- antes, todas as outras haviam sido realizadas na Jamaica.

Antônio Carlos Jobim(Tom Jobim)

2008-02-12T12:59:00.000-08:00

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Rio de Janeiro, 25 de Janeiro de 1927 - Nova Iorque, 8 de Dezembro de 1994) , mais conhecido como Tom Jobim, foi um compositor, maestro, pianista, cantor, arranjador e violonista brasileiro. É considerado um dos expoentes da música brasileira, tendo sido um dos criadores da Bossa Nova. Tom Jobim é um dos nomes que melhor representa a música brasileira na segunda metade do século XX e é praticamente uma unanimidade entre críticos e público em termos de qualidade e sofisticação musical.Inexplicavelmente, a genialidade de Tom Jobim continua sempre mais reconhecida nos palcos internacionais que entre os brasileiros, que estão em melhores condições de apreciar a beleza de suas canções, por exemplo no que se refere à concatenação melodia e letra. Como traduzir "Caingá, candeia, é o Matita Pereira - Passarinho na mão, pedra de atiradeira" da canção "Águas de Março"
O Aeroporto Internacional do Rio de Janeiro passou a se chamar Aeroporto Internacional Maestro Antônio Carlos Jobim, só por pressão junto ao Congresso Nacional de uma comissão de notáveis, formada por Chico Buarque, Oscar Niemeyer, João Ubaldo Ribeiro, Antônio Cândido, Antônio Houaiss e Edu Lobo, criada e pessoalmente coordenada pelo crítico Ricardo Cravo Albin.

Tom Jobim é um dos nomes que melhor representam a música brasileira na segunda metade do século XX. Pianista, compositor, cantor, arranjador, violonista às vezes, é praticamente uma unanimidade quando se pensa em qualidade e sofisticação musical. Nasceu no bairro da Tijuca, no Rio de Janeiro, mudando-se logo com a família para Ipanema. Aprendeu a tocar violão e piano tendo tido aulas, entre outros, com o professor alemão Hans-Joachim Koellreutter, introdutor da técnica dodecafônica no Brasil.

Pensou em trabalhar como arquiteto e chegou a se empregar em um escritório, mas logo desistiu e resolveu ser pianista. Tocava em bares e inferninhos em Copacabana no início dos anos 50, até que em 1952 foi contratado como arranjador pela gravadora Continental. Além dos arranjos, também tinha a função de transcrever para a pauta as melodias de compositores que não dominavam a escrita musical. Por essa época começou a escrever suas primeiras composições.

A primeira música gravada foram "Incerteza" (com Newton Mendonça), por Mauricy Moura. "Tereza da Praia", parceria com Billy Blanco, gravada por Lúcio Alves e Dick Farney pela Continental em 1954, foi o primeiro sucesso. Depois disso participou de gravações e compôs com Billy Blanco a "Sinfonia do Rio de Janeiro", além de outras parcerias como Dolores Duran ("Se é por Falta de Adeus", "Por Causa de Você").

Em 1956 musicou a peça "Orfeu da Conceição" com Vinícius de Moraes, que se tornou um de seus parceiros mais constantes. Dessa peça, fez bastante sucesso a música "Se Todos Fossem Iguais a Você", gravada diversas vezes. Tom Jobim fez parte do núcleo embrionário da bossa nova. O disco "Canção do Amor Demais" (1958), de composições de Tom e Vinícius cantadas por Elizeth Cardoso e acompanhadas pelo violão de João Gilberto (em algumas faixas) e orquestra é considerado um marco inaugural da bossa nova, pela originalidade das orquestrações, harmonias e melodias. Inclui, entre outras, "Canção do Amor Demais", "Chega de Saudade" e "Eu Não Existo sem Você". A concretização da bossa nova como estilo musical veio logo em seguida com o 78 rotações "Chega de Saudade", interpretado por João Gilberto, lançado em 1958. No ano seguinte, o LP "Chega de Saudade", de João Gilberto, com arranjos e direção musical de Tom, consolidou os rumos que a música popular brasileira tomaria dali pra frente. No mesmo ano foi a vez de Sílvia Telles gravar "Amor de Gente Moça", um disco com 12 músicas de Tom, entre elas "Só em Teus Braços", "Dindi" (com Aloysio de Oliveira) e "A Felicidade" (com Vinícius).

Tom foi um dos destaques do Festival de Bossa Nova do Carnegie Hall, em Nova York em 1962. No ano seguinte compôs, com Vinícius, um de seus maiores sucessos e possivelmente a música brasileira mais executada no exterior: "Garota de Ipanema". Nos anos de 1962 e 1963 a quantidade de "clássicos" produzidos por Tom é impressionante: "Samba do Avião", "Só Danço Samba" (com Vinícius), "Ela é Carioca" (com Vinícius), "O Morro Não Tem Vez", "Inútil Paisagem" (com Aloysio), "Vivo Sonhando". Nos Estados Unidos gravou discos (o primeiro individual foi "The Composer of 'Desafinado' Plays", de 1965), participou de shows e fundou sua própria editora, a Corcovado Music. O sucesso de suas músicas fora do Brasil o fez voltar aos EUA em 1967 para gravar com um dos grandes mitos americanos, Frank Sinatra. O disco "Francis Albert Sinatra e Antônio Carlos Jobim", com arranjos de Claus Ogerman, incluiu versões em inglês de músicas de Tom ("The Girl From Ipanema", "How Insensitive", "Dindi", "Quiet Night of Quiet Stars") e composições americanas, como "I Concentrate On You", de Cole Porter. No fim dos anos 60, depois de lançar o disco "Wave" (com a faixa-título, "Triste", "Lamento" e várias músicas instrumentais), participou de festivais no Brasil, ganhando inclusive o primeiro lugar no III Festival Internacional da Canção da Rede Globo com "Sabiá", parceria com Chico Buarque, interpretado por Cynara e Cybele, do Quarteto em Cy. "Sabiá" conquistou o júri, mas não o público, que vaiou ostensivamente a música diante dos constrangidos compositores.

Aprofundando seus estudos musicais, adquirindo influências de compositores eruditos, principalmente Vila Lobos e Debussy, Tom Jobim prosseguiu gravando e compondo músicas vocais e instrumentais de rara inspiração, juntando harmonias do jazz ("Stone Flower") e elementos tipicamente brasileiros, fruto de suas pesquisas sobre a cultura brasileira. É o caso de "Matita Perê" e "Urubu", lançados na década de 70, que marcam a aliança entre a sofisticação harmônica de Tom e sua qualidade de letrista. São desses dois discos "Águas de Março", "Ana Luiza", "Lígia", "Correnteza", "O Boto", Ângela". Também nessa época grava discos com outros artistas, casos de "Elis e Tom", com Elis Regina, "Miucha e Tom Jobim" e "Edu e Tom". "Passarim", de 1987, é a obra de um compositor já consagrado, que pode desenvolver seu trabalho sem qualquer receio, acompanhado por uma banda grande, a Nova Banda. Além da faixa-título, "Gabriela", "Luiza", "Chansong", "Borzeguim" e "Anos Dourados" (com Chico Buarque) são os destaques.
É difícil escolher os mais significativos entre os mais de 50 discos de que participou, como intérprete ou arranjador. Todos eles têm algo de inovador, de diferente e especial. Seu último CD, "Antônio Brasileiro", foi lançado em 1994, pouco antes da sua morte, em dezembro, nos EUA.

Biografias foram lançadas, entre elas "Antônio Carlos Jobim, um Homem Iluminado", de sua irmã Helena Jobim, "Antônio Carlos Jobim - Uma Biografia", de Sérgio Cabral, e "Tons sobre Tom", de Márcia Cezimbra, Tárik de Souza e Tessy Callado.

Livros
Helena Jobim: Antônio Carlos Jobim, um Homem Iluminado, Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1996.
Luis Carlos Lisboa: A vida de Tom Jobim, Rio de Janeiro: Rio Cultura/Faculdades Integradas Estácio de Sá, 1983.
Sérgio Cabral: Antônio Carlos Jobim - Uma Biografia, Rio de Janeiro: Lumiar, 1997.
Márcia Cezimbra, Tárik de Souza e Tessy Callado: Tons sobre Tom.
Composições mais famosas
Chega de Saudade (1957), o marco inicial da bossa nova
Água de Beber
Desafinado (1959), três prêmios Grammy
Samba de Uma Nota Só (1959)
A Felicidade e o Nosso Amor, As Duas do Filme Orfeu Negro (1959)
Insensatez (1960)
Garota de Ipanema (1963)
Fotografia (1965)
Triste (1967)
Wave (1967)
Águas de Março (1970)
Luiza
Corcovado
Dindi
Retrato em Branco e Preto
Samba do Avião
Anos Dourados
Eu te Amo
Meditação
Só Tinha de Ser com Você (1974)

Discografia
Sinfonia do Rio de Janeiro - 1954
Tom Jobim e Billy Blanco - 1960
Brasília e Sinfonia da Alvorada - 1961
Antônio Carlos Jobim - 1963
Caymmi visita Tom - 1964
Antônio Carlos Jobim com Nelson Riddle e sua Orquestra - 1964
Getz/Gilberto featuring A. C. Jobim - 1964
A Certain Mr. Jobim - 1965
Love Strings & Jobim (Tom Jobim Apresenta) - 1966
Wave - 1967
Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim - 1967
Compacto Duplo - 1968
Tide - 1970
Stone Flower - 1970
Sinatra & Company.s - 1971
Disco de Bolso - O Tom de Tom Jobim e o tal de João Bosco - 1972
Matita Pere/Jobim - 1973
Elis & Tom - 1974
Urubu - 1976
Compacto Duplo - 1977
Miúcha & Antônio Carlos Jobim - 1977
Tom, Vinícius, Toquinho, Miúcha, gravado ao vivo no Canecão - 1977
Miúcha e Tom Jobim - 1979
Sinatra-Jobim Sessions - 1979
Terra Brasilis I & II - 1980
Edu & Tom / Tom & Edu - 1981
Gabriela, Trilha do Filme - 1983
O Tempo e o Vento - 1985
Para Viver um Grande Amor, Trilha do Filme - 1985
Rio Revisited (com Gal Costa) - 1987
Passarim - 1987
Tom Jobim (inédito) - 1987
No Tom da Mangueira - 1991
Antônio Brasileiro - 1994
Antnio Carlos Jobim and Friends - 1996
Antônio Carlos Jobim em Minas ao vivo: Piano e Voz - 2004

Elvis Presley

2008-02-12T12:45:00.000-08:00

Elvis Aron Presley (East Tupelo, Mississippi, 8 de janeiro de 1935 — Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977) foi um famoso cantor, músico, ator e dançarino norte-americano, sendo mundialmente denominado O Rei do Rock. Uma de suas maiores virtudes era a sua voz, devido ao seu alcance vocal, que atingia, segundo especialistas, notas musicais de difícil alcance para um cantor popular. A crítica especializada reconhece seu expressivo ganho, em extensão, com a maturidade; além de virtuoso senso rítmico, força interpretativa e um timbre de voz que o destacava entre os cantores populares.

Elvis tornou-se um dos maiores ícones da cultura popular mundial durante todo o século XX. Entre seus sucessos musicais podemos destacar, "Hound Dog", "Don't Be Cruel", "Love me Tender", "All Shook up", "Teddy Bear", "Jailhouse Rock", "It's Now or Never", "Can´t Help Falling in Love", "Surrender", "Crying In The Chapel", "In The Ghetto", "Suspicious Minds", "Don't Cry Daddy", "The Wonder of You", "An American Trilogy", "Burning Love", "My Boy" e "Moody Blue". Especificamente na Europa, canções como "Wooden Heart", "You Don't Have To Say You Love Me", "My Boy" e "Moody Blue", foram também marcantes. Particularmente no Brasil, foram bem-sucedidas as canções "Kiss me Quick", "Bossa Nova Baby", "Bridge Over Troubled Water", "Sylvia" e "My Boy", dentre outras que também marcaram época. Após sua morte, novos sucessos advieram, como "Way Down" (logo após seu falecimento), "Always On My Mind", "Guitar Man", "A Little Less Conversation" e "Rubberneckin". Ainda hoje, quase trinta anos após sua morte, é o detentor de maior número de "hits" nas paradas mundiais e o recordista de venda de discos em todos os tempos, cerca de dois bilhões [1] de cópias vendidas.
Antes do nascimento
Gladys Love Smith, mãe de Elvis, posteriormente conhecida como Gladys Presley, nasce no dia 25 de Abril de 1912 em Pontotoc no Mississippi, Vernon Elvis Presley ou simplesmente Vernon Presley nasce em 10 de Abril de 1916 em Fulton no estado do Mississippi. No ano de 1933 os pais de Elvis se conhecem. Eles se casam em 17 de junho do mesmo ano na cidade de Pontotoc no Mississippi.

Elvis Aron Presley nasceu na cidade de East Tupelo (East Tupelo seria agregada mais tarde à cidade de Tupelo, formando assim uma única cidade), no Estado do Mississippi, no dia 8 de janeiro de 1935. Na pequena cidade do interior dos EUA, ele aprendeu com a mãe e o pai a ser respeitoso generalizada e indiscriminadamente; independentemente de aspectos de qualquer ordem, quer étnicos, sexuais e/ou sócio-econômico-financeiros. Em seus primeiros anos de vida, cresceu em meio aos destroços de um furacão que devastou sua cidade no dia 5 de abril de 1936. Esse triste fato ocasionou, mesmo o estado do Mississipi sendo na época um centro do racismo americano, uma união entre brancos e negros, que deixaram de lado por algum tempo, o conflito racial, tudo em prol da reconstrução da cidade. Em parte de sua primeira infância, esteve privado da figura de seu pai, preso em 1937, juntamente com o irmão de Gladys, devido a estelionato.
Somando-se a isso, a família foi despejada de sua moradia, portanto, Gladys e Elvis tiveram que se mudar e acabaram indo morar com os pais de Vernon. Vernon seria libertado no ano de 1941. Em 1945, Elvis participou de um concurso de novos talentos na "Feira Mississippi-Alabama", onde conquistou o segundo lugar e o prêmio de 5 dólares, mais ingressos para todas as diversões. Elvis, na ocasião, cantou Old Shep, canção que retrata o desespero de um menino pela perda de seu cão. No mesmo ano, seu pai o presenteou com um violão, que passou-lhe a companhia constante, inclusive na escola. Elvis e a família se mudaram para Memphis no dia 12 de setembro de 1948. A família Presley morou por um bom tempo em condições precárias. No período de 1948 até 1954, Elvis trabalhou em várias atividades. Foi lanterninha de cinema e motorista de caminhão. Concluiu seus estudos em 1953. Nas horas vagas, cantava e tocava seu violão e, eventualmente, onde possível, arriscava alguns acordes ao piano. Reza a lenda que apreciava cantar na penumbra e até em breu total. Suas influências musicais foram o pop da época, particularmente Dean Martin; o country; a música gospel, ouvida na igreja; o R&B, capturado na histórica "Beale Street", em sua adolescência, na cidade de Memphis; além de seu apreço pela música erudita particularmente a ópera. Um de seus maiores ídolos era o tenor Mario Lanza e, naturalmente, cantores gospel como J. D. Sumner, seu preferido.
Em 18 de Julho de 1953 e posteriormente em 4 de Janeiro, 5 de Junho e 26 de Junho de 1954, Elvis grava algumas canções de forma experimental, no "Memphis Recording Service", filial da Sun Records. Entretanto, em julho de 1954, Elvis entra em estúdio e grava outras canções iniciando assim sua carreira profissional. No dia 5 de julho de 1954, que é considerado como o marco zero do rock, Elvis ensaiava algumas músicas, até que, em um momento de descontração, de forma improvisada, começou a cantar "That's All Right, Mama", provocando em Sam Phillips um grande entusiasmo. "Take" realizado, nova canção, no gênero, foi concebida; dessa vez, "Blue Moon of Kentucky", com nova grande aprovação. Ambas comporiam seu primeiro disco, um "compacto simples" (single). Participaram das sessões, além de Elvis e Sam, o guitarrista Scotty Moore e o baixista Bill Black. No dia 7 de Julho as duas canções são executadas pela primeira vez em uma rádio de Memphis, o resultado é um sucesso absoluto. Devido a toda essa repercussão, Elvis é convidado a dar uma entrevista, sua primeira como cantor profissional. A canção "Blue Moon Of Kentucky" chega ao primeiro lugar na parada country da Billboard na cidade de Memphis e "That's All Right" atinge o quarto lugar da mesma parada. Já no dia 17 de Julho ele realiza o seu primeiro espetáculo na cidade de Memphis, em 2 de Outubro ele faz seu primeiro espetáculo fora de Memphis, a cidade escolhida foi a capital do Country, Nashville .
Em 8 de Outubro, Elvis faz sua primeira apresentação fora do estado do Tennessee, a cidade escolhida é Atlanta na Geórgia. No dia 16 do mesmo mês Elvis têm provavelmente o seu primeiro grande momento na carreira, ele realiza na cidade de Shreveport no estado da Louisiana um espetáculo que era transmitido pela rádio local de enorme sucesso na época chamado "Louisiana Hayride", onde ele foi recebido de forma bastante entusiasmada pela platéia. O ano de 1955 pode ser avaliado como a gênese do sucesso nacional de Elvis. Além das inúmeras polêmicas em torno de suas apresentações. Somando-se a isso, as suas performances em programas de rádio e algumas apresentações em programas locais de televisão, onde ele se destaca. Suas canções começam a fazer sucesso nacionalmente, "Mystery Train" chega ao 11º lugar na parada nacional country da Billboard, "Baby, Let's Play House" atinge o 5º posto na mesma parada, até culminar com a primeira canção "número um" nos charts nacionais, canção denominada "I Forgot To Remember To Forget". Neste mesmo ano ele conheceria o seu empresário Tom Parker, que agenciaria sua carreira ao longo de sua vida. Apesar dos múltiplos rumores, dos quais o próprio Elvis fora sabedor, apenas nos anos 80 revelou-se, publicamente, seu verdadeiro nome e nacionalidade. Parker recebera título-honorário, seu verdadeiro nome era Andreas Cornelius van Kuijk, oriundo da Holanda e nascido em 1909. A biografia de Parker é enormemente polêmica, controvertida e ambivalente, assim como sua função empresarial. Em novembro de 1955, após expressiva repercussão, seu contrato foi vendido para RCA Victor.
Em 1956, Elvis tornou-se uma sensação internacional. Com um som e estilo que, uníssonos, sintetizavam suas diversas influências, ameaçavam a sociedade conservadora e repressiva da época e desafiavam os preconceitos múltiplos daqueles idos, Elvis fundou uma nova era e estética em música e cultura populares, consideradas, hoje, "cults" e primordiais, mundialmente. Suas canções e álbuns transformam-se em enormes sucessos e alavancaram vendas recordes em todo o mundo. Elvis tornou-se o primeiro "mega star" da música popular, inclusive em termos de marketing. Muitos postulam que essa revolução chamada rock, da qual Elvis foi emblemático, teria sido a última grande revolução cultural do século XX; já que, as bandas, cantores e compositores que surgiram nas décadas seguintes - e fizeram muito sucesso, foram influenciados, de alguma maneira, direta ou indiretamente por Elvis. O que pode ser considerado verdade! O preço do pioneirismo transformador, entretanto, é altíssimo. Elvis foi implacavelmente perseguido pelos múltiplos segmentos reacionários norte-americanos e por todas as etnias. Os brancos, preconceituosos burgueses representantes da classe dominante, achavam-no vulgar, enquanto representante de uma estética popular, cuja interface negra - o rock, "filho" também do R&B - era uma música de negros e para negros e, por isso, considerada "menor" por aquele grupo dominante. Já os negros, achavam que por ser uma música de origem negra, nenhum branco deveria representá-la e divulgá-la. Mormente para um faturamento que sempre lhes fora negado! Mas Elvis superou as adversidades, ainda que a pecha da vulgaridade tenha permanecido no seio dos segmentos mais ostensivos às camadas mais populares. Tornou-se o "Rei do Rock"! - lembram os estudiosos de sua obra, com propriedade, o gênero que, curiosamente, menos interpretou quantitativamente; título outorgado primeiramente pela revista Variety. Até os dias atuais, Elvis é lembrado como um dos maiores nomes da música em todos os tempos.

Ainda que sua importância maior talvez ainda esteja por ser estudada e compreendida, por epistemólogos da Sociologia e Psicanálise, principalmente. Suas apresentações televisivas quebraram todos os recordes de audiência, além das inevitáveis polêmicas geradas por suas performances explosivas. Podem ser citadas como exemplos, as interpretações de "Hound Dog" nos programas de Ed Sullivan e Milton Berle. Em 1 de Abril de 1956 Elvis grava uma performance em cores da canção "Blue Suede Shoes", cena esta que fazia parte de um teste feito pela 20th Century Fox para o filme "Love Me Tender", sendo que a referida cena não foi transmitida na época, tendo permanecido nos arquivos da "FOX" até finais da década de 80, essa talvez tenha sido sua primeira performance em cores, afinal, naquela época a transmissão em cores estava em seu início. Os filmes "Love Me Tender", "Loving You", "Jailhouse Rock" e "King Creole" foram um grande sucesso de público e, principalmente, os dois últimos, também tiveram seus méritos reconhecidos pela crítica especializada. No mês de Outubro de 1956, Elvis realiza um espetáculo na cidade de Dallas no estádio "Cotton Bowl" para um público estimado de 27 mil pessoas, algo incomum para um artista solo naqueles idos. Em janeiro de 1957, em sua última apresentação no programa de Ed Sullivan, Elvis provocou uma enorme celeuma, quando, contra a vontade do apresentador, cantou a música gospel preferida de sua mãe, "Peace In The Valley".

A repercussão foi imediata e polêmica, levando-o à gravação de seu primeiro disco gospel, um EP (compacto duplo com quatro músicas). No final de 1957, um show realizado no Pan Pacific de Los Angeles foi considerado um dos maiores momentos da carreira de Elvis, por sua sensual e arrebatadora apresentação, considerada escandalosamente provocativa pelos puritanos da época. No mesmo ano de 1957, Elvis se apresentou no Canadá, os seus únicos shows fora dos EUA, em um total de cinco espetáculos que abalaram o país vizinho. Neste ano, Elvis adquiriu a mansão Graceland, sua eterna morada.
Em 1958, Elvis foi para o exército, uma convocação real, facilmente descartável, porém aproveitada comercialmente por seu empresário para expandir sua faixa de público. Transferido, permaneceu na Alemanha de outubro de 1958 até março de 1960. Em agosto de 1958, o falecimento de sua mãe transformar-se-ia no marco mais dramático de sua vida. Elvis jamais voltaria a ser o mesmo no quesito pessoal. Ironicamente, nesse momento, Elvis é o maior ídolo mundial de todos os tempos.

A volta do Exército
Em março de 1960, Elvis retornou da Alemanha e surpreendeu o mundo ao aceitar o convite para participar do programa de Frank Sinatra, "The Frank Sinatra Show - The Timex Special", realizando uma de suas melhores performances televisivas. Selou, a partir de então, uma relação de cordialidade com seu anfitrião e com Sammy Davis Jr. - com quem, inclusive, ensaiou os números de orquestra -, que perduraria ao longo de sua vida. O programa bateu todos os recordes de audiência do ano, inserindo Elvis em um nova faixa de público e apresentado pela "Rat Pack", naquele momento, contava com grande prestígio, razão pela qual o astuto empresário Tom Parker o garimpara. No cinema, Elvis Presley contou com a sensível direção do veterano Don Siegel no filme Flaming Star, um novo reconhecimento da crítica, virando um de seus mais bem sucedidos filmes em qualidade, ainda que tenha, curiosamente, desapontado seu público, à época, exigente de películas apenas histriônicas. Já em 1961, Elvis realizou shows em Memphis (2) e no Hawaii com grande sucesso de crítica e público. O show havaiano, beneficente, concordam seus seguidores mais iniciados e alguns críticos, tornou-se emblemático de apresentações clássicas, no gênero, no show-business. No mesmo ano, Elvis foi homenageado com o "Dia Elvis Presley", tanto na cidade de Memphis como no estado do Tennessee.
No período de 1960 até 1965, os seus filmes são um grande sucesso de público no mundo inteiro. Alguns críticos mais generosos, ainda que implacáveis acerca da qualidade duvidosa das películas, clamavam por melhores oportunidades e personagens para Elvis Presley que, entretanto, envolvido em uma ciranda mercadológica, não se dispunha a aprender o ofício e freqüentar Escolas de Artes Cênicas confiáveis, para aprimorar-se no ofício - a exemplo de Marlon Brando, e muitos outros. Ainda assim, sua versatilidade esteve presente e vários gêneros foram visitados, sendo elogiado por algumas de suas performances, mesmo os roteiros não sendo avaliados como satisfatórios, ou seja, ele fazia a sua parte com méritos, mesmo não possuindo material de qualidade - entre os gêneros apresentados em seus filmes podem ser destacados, "musical", "faroeste", "drama" e "comédia" - os maiores e melhores destaques nesse período foram, Flaming Star (1960), Wild In The Country (1961), Follow That Dream (1962), Kid Galahad (1962), Fun in Acapulco (1963), Viva Las Vegas (1964), Roustabout (1964). A partir de 65, seus filmes e trilhas-sonoras perderam qualidade drasticamente, configurando período de grande alienação e tédio pessoal para o artista. Durante as filmagens de "Viva Las Vegas", em 1963, os protagonistas, Elvis e Ann-Margret, sueca de beleza estonteante, apaixonaram-se intensamente; o que legou bons resultados ao produto final. E muita especulação na mídia. O filme "Viva Las Vegas" é considerado um de seus melhores momentos no cinema, sendo muito elogiado até os dias atuais.

No dia 27 de agosto de 1965, Elvis e a banda inglesa The Beatles se encontraram em âmbito doméstico, sem evidências, até agora, de qualquer produto áudio/visual relevante. A única imagem alusiva ao encontro de Elvis e Beatles é uma foto em que John Lennon aparece saindo da casa de Elvis. No documentário The Beatles Anthology, de 1996, os ex-beatles Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr, confirmaram jamais terem tocado com Elvis, e que somente John Lennon o fizera. No mesmo documentário, Ringo, para os biógrafos confiáveis, a grande estrela da noite em simpatia e camaradagem geral, comentou ter jogado futebol com Elvis.

Virada na carreira
Apesar da fase de pouca qualidade em seus filmes e respectivas trilhas-sonoras, o ano de 1967 será lembrado pelo lançamento do disco que seria considerado um "divisor de águas" na carreira de Elvis, o gospel How Great Thou Art; decorrente de radical mudança em sua produção musical. O álbum surpreendeu o mundo, gradativamente, transformou-se em um grande sucesso de crítica e público; sendo, posteriormente, agraciado com um honroso Grammy, o Oscar da música. De alguma forma, o fonograma - de grande qualidade - e seus resultados, aguçou e excitou musicistas, produtores, fãs e o grande público. Bem produzido e com peças esmeradas, Elvis Presley dera indícios de sua vitalidade e criatividade, ainda em franca ascensão e plena maturidade musical. Fundou-se, portanto, um tempo de bons arranjos e melhor seleção musical. Ocorreram profundas mudanças em seus tons, na própria tessitura vocal e, conseqüentemente, em seus registros. Gradativamente, a própria extensão seria privilegiada, com comprometimento da afinação .

No mesmo ano, Elvis Presley finalmente casou-se com Priscilla Beaulieu, já residente em Graceland, Memphis, desde meados da década, o matrimônio foi realizado na cidade de Las Vegas. Nesse período, entre 1967 e 1968, foram lançados alguns compactos muito elogiados; realmente, enormemente criativos e interessantes - goste-se ou não de Elvis Presley, reconhecerão seus ouvintes. Tudo devido as sessões de gravação ocorridas ainda em 1966, mais precisamente em maio e junho, onde o repertório foi sendo aprimorado qualitativamente, gerando além do álbum "How Great Thou Art", outras canções de bom nível como "Indescribably Blue", "I'll Remember You" e "If Every Day Was Like Christmas". O mesmo pode ser percebido em 1967 em canções como "Suppose", "Guitar Man", "Big Boss Man", "Singing Tree", "Mine", "You'll Never Walk Alone". No período de 66/67, Elvis realiza várias sessões caseiras, onde ele interpreta várias canções de vários estilos e épocas distintas, mostrando um talento intuitivo e natural, no entanto, essas gravações só cairam no conhecimento do público, em sua grande maioria, no final da década de 90.

Em dezembro de 1968, Elvis Presley apresentou-se nacionalmente para a televisão norte-americana, o Elvis NBC TV Special; em um mega-programa que, a posteriori, seria considerado o primeiro acústico da história. Em performance considerada até os dias atuais como magistral, Presley foi aclamado pelo público e crítica especializada. Coronel Tom Parker, lendário empresário do artista, vislumbrara um programa piegas, tradicional e conservador, no entanto, devido a grande empatia estabelecida entre Presley e o então jovem produtor Steve Binder, realizou-se um espetáculo contundente e ousado; inclusive com cenas interditadas pela "Censura Federal" daqueles idos. Um trabalho reconhecidamente antológico e pioneiro. Foram apresentados clássicos dos anos 50, algumas músicas da década de 60 e, ainda outras, inéditas. "Tiger Man" (lançada no disco Elvis Sings Flaming Star), "Baby, What You Want Me To Do", "Up Above My Head", "Nothingville", "If I Can Dream", "Memories" e "Saved", estiveram no roteiro, de um programa dividido em sets; entre "jam sessions" eletrizantes e performances clássicas em cenários monumentais e arranjos grandiosos - elaborados pela competente orquestra da NBC. Elvis Presley atingira maturidade artística.

Últimos anos
Ainda no ano de 1974, Elvis voltou a se apresentar no Astrodome, de Houston, estádio monumental, jamais contemplado com tal magnitude de um espetáculo de música popular. Novos recordes foram quebrados, superiores aos próprios, de 1970. Em um segundo show, 44.175 pagantes foram contabilizados; público até então inimaginável para um concerto de um único artista. Além de Houston, realizou shows históricos em Los Angeles, no mês de maio; prestigiado inclusive por artistas e bandas das novas gerações, então no auge, como um eufórico e entusiasmado Led Zeppelin. Uma única sessão de gravação foi realizada no ano seguinte, 1975, quando, no último dia do ano, Elvis Presley quebrou novo recorde de público para um artista solo até então, apresentando-se para 62 mil pessoas. Segmento de seus biógrafos afirmam que este seria seu último ano primoroso artisticamente; Elvis realiza shows históricos em sua carreira, sendo elogiado por todos, propiciando o seguinte comentário do jornal The New York Times:
Cada vez mais Presley melhora sua voz atingindo excelentes notas vocais. Ele ainda é o rei nos palcos.

The New York Times

se referindo aos shows de "Uniondale" no condado de Nassau no estado de Nova Iorque. Muitos afirmam que os alguns dos melhores shows de Elvis em toda a carreira foram realizados em 1975. No mesmo período são lançados dois dos melhores álbuns de Elvis na década de 70, Elvis Today e Promised Land. Entretanto, pessoalmente, seus percalços se somavam gradativamente. Em 1976, ano em que realizou mais de 100 mega-espetáculos, Elvis voltou a apresentar-se no último dia do ano, na cidade de Pittsburgh; reconhecido pela crítica e público como um dos seus últimos grandes espetáculos de qualidade; para os fãs, antológico! Elvis Presley subiu aos palcos regularmente, de forma sofrível, ao longo dos seis primeiros meses de 1977, com a saúde visivelmente deteriorada. No mês de junho, teve espetáculos filmados pela rede de televisão CBS, vislumbrando um vindouro mega-especial, a ser levado ao ar em cadeia nacional oportunamente.
Na noite de 15 de Agosto Elvis vai ao dentista por volta das 11 da noite, algo muito comum para ele. De madrugada ele volta a Graceland, joga um pouco de tênis e toca algumas canções ao piano, indo dormir por volta das 4 ou 5 da madrugada do dia 16. Por volta das 10 horas Elvis teria levantado para ler no banheiro, o que aconteceu desse ponto até por volta das duas horas da tarde é um mistério, o desenlace ocorreu, possivelmente, no final da manhã, no banheiro de sua suite, na mansão Graceland, na cidade de Memphis, no Tennessee. Os fatores predisponentes sistêmicos, os hábitos cotidianos e as circunstâncias que culminaram com a morte de Elvis Presley, são dos pontos mais polêmicos e controvertidos entre seus biografos e fãs. Elvis só foi encontrado morto no horário das duas horas da tarde por sua namorada na época, Ginger Alden. Logo após, o seu corpo é levado ao hospital "Memorial Batista" e sua morte confirmada.

A morte de Elvis Aron Presley no dia de 16 de agosto de 1977, causada por colapso fulminante associado à disfunção cardíaca, surpreendeu o mundo, provocando comoção como poucas vezes fora vista em nossa cultura; inclusive no Brasil. Os fãs se aglomeraram em maior número em frente a mansão. As linhas telefônicas de Memphis estavam tão congestionadas que a companhia telefônica pediu aos residentes para não usarem o telefone a não ser em caso de emergência. As floriculturas venderam todas as flores em estoque. O velório aconteceu no dia 17. Alguns, dos milhares de fãs, puderam ver o caixão por aproximandamente 4 horas.
Por volta das 3 da tarde do dia 18 a cerimônia para familiares e amigos foi realizada, com canções gospel sendo cantadas pelos "Stamps" (Grupo vocal gospel) e por Kathy Westmoreland (cantora), ambos fizeram parte do grupo musical de Elvis na década de 70. Após a cerimônia todos foram levados até o cemitério em limusines, logo em seguida o corpo de Elvis é enterrado. Mas para os fãs e apreciadores de artistas que viraram ícones, a morte física de Elvis pouco importa. Enquanto houver desejo e emoção, Elvis Presley viverá.

Elvis in Concert
Inicialmente pensado para dezembro, o programa especial Elvis in Concert foi levado ao ar em outubro e registrou uma das maiores audiências da história da rede americana CBS. Ainda que portador de imagens constrangedoras de sua fisionomia e condições físicas, o programa mostrou-nos um profissional despojado e empenhado em tentar superar-se e apresentar-se da melhor forma possível. Entretanto, o que poderia ter sido uma catástrofe para a sua carreira em vida, emocionou um mundo saudoso e agradecido. Musicalmente, o programa mostrou um Elvis Presley apegado ao seu maior trunfo, sua verve de grande intérprete e, munido de maturidade e extensão vocal surpreendente, mais uma vez impactou a todos com a profundidade e eloqüência de suas interpretações, mais uma vez revolucionárias. Até agosto de 1977, Elvis vendera 600 milhões de discos, entre 150 álbuns e singles; superior a qualquer outro artista. Até 2005, estima-se por volta de 2 bilhões de exemplares, recorde absoluto, coroado com centenas de discos de ouro, platina e, mais recentemente, multi-platina. Entre seus muitos prêmios, estão 14 indicações ao Grammy, com 3 premiações; cabe destacar, justíssimas; mormente se considerarmos os prêmios anteriormente não outorgados, possivelmente, por preconceito. E segundo alguns, porque Elvis Presley foi um artista popular, um sujeito - desde sempre - a frente do seu tempo; inserido em uma engrenagem sócio-histórica-cultural bastante complexa, e para os mesmos, não é pouca coisa.
Um fato bastante polêmico até os dias atuais é sobre a questão se Elvis usava ou não drogas ilícitas como cocaina, maconha e etc. Provavelmente Elvis usou em algum momento de sua vida algumas dessas drogas citadas acima, mas aparentemente não se viciou em nenhuma delas. Além disso, Elvis também fumava cigarro esporadicamente, como pode ser visto em algumas fotos raras. O que está provado é que ele se viciou em medicamentos, perdendo totalmente o controle a partir dos anos 70, quando o dr. George Nickopoulos receitava abusivas doses de medicamentos para Elvis, culminando assim na sua morte em 77. O referido médico foi levado ao Tribunal em 1981, acusado de receitar a Elvis um tratamento médico "ultrajante", mas foi absolvido.
Elvis não morreu
Uma outra polêmica envolvendo o nome de Elvis é famosa frase "Elvis Não Morreu", evidente que essa frase tem um forte apelo comercial e de marketing, mas muitos de seus fãs acreditam piamente que Elvis realmente ainda está vivo, ou pelo menos, não morreu na data considerada oficial. Muitos afirmam que Elvis já foi visto em vários lugares e que existiriam várias coincidências em sua suposta morte que comprovariam uma certa armação em sua morte. Muitos que não acreditam nessa hipótese de Elvis estar vivo, dizem que simplesmente é mais uma daquelas teorias conspiratórias.

John Lennon

2008-02-12T12:38:00.000-08:00

John Winston Lennon (Liverpool, 9 de Outubro de 1940 — Nova Iorque, 8 de Dezembro de 1980) foi um ícone do século XX, músico, cantor e compositor britânico. John Lennon fez parte do grupo de rock inglês The Beatles. Quando estava nos Beatles, durante os anos 60, John Lennon com Paul McCartney formou a dupla de compositores Lennon/McCartney. Dentre suas composições famosas junto aos Beatles estão "Help", "Strawberry Fields Forever" e "Norwegian Wood" entre outras. Em carreira solo suas composições mais famosas são Imagine, "Woman" e "Happy Xmas" entre outras.

Lennon também ficou conhecido como o mais rebelde dos Beatles, polêmico em suas entrevistas e comportamento, tornou-se ativista em favor da paz. Acabou sendo assassinado em 1980, em Nova York.

Nascido em Liverpool, Inglaterra, foi batizado com o nome de John Winston Lennon. Seu pai, Alfred Lennon, trabalhava na marinha mercante e deixou a família quando John ainda era muito pequeno. Abandonada pelo marido, a mãe de John, Julia Stanley Lennon, acabou deixando o filho para sua irmã criar. Durante o resto de sua infância e adolescência, John morou com sua tia Mimi e seu tio George Smith, na Menlove Avenue, em um bairro classe média da cidade de Liverpool. Tia Mimi tinha um jeito mais duro do que George. George estimulava John a desenhar e pintar. Morreu em 1955. Apesar de deixar o pequeno John com sua irmã, Julia sempre ia visitá-lo. Em 15 de julho de 1958, após uma dessas visitas, Julia morreu atropelada.
John estudou na Quarry Bank School. Nessa escola, em 1956, ele fundaria uma banda de rock chamada Quarrymen, que daria origem aos Beatles. Os Quarrymen eram inicialmente uma banda de skiffle (ritmo que fazia sucesso na Inglaterra na época), que depois de algum tempo eles abandonariam para se dedicarem mais ao rock quando este estilo de música vindo dos Estados Unidos começou se tornar muito popular pela Inglaterra, no final dos anos 50.

Em 6 de julho de 1957, John Lennon conheceu Paul McCartney, que acabou entrando para sua banda de rock. Paul e John acabaram se tornando mais próximos quando a mãe de John morreu em 58. Paul também perdeu a mãe muito jovem, tendo ele 14 anos quando ela morreu, de câncer. Em 1958, George Harrison entrou para a banda como guitarrista. A banda trocou de nome várias vezes até chegar ao nome defenitivo The Beatles.

John era um aluno problemático na escola, e mesmo assim foi aceito na Liverpool College of Art. Foi nesta escola que ele conheceu sua futura esposa Cynthia Powell e fez amizade com Stuart Sutcliffe. Devido à grande amizade formada, em 1960, Stuart entrou para sua banda de rock como contrabaixista e tempos depois abandonaria a banda. Stuart morreria em 1962 .

John e os Beatles
John como fundador dos Beatles, era o líder natural da banda. Eles lançaram a primeira canção em um compacto de 1962. No início, John Lennon e Paul McCartney escreviam canções colaborando um com o outro, mas com o passar do tempo eles começaram a compor individualmente várias canções. Como eles tinham um acordo, mesmo as canções que eles faziam sozinhos, eram creditadas a dupla Lennon/McCartney.

Devido a morte do empresário dos Beatles, Brian Epstein, em 1967, Paul começou a tomar o controle sobre a banda. Com o fracasso financeiro da Apple Corps, empresa criada pela banda, e devido a presença constante da mulher de John (Yoko Ono) nos estúdios de gravação, começaram a surgir atritos entre os integrantes da banda, principalmente entre John e Paul. Lennon foi então o primeiro a decidir sair dos Beatles. Em 1970, Paul McCartney anunciou o fim dos Beatles.

Logo após a separação, John deu uma entrevista a BBC onde ele mostrou ressentimentos relacionados a Paul McCartney e aos Beatles. Segundo ele, os Beatles tratavam com hostilidade Yoko Ono e quando Paul tomou o controle da banda, eles começaram a rodar em círculo.

John casou-se a primeira vez em 23/08/1962 com Cynthia Powell, ela estava grávida, em 08/04/1963 eles tiveram um filho chamado Julian Lennon (cujo nome de batismo foi John Charles Julian Lennon). No começo do sucesso dos Beatles, orientados pelo empresário Brian Epstein, eles tentaram esconder o fato de John ser casado para não magoar as fãs. Mas este segredo não durou muito tempo.

Em 1966, John conheceu a artista plástica japonesa Yoko Ono. Yoko estava expondo em uma galeria de arte em Londres, não demorou muito para John abandonar a mulher e ficar com Yoko. Eles acabariam se tornando inseparáveis. John e Yoko começaram a frequentar vários locais juntos, inclusive os estúdios onde os Beatles gravavam suas canções. Em 09/ 10/ 1975, eles tiveram um filho chamado Sean Lennon (nascido Sean Taro Ono Lennon).

Junto a Yoko Ono, John começou sua carreira solo mesmo ainda fazendo parte dos Beatles, mas sem muito sucesso. Ele lançou o primeiro álbum, Two Virgins, em novembro de 1968. Two Virgins era um álbum experimental e que trouxe gravações caseiras. A capa do álbum causou polêmica, pois os dois apareceram nus. Um mês antes do lançamento do álbum eles foram presos pela polícia por porte de drogas.

Após o casamento em Gibraltar, em março de 1969, eles realizaram o primeiro "Bed-in for Peace" no hotel Hilton em Amsterdam, nos Países Baixos. "Bed-in" era uma conferência para imprensa em favor da paz, realizado em uma cama de hotel. O movimento não foi bem aceito pela imprensa e eles acabaram sendo ridicularizados pela mesma. Em maio do mesmo ano, lançaram o segundo álbum Life With The Lions e realizaram o segundo "Bed-in", em um hotel da cidade de Montreal, Canadá onde gravaram a canção "Give peace a chance"que se tornaria posteriormente em hino a favor da paz.
Ainda em 69 lançaram o compacto com a canção "Give Peace a chance". Em outubro foi a vez do compacto com a canção "Cold Turkey" e em novembro, o álbum chamado Wedding Album. John quis lançar a canção "Cold Turkey" em compacto com os Beatles, mas como eles não estavam dispostos a incluí-la em um compacto, ele a gravou sozinho com Yoko.

John devolveu sua MBE (Membro do Império Britânico) que ele havia recebido da rainha Elizabeth II, no mês de novembro de 1969, em protesto contra o envolvimento britânico na guerra do Biafra e contra o apoio dado aos Estados Unidos na guerra do Vietnã.

Ele foi convidado a participar junto a Yoko Ono do Rock'n Roll Revival Concert de Toronto que contou com a participação entre outros de Chuck Berry e Little Richard. O show foi realizado em setembro de 1969, e virou o álbum solo de John, Live Peace in Toronto. A banda que acompanhou John Lennon no show incluiu Eric Clapton na guitarra e Allan White na bateria (integrante da banda de rock Yes).

Apos a separação dos Beatles, John lançou seu álbum John Lennon Plastic Ono Band em dezembro de 1970. Era o primeiro álbum solo oficial depois dos três álbuns experimentais e do álbum ao vivo lançados enquanto ainda estava nos Beatles. Na época, John e Yoko participavam da terapia primal do Dr. Arthur Janov em Los Angeles. Através da terapia, John tentou lidar com seus traumas da infância (abandono, isolamento e morte). De volta a Inglaterra, John chamou o produtor Phil Spector e começou as gravações do álbum. Participaram do álbum o ex-beatle Ringo Starr além de Billy Preston e Alan White, futuro membro do Yes. John Lennon fala do abandono da mãe e do pai na canção "Mother". Na canção "God" John diz a famosa frase "O sonho acabou" em referência aos Beatles, e afirma ainda não acreditar nos Beatles e em Deus.

Em 1971, John atinge o sucesso com o álbum Imagine, a faixa-título faz muito sucesso e torna-se um hino a paz no mundo inteiro. Neste álbum, John ataca o ex-parceiro musical, Paul McCartney com a canção "How do you sleep?". Na canção, John acusa Paul de fazer "canção muzak" (canções que são tocadas em elevador) e diz que a única coisa que Paul escreveu bem foi a canção "Yesterday", e que o resto de suas composições eram tolas canções de amor (silly love songs). John alegou que Paul sempre o atacava sutilmente em seus discos e que "How do you sleep?" era uma resposta a essas provocações. Paul responderia anos depois com o canção "Silly Love Songs". "Jealous Guy" foi originalmente composta por John em 1968, tinha uma letra diferente e se chamava "Child of Nature", os Beatles até chegaram ensaia-la para o álbum duplo The Beatles, mas ela acabou ficando de fora do mesmo. "Gimme some thruth" foi gravada com os Beatles durante as sessões de Let it Be, mas também ficou de fora do álbum Let it be. George Harrison tocou guitarra na canção "How do you sleep?". O álbum atingiu o primeiro lugar nas paradas de sucesso americana e inglesa .
Em 1971, John e Yoko mudaram-se para Nova York, nos Estados Unidos e no ano seguinte realizaram o álbum Sometime in New York City, Yoko também cantou algumas canções do álbum. Na época, John recebia em sua casa vários ativistas e criticava a postura política do presidente americano Richard Nixon. Anos mais tarde o FBI confessou que investigava a vida de John por causa de seu envolvimento político. O álbum também trazia canções de postura anti-racial, contra a brutalidade policial e anti-sexista como na canção "Woman is the nigger of the world" entre outros temas. A canção chamada "Sunday Bloody Sunday" era em referência ao domingo sangrento acontecido na Irlanda. No álbum foram incluídas algumas gravações ao vivo, uma que trazia John em um show em Londres em 1969 organizado pela Unicef e outro gravado em Fillmore East em 1971 com Frank Zappa e The Mothers of Invention.

Em 1973, John lançou o álbum Mind Games que marca o iníco de sua separaçao com Yoko Ono. Eles decidiram se separar para ver se a relação era forte o bastante para uma reunião. John começou a sair com sua assistente, May Pang, com a aprovação de Yoko Ono. John e May Pang mudaram-se para Los Angeles e ela acabou encorajando John a participar mais da vida de seu filho Julian, fruto do primeiro casamento de John com Cyntia.
Em 1974 John ainda com May Pang, passou a maior parte do tempo em bebedeiras com amigos como Ringo Starr, Harry Nilson e Keith Moon. Lançou neste ano o álbum Wall and Bridges. Alcançou sucesso com as canções "#9Dream" e "Whatever gets you thru the night", esta, com a participação de Elton John no piano e vocalização. Um mês após o lançamento do álbum, ele participou do show de Elton John no Madison Square Garden na cidade de Nova York. E pouco tempo depois, voltou a viver com Yoko Ono, largando May Pang. Vários anos após a morte de John Lennon, Yoko apagaria a voz de May que aparecia no coro de "#9 Dream".

No ano seguinte, John lançou o álbum Rock and Roll, que apresentava suas versões covers para rock antigos que ouvia na sua adolescência. Conseguiu fazer sucesso com a canção "Stand by Me" composição de Jerry Leiber, Mike Stoller e Ben E. King.

Na época da gravação do álbum Rock'n Roll, Yoko engravidou de John Lennon e após o nascimento do seu filho, Sean, John abandonou a carreira para se dedicar ao filho e a família. Ainda em 1975, John ganhou o Green card americano, o que lhe deu direito de permanecer morando nos Estados Unidos mesmo sendo estrangeiro.

Após cinco anos de reclusão, em 1980, John Lennon voltou a gravar um novo álbum, Double Fantasy. Durante este período de reclusão, John gravou alguma coisa em sua casa e compôs algumas canções. O álbum foi dividido entre canções de Lennon e Yoko. Em "(Just Like)Starting Over", John faz referências à sua volta. "Starting Over" e "Woman" atingiram o primeiro lugar nas paradas de sucesso. Ainda fizeram sucesso "Watching the Whells" e "Beautiful Boy". Sucesso que foi impulsionado pela morte de John Lennon.
A morte de John Lennon
Na noite de 8 de dezembro de 1980, quando voltava para o apartamento onde morava em Nova Iorque , no edifício Dakota, em frente ao Central Park, John foi abordado por um rapaz que durante o dia havia lhe pedido um autógrafo em um LP Double Fantasy em frente ao Dakota. O rapaz era Mark David Chapman, um fã dos Beatles e de John, que acabou atirando em John Lennon com revólver calibre 38. A polícia chegou minutos depois e levou John na própria viatura para o hospital. O assassino permaneceu no local com um livro nas mãos, "O Apanhador no Campo de Centeio" de J.D. Salinger. John morreu após perder muito sangue, aos quarenta anos de idade. Logo após a notícia da morte de John Lennon, que correu o mundo, uma multidão se juntou em frente ao Dakota, com velas e cantando canções de John e dos Beatles.
O assassino foi preso, pois permaneceu no local. Em seu julgamento alegou ter lido em "O apanhador no Campo de Centeio" uma mensagem que dizia para matar John Lennon. Acabou sendo condenado à prisão perpétua.

Após a morte de John, foi criado um memorial chamado Strawberry Fields Forever no Central Park, em frente ao Dakota. Alguns discos póstumos foram lançados, como Milk and Honey, com sobras de canções do disco Double Fantasy. Várias coletâneas e um disco chamado Accoustic foram lançados em 2005. Yoko Ono administra tudo o que se refere a John Lennon, suas canções em carreira solo, seus vídeos e filmes.

Vinicius de Moraes

2008-02-12T12:24:00.000-08:00

1913
Nasce, em meio a forte temporal, na madrugada de 19 de outubro , no antigo nº 114 (casa já demolida) da rua Lopes Quintas, na Gávea, ao lado da chácara de seu avô materno, Antônio Burlamaqui dos Santos Cruz. São seus pais d. Lydia Cruz de Moraes e Clodoaldo Pereira da Silva Moraes, este, sobrinho do poeta, cronista e folclorista Mello Moraes Filho e neto do historiador Alexandre José de Mello Moraes.

1916
A família muda-se para a rua Voluntários da Pátria, nº 192, em Botafogo, passando a residir com o aos avós paternos, d. Maria da Conceição de Mello Moraes e Anthero Pereira da Silva Moraes.

1917
Nova mudança para a rua da Passagem, nº 100, ainda em Botafogo, onde nasce seu irmão Helius. Vinicius e sua irmã Lygia entram para a escola primária Afrânio Peixoto, à rua da Matriz.

1919
Transfere-se para a rua 19 de fevereiro, nº 127

1920
Mudança para a rua Real Grandeza, nº130. Primeiras namoradas na escola Afrânio Peixoto. È batizado na maçonaria, por disposição de seu avô materno, cerimônia que lhe causaria grande impressão.

1922
Última residência em Botafogo, na rua Voluntários da Pátria, nº 195. Impressão de deslumbramento com a exposição do Centenário da Independência do Brasil e de curiosidade com o levante do Forte de Copacabana, devido a uma bomba que explodiu perto de sua casa. Sua família transfere-se para a Ilha do Governador, na praia de Cocotá, nº 109-A, onde o poeta passa suas férias.

1923
Faz sua primeira comunhão na Matriz da rua Voluntários da Pátria.

1924
Inicia o Curso Secundário no Colégio Santo Inácio, na rua São Clemente.
Começa a cantar no coro do colégio, durante a missa de domingo. Liga-se de grande amizade a seus colegas Moacyr Veloso Cardoso de Oliveira e Renato Pompéia da Fonseca Guimarães, este, sobrinho de Raul Pompéia, com os quais escreve o "épico" escolar, em dez cantos, de inspiração camoniana: os acadêmicos.
A partir daí participa sempre das festividades escolares de encerramento do ano letivo, seja cantando, seja atuando nas peças infantis.
1927
Conhece e torna-se amigos dos irmãos Paulo e Haroldo Tapajoz, com os quais começa a compor. Com eles, e alguns colegas do Colégio Santo Inácio, forma um pequeno conjunto musical que atua em festinhas, em casa de famílias conhecidas.

1928
Compõe, com os irmãos Tapajoz, "Loura ou morena" e "Canção da noite", que têm grande sucesso popular.
Por essa época, namora invariavelmente todas as amigas de sua irmã Laetitia.

1929
Bacharela-se em Letras, no Santo Inácio. Sua família muda-se da Ilha do Governador para a casa contígua àquela onde nasceu, na rua Lopes Quintas, também já demolida.

1930
Entra para a faculdade de Direito da rua do Catete, sem vocação especial. Defende tese sobre a vinda de d. João VI para o Brasil para ingressar no "Centro Acadêmico de Estudos Jurídicos e Sociais" (CAJU), onde se liga de amizade a Otávio de Faria, San Thiago Dantas, Thiers Martins Moreira, Antônio Galloti, Gilson Amado, Hélio Viana, Américo Jacobina Lacombe, Chermont de Miranda, Almir de Andrade e Plínio Doyle.

1931
Entra para o Centro de Preparação de Oficiais da Reserva (CPOR).

1933
Forma-se em Direito e termina o Curso de Oficial de Reserva.
Estimulado por Otávio de Faria, publica seu primeiro livro, O caminho para a distância, na Schimidt Editora.

1935
Publica Forma e exegese, com o qual ganha o prêmio Felipe d’Oliveira.

1936
Publica, em separata, o poema "Ariana, a mulher".
Substitui Prudente de Morais Neto, como representante do Ministério da Educação junto à Censura Cinematográfica.
Conhece Manuel Bandeira e Carlos Drummond de Andrade, dos quais se torna amigo.

1938
Publica novos poemas e é agraciado com a primeira bolsa do Conselho Britânico para estudar língua e literatura inglesas na Universidade de Oxford (Magdalen College), para onde parte em agosto do mesmo ano.
Funciona como assistente do programa brasileiro da BBC.
Conhece, em casa de Augusto Frederico Schimidt, o poeta e músico Jayme Ovalle, de quem se torna um dos maiores amigos.

1939
Casa-se por procuração com Beatriz Azevedo de Mello.
Regressa da Inglaterra em fins do mesmo ano, devido à eclosão da II Grande Guerra. Em Lisboa encontra seu amigo Oswald de Andrade com quem viaja para o Brasil.

1940
Nasce sua primeira filha, Susana.
Passa longa temporada em São Paulo, onde se liga de amizade com Mário de Andrade.

1941
Começa a fazer jornalismo em A Manhã, como crítico cinematográfico e a colaborar no Suplemento Literário ao lado de Rineiro Couto, Manuel Bandeira, Cecília Meireles e Afonso Arinos de Melo Franco, sob a orientação de Múcio Leão e Cassiano Ricardo.

1942
Inicia seu debate sobre cinema silencioso e cinema sonoro, a favor do primeiro, com Ribeiro Couto, e em seguida com a maioria dos escritores brasileiros mais em voga, e do qual participam Orson Welles e madame Falconetti.
Nasce seu filho Pedro.
A convite do então prefeito Juscelino Kubitschek, chefia uma caravana de escritores brasileiros a Belo Horizonte, onde se liga de amizade com Otto Lara Rezende, Fernando Sabino, Hélio Pelegrino e Paulo Mendes Campos.
Inicia, com seus amigos Rubem Braga e Moacyr Werneck de Castro, a roda literária do Café Vermelhinho, à qual se misturam a maioria dos jovens arquitetos e artistas plásticos da época, como Oscar Niemeyer, Carlos Leão, Afonso Reidy, Jorge Moreira, José Reis, Alfredo Ceschiatti, Santa Rosa, Pancetti, Augusto Rodrigues, Djanira, Bruno Giorgi.
Freqüenta, nessa época, as domingueiras em casa de Aníbal Machado.
Conhece e se torna amigo da escritora Argentina Maria Rosa Oliver, através da qual conhece Gabriela Mistral.
Faz uma extensa viagem ao Nordeste do Brasil acompanhando o escritor americano Waldo Frank, a qual muda radicalmente sua visão política, tornando-se um antifacista convicto. Na estada em Recife, conhece o poeta João Cabral de Melo Neto, de quem se tornaria, depois, grande amigo.
1943
Publica suas Cinco elegias, em edição mandada fazer por Manuel Bandeira, Aníbal Machado e Otávio de Faria.
Ingressa, por concurso, na carreira diplomática.

1944
Dirige o Suplemento Literário de O Jornal, onde lança, entre outros, Oscar Niemeyer, Pedro Nava, Marcelo Garcia, francisco de Sá Pires, Carlos Leão e Lúcio Rangel, em colunas assinadas, e publica desenhos de artistas plásticos até então pouco conhecidos, como Carlos Scliar, Athos Bulcão, Alfredo Ceschiatti, Eros (Martim) Gonçalves, Arpad Czenes e Maria Helena Vieira da Silva.

1945
Colabora em vários jornais e revistas, como articulista e crítico de cinema.
Faz amizade com o poeta Pablo Neruda.
Sofre um grave desastre de avião na viagem inaugural do hidro Leonel de Marnier, perto da cidade de Rocha, no Uruguai. Em sua companhia estão Aníbal Machado e Moacir Werneck de Castro.
Faz crônicas diárias para o jornal Diretrizes.

1946
Parte para Los Angeles, como vice-cônsul, em seu primeiro posto diplomático. Ali permanece por cinco anos sem voltar ao Brasil.
Publica em edição de luxo, ilustrada por Carlos Leão, seu livro, Poemas, sonetos e baladas.

1947
Em Los angeles, estuda cinema com Orson Welles e Gregg Toland. Lança, com Alex Viany, a revista Film.

1949
João Cabral de Melo Neto tira, em sua prensa mensal, em Barcelona, uma edição de cinqüenta exemplares de seu poema "Pátria minha".
1950
Viagem ao México para visitar seu amigo Pablo Neruda, gravemente enfermo. Ali conhece o pintor David Siqueiros e reencontra seu grande amigo, o pintor Di Cavalcanti.
Morre seu pai.
Retorno ao brasil.

1951
Casa-se pela segunda vez com Lila Maria Esquerdo e Bôscoli.
Começa a colaborar no jornal Última Hora, a convite de Samuel Wainer, como cronista diário e posteriormente crítico de cinema.

1952
Visita, fotografa e filma, com seus primos, Humberto e José Francheschi, as cidades mineiras que compõe o roteiro do Aleijadinho, com vistas à realização de um filme sobre a vida do escultor que lhe for a encomendado pelo diretor Alberto Cavalcanti.
É nomeado delegado junto ao festival de Punta Del Leste, fazendo paralelamente sua cobertura para o Última Hora. Parte logo depois para a Europa, encarregado de estudar a organização dos festivais de cinema de Cannes, Berlim, Locarno e Veneza, no sentido da realização dos Festival de Cinema de São Paulo, dentro das comemorações do IV Centenário da cidade.
Em Paris, conhece seu tradutor francês, Jean Georges Rueff, com quem trabalha, em Estrasburgo, na tradução de suas Cinco elegias.

1953
Nasce sua filha Georgiana.
Colabora no tablóide semanário Flan, de Última Hora, sob direção de Joel Silveira.
Aparece a edição francesa das Cinq élégies, em edição de Pierre Seghers.
Liga-se de amizade com o poéta cubano Nicolás Guillén.
Compõe seu primeiro samba, música e letra, "Quando tú passas por mim".
Faz crônicas diárias para o jornal A Vanguarda, a convite de Joel Silveira.
Parte para Paris como segundo secretário de Embaixada.

1954
Sai a primeira edição de sua Antologia Poética. A revista Anhembi publica sua peça Orfeu da Conceição, premiada no concurso de teatro do IV Centenário do Estado de São Paulo.

1955
Compões em Paris uma série de canções de câmara com o maestro Cláudio Santoro. Começa a trabalhar para o produtor Sasha Gordine, no roteiro do filme Orfeu Negro. No fim do ano vem com ele ao Brasil, por uma curta estada, para conseguir financiamento para a produção da película, o que não consegue, regressando em fins de dezembro a Paris.

1956
Volta ao Brasil em gozo de licença-prêmio.
Nasce sua terceira filha, Luciana.
Colabora no quinzenário Para Todos a convite de seu amigo Jorge amado, em cujo primeiro número publica o poema "O operário em construção".
Paralelamente aos trabalhos da produção do filme Orfeu Negro, tem o ensejo de encenar sua peça Orfeu da Conceição, no Teatro Municipal, que aparece também em edição comemorativa de luxo, ilustrada por Carlos Scliar.
Convida Antônio Carlos Jobim para fazer a música do espetáculo, iniciando com ele a parceria que, logo depois, com a inclusão do cantor e violonista João Gilberto, daria início ao movimento de renovação da música popular brasileira que se convencionou chamar de bossa nova.
Retorna ao poste, em Paris, no fim do ano.

1957
É transferido da Embaixada em Paris para a Delegação do Brasil junto à UNESCO. No fim do ano é removido para Montevidéu, regressando, em trânsito, ao Brasil.
Publica a primeira edição de seu Livro de Sonetos, em edição de Livros de Portugal.

1958
Sofre um grave acidente de automóvel. Casa-se com Maria Lúcia Proença. Parte para Montevidéu. Sai o LP Canção do Amor Demais, de músicas suas com Antônio Carlos Jobim, cantadas por Elizete Cardoso. No disco ouve-se, pela primeira vez, a batida da bossa novas, no violão de João Gilberto, que acompanha acantora em algumas faixas, entre as quais o samba "Chega de Saudade", considerado o marco inicial do movimento .
1959
Sai o Lp Por Toda Minha Vida, de canções suas com Jobim, pela cantora Lenita Bruno.
O filme Orfeu negro ganha a Palme d’Or do Festival de Cannes e o Oscar, de Hollywood, como melhor filme estrangeiro do ano.
Aparece o seu livro Novos poemas II.
Casa-se sua filha Susana.

1960
Retorna à Secretria do Estado das Relações Exteriores.
Em novembro, nasce seu neto, Paulo.
Sai a segunda edição de sua Antologia Poética, pela Editora de Autor; a edição popular da peça Orfeu da Conceição, pela livraria São José e Recette de Femme et autres poèmes, tradução de Jean-Georges Rueff, em edição Seghers, na coleção Autour du Monde.

1961
Começa a compor com Carlos Lira e Pixinguinha.
Aparece Orfeu Negro, em tradução italiana de P.A. Jannini, pela Nuova Academia Editrice, de Milão.

1962
Começa a compor com Baden Powell, dando inicio à série de afro-sambas, entre os quais, "Berimbau" e "Canto de Ossanha".
Compõe, com música de Carlos Lyra, as canções de sua comédia-musicada Pobre menina rica.
Em agosto, faz seu primeiroshow, de larga repercussão, comAntônio Carlos Jobim e João Gilbert,na boate AuBom Gourmet, que daria início aos chamados pocket-shows, e onde foram lançados pela primeira vez grandes sucessos internacionais como "Garota de Ipanema" e o "Samba da bênção"
Show com Carlos Lyra,na mesma boate, paraapresentar Pobre menina rica e onde é lançada a cantora Nara Leão.
Compõe com Ari Barroso as últimas canções do grande compositor popular, entre as quais "Rancho das namoradas".
Aparece a primeira edição de Para viver um grande amor, pela Editora do Autor, livro de crônicas e poemas.
Grava, como cantor, seu disco com a atriz e cantora Odete Lara .
1963
Começa a compor com Edu Lobo.
Casa-se com Nelita Abreu Rocha e parte em posto para Paris, na delegação do Brasil junto a UNESCO.

1964
Regressa de Paris e colabora com crônicas semanais para a revista Fatos e Fotos, assinando paralelamente crônicas sobre música popular para o Diário Carioca.
Começa a compor com Francis Hime.
Faz show de grande sucesso com o compositor e cantor Dorival Caymmi, na boate Zum-Zum, onde lança o Quarteto em Cy. Do show é feito um LP.

1965
Sai Cordélia e o peregrino, em edição do Serviço de Documentação do Ministério da Educação e Cultura.
Ganha o primeiro e o segundo lugares do I Festival de Música Popular de São Paulo, da TV Record, em canções de parceria com Edu Lobo e Baden Powell.
Parte para Paris e St.Maxime para escrevero roteiro do filme Arrastão, indispondo-se, subseqüentemente, com seu diretor, e retirando suas músicas do filme. De Paris voa para Los Angeles a fim de encontrar-se com seu parceiro Antônio Carlos Jobim.
Muda-se de Copacabana para o Jardim Botânico, à rua Diamantina, nº20.
Começa a trabalhar com o diretor Leon Hirszman, do Cinema Novo, no roteiro do filme Garota de Ipanema.
Volta ao show com Caymmi, na boate Zum-Zum.
1963
Começa a compor com Edu Lobo.
Casa-se com Nelita Abreu Rocha e parte em posto para Paris, na delegação do Brasil junto a UNESCO.

1964
Regressa de Paris e colabora com crônicas semanais para a revista Fatos e Fotos, assinando paralelamente crônicas sobre música popular para o Diário Carioca.
Começa a compor com Francis Hime.
Faz show de grande sucesso com o compositor e cantor Dorival Caymmi, na boate Zum-Zum, onde lança o Quarteto em Cy. Do show é feito um LP.

1965
Sai Cordélia e o peregrino, em edição do Serviço de Documentação do Ministério da Educação e Cultura.
Ganha o primeiro e o segundo lugares do I Festival de Música Popular de São Paulo, da TV Record, em canções de parceria com Edu Lobo e Baden Powell.
Parte para Paris e St.Maxime para escrevero roteiro do filme Arrastão, indispondo-se, subseqüentemente, com seu diretor, e retirando suas músicas do filme. De Paris voa para Los Angeles a fim de encontrar-se com seu parceiro Antônio Carlos Jobim.
Muda-se de Copacabana para o Jardim Botânico, à rua Diamantina, nº20.
Começa a trabalhar com o diretor Leon Hirszman, do Cinema Novo, no roteiro do filme Garota de Ipanema.
Volta ao show com Caymmi, na boate Zum-Zum.

1966
São feitos documentários sobre o poeta pelas televisões americana, alemã, italiana e francesa, sendo que os dois últimos realizados pelos diretores Gianni Amico e Pierre Kast.
Aparece seu livro de crônicas Para uma menina com uma flor pela Editora do Autor.
Seu "Samba da bênção", de parceria com Baden Powell, é incluída, em versão de compositor e ator Pierre Barouh, no filme Un homme… une femme, vencedor do Festival de Cannes do mesmo ano.
Participa do jurí do mesmo festival.
1967
Aparecem, pela Editora Sabiá, a 6ª edição de sua Antologia poética e a 2ª do seu Livro de sonetos (aumentada).
É posto à disposição do governo deMinas Gerais no sentido de estudar a realização anual de um Festival de Arte em Ouro Preto, cidade à qual faz freqüentes viagens.
Faz parte do jurí do Festival de Música Jovem, na Bahia.
Estréia do filme Garota de Ipanema.

1968
Falece sua mãe no dia 25 de fevereiro.
Aparece a primeira edição de sua Obra poética, pela Companhia José Aguilar Editora.
Poemas traduzidos para o italiano por Ungaretti.

1969
É exonerado do Itamaraty.
Casa-se com Cristina Gurjão.

1970
Casa-se com a atriz baiana Gesse Gessy.
Nasce Maria, sua quarta filha.
Início da parceria com Toquinho.
1971
Muda-se para a Bahia.
Viagem para Itália.

1972
Retorna à Itália com Toquinho onde gravam o LP Per vivere un grande amore.

1973
Publica "A Pablo Neruda".

1974
Trabalha no roteiro, não concretizado, do filme Polichinelo.

1975
Excursiona pela Europa. Grava, com Toquinho, dois discos na Itália.

1976
Escreve as letras de "Deus lhe pague", em parceria com Edu Lobo.
Casa-se com Marta Rodrihues Santamaria.

1977
Grava um LP em Paris, com Toquinho.
Show com Tom, Toquinho e Miúcha, no Canecão.

1978
Excursiona pela Europa com Toquinho.
Casa-se com Gilda de Queirós Mattoso, que conhecera em Paris .

1979
Leitura de poemas no Sindicato dos Metalúrgicos de São Bernardo, a convite do líder sindical Luís Inácio da Silva.
Voltando de viagem à Europa, sofre um derrame cerebral no avião. Perdem-se, na ocasião, os originais de Roteiro lírico e sentimental da Cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro.

1980
É operado a 17 de abril, para a instalação de um dreno cerebral.
Morre, na manhão de 9 de julho, de edema pulmonar, em sua casa, na Gávea, em companhia de Toquinho e de sua última mulher.
Extraviam-se os originais de seu livro O dever e o haver.

Elis Regina

2008-02-12T12:19:00.000-08:00

Elis Regina Carvalho Costa (Porto Alegre, 17 de março de 1945 - São Paulo, 19 de janeiro de 1982) foi uma das mais importantes cantoras da música popular brasileira. Elis teve um longo período de sucesso, de 1965 a 1981. Uniu técnica e perfeccionismo, presentes em suas gravações, à emoção e energia, típicas de suas apresentações. Em sua carreira, lançou diversos compositores como Milton Nascimento, Fernando Brant, João Bosco, Zé Rodrix, Aldir Blanc, Renato Teixeira e Belchior.Elis Regina nasceu na capital no Rio Grande do Sul, onde começou sua carreira como cantora aos onze anos de idade em um programa de rádio para crianças chamado O Clube do Guri, na Rádio Farroupilha, apresentado por Ari Rego.

Em 1959 foi contratada pela Rádio Gaúcha e em 1961, viajou ao Rio de Janeiro, onde gravou seu primeiro disco, Viva a Brotolândia. Lança ainda mais três discos, enquanto morava em Porto Alegre .
Em 1964 parte para o eixo Rio-SP, e, em 1965, vence o Primeiro Festival da MPB, promovido pela Excelsior, lançando-se nacionalmente. No mesmo ano, assume ao lado de Jair Rodrigues, o comando do programa O Fino da Bossa, que ficaria no ar até 1967 e originaria três discos lançados em 1994, com grande sucesso. Em 1968, uma viagem à Europa a lança no eixo musical internacional, tendo grande sucesso, principalmente no Olympia de Paris, quando se tornou a primeira artista a se apresentar lá duas vezes no mesmo ano.

Durante os anos 70, aprimorou constantemente sua técnica e domínio vocal, registrando em discos de alta qualidade técnica parte do melhor da sua geração de músicos. Em 1975, com o espetáculo Falso Brilhante, que mais tarde virou um disco homônimo, atinge grande sucesso, ficando mais de um ano em cartaz e realizando quase 300 apresentações. O show foi considerado, anos depois, como o melhor da década de 70.

Ainda teve grande êxito com o espetáculo Transversal do Tempo, em 1978, de um clima extremamente político e tenso; o Saudades do Brasil, em 1980, sucesso de crítica e público por sua originalidade, tanto nas canções quanto nos números com dançarinos amadores e; o seu último show, Trem Azul, em 1981, escolhido como o melhor show daquele ano.
Elis Regina criticou muitas vezes a ditadura brasileira, que perseguiu e exilou muitos músicos em sua época, seja através de declarações públicas ou pelas canções que interpretava. Em entrevista, no ano de 1969, declarou que o Brasil era governado por gorilas(Há controvérsias em relação a essa declaração. Existem arquivos dos próprios militares onde ela se justifica dizendo que isso foi criado por jornalistas sensacionalistas). Sua popularidade a manteve fora da prisão, mas foi obrigada pelas autoridades a cantar o Hino Nacional durante um espetáculo em um estádio, fato que despertou a ira da esquerda brasileira.

Segundo a análise de alguns, era conhecida por sua primazia pela técnica e qualidade musical de seus discos, também se notabilizou por lançar boa parte dos grandes nomes da MPB, como Milton Nascimento, Renato Teixeira, João Bosco e Aldir Blanc, Sueli Costa, entre outros.

Faleceu aos 36 anos de idade em 19 de janeiro de 1982, devido a complicações decorrentes de uma overdose de cocaína e bebida alcoólica. Foi sepultada no Cemitério do Morumbi.

Sempre engajada politicamente, Elis participou de uma série de movimentos de renovação política e cultural brasileiro, destacando a Marcha contra as guitarras, ainda nos anos 60, ao lado de artistas como Gilberto Gil e outros, ainda participou ativamente da campanha pela anistia política de exilados brasileiros. A canção de João Bosco e Aldir Blanc na sua voz, O bêbado e a equilibrista, é tida como o Hino da Anistia, que coroou a chegada de vários importantes nomes do Brasil, de volta do exterior, a partir de 1979. Um deles, citado na música, era o irmão do Henfil, o Betinho, importante sociólogo brasileiro.

Outra questão importante se refere ao direito dos músicos brasileiros, polêmica que Elis encabeçou, participando de muitas reuniões em Brasília. Além disso, foi presidente da ASSIM, Associação de Intérpretes e de Músicos.

Elis é mãe de João Marcelo Bôscoli, fruto de seu casamento com o músico Ronaldo Bôscoli, e de Pedro Camargo Mariano e Maria Rita, filhos do pianista César Camargo Mariano. Os três enveredaram pelo ramo da música.

Discos de carreira
Viva a Brotolândia (1961) - primeiro LP (na Continental, atual div. da Warner) - aos dezesseis anos de idade.
Poema de Amor (1962) Continental
Elis Regina (1963) (na CBS, atual Sony&BMG)
O Bem do Amor (1963) (na CBS, atual Sony&BMG)
Samba - Eu Canto Assim (1965) (de 1965 a 1979: na Cia. Brasil. de Discos - Philips, PolyGram, atual Universal Music)
Dois na Bossa (1965)
O Fino do Fino (1965)
Dois na Bossa nº 2 (1966)
Elis (1966)
Dois na Bossa nº 3 (1967)
Elis Especial (1968)
Elis - Como e Porque (1969)
Elis Regina & Toots Thielemans (1969) - gravado na Suécia
Elis Regina in London (1969)
Em Pleno Verão (1970)
Elis & Miele no Teatro da Praia(1970) - show
Ela (1971)
Elis (1972)
Elis (1973)
Elis & Tom (1974) Em 2004 a Trama lançou uma edição em DVD de Áudio 5.1 com duas faixas bônus.
Elis (1974)
Falso Brilhante (1976)
Elis (1977)
Transversal do Tempo (1978)
Elis Especial (1979)
Essa Mulher (1979) Warner
Saudade do Brasil (1980) Warner - Álbum Duplo
Elis (1980) EMI. A reedição em CD de 2002 inclui 4 faixas bônus.

Lançamentos póstumos
Elis at the 13th Montreux Jazz Festival(1982) Warner - registro da apresentação em 1979. A reedição em CD de 2001 inclui 6 faixas bônus.
Trem Azul (1982) Som Livre - registro do último show de Elis, em 1981, gravado ao vivo.
Luz das Estrelas (1984) Som Livre - voz de Elis em programa de TV da década de 70 e arranjos de 1984.
Elis Regina no Fino da Bossa (1994) Velas - caixa comemorativa com três CDs de gravações ao vivo daquele programa de televisão, entre os anos de 1965 e 1967.
Elis Regina ao Vivo (1995) Velas - Show no Anhembi (1977).
Elis Vive (1998) Warner - Show no Anhembi (1979).
20 Anos de Saudade (2002) Universal - coletânea de gravações de diversos compactos e participações em outros discos coletivos das décadas de 60 e 70.
Pérolas Raras (2006) Universal - coletânea de gravações de diversos compactos e participações em outros discos coletivos das décadas de 60 a 80.
Em 2005 saiu uma nova edição remixada e remasterizada do clássico "Elis & Tom", gravado em 1974, pela Trama, gravadora de seu filho João Marcello. Em 2006 houveram dois novos lançamentos: o último disco "Elis", gravado em 1980 e "Falso Brilhante", de 1976, também restaurados, remixados e remasterizados.

Raul Seixas

2008-02-12T11:59:00.000-08:00

Raul Santos Seixas (Salvador, 28 de junho de 1945 — São Paulo, 21 de agosto de 1989) foi um cantor e compositor brasileiro, pioneiro do Rock'n Roll. Também conhecido como o pai do Rock'n Roll Brasileiro.

Filho do casal Raul Varella Seixas e Maria Eugênia Seixas, Raul cresceu numa Salvador um tanto estagnada, alheia aos progressos de uma modernidade que passava ao largo da capital baiana.

Em casa obtém uma cultura que o faz adiantar-se àquilo que era ensinado nas escolas, mergulhando nos livros que tinha em casa, na biblioteca do pai. Até o final de sua vida, sempre foi avançado para sua época, o que é comprovado pelas músicas por ele compostas e que até hoje são executadas. Como seu parceiro musical Paulo Coelho já disse: "Raul Seixas não é passado, é presente! Futuro!".

Seu gosto musical foi se moldando: primeiro, no rádio, acompanha o sucesso de Luiz Gonzaga, e nas viagens onde acompanha o pai (inspetor de ferrovia), ouve os matutos desfiarem repentes - e esta "raiz" nordestina nunca o abandonará.

Num segundo momento, nas telas dos cinemas, encanta-se com o talento de Elvis Presley, de quem torna-se fã - e aponta-lhe o rumo musical: o Rock'n Roll. Sempre gostou também de clássicos do rock dos anos 50 e 60.

Junto a alguns amigos de Salvador, monta um conjunto, "Os Relâmpagos do Rock", mais tarde "The Panters", e por último conhecido como "Raulzito e os Panteras". Fazem shows no estado, e a convite do amigo Jerry Adriani, vai para o Rio de Janeiro, gravar um disco pela gravadora Odeon, em 1967 - que foi um total fracasso.

Após algum tempo, volta ao Rio, em 1970- 71, desta feita contratado por outra gravadora - a CBS (atual Sony BMG). Ali participa da produção de diversos artistas da Jovem Guarda, como Jerry Adriani, Leno e Lilian, entre outros.
Mas Raul acaba se rebelando. Aproveitando a ausência do presidente da empresa, grava seu segundo LP (intitulado Sociedade da Grã-Ordem Kavernista Apresenta Sessão das 10), onde faz parceria com Sérgio Sampaio, à época um promissor sambista. O disco foi logo retirado do mercado - Isso lhe valeu a expulsão da CBS quando o presidente voltou. O disco então sumiu, "misteriosamente", do mercado.

Em 1972 participa do VII FIC (Festival Internacional da Canção), promovido pela Rede Globo, e tem duas músicas classificadas, o que lhe deu projeção nacional.

No ano de 1973, já contratado da Philips (atual Universal Music), grava o LP (Krig-Ha, Bandolo!) com o qual Raul alcançou finalmente o sucesso, estabelecendo a parceria com o hoje escritor Paulo Coelho.

No ano de 1974, por divulgar a Sociedade Alternativa nas suas apresentações, acabou sendo preso e torturado pelo DOPS, exilando-se nos Estados Unidos. No entanto, o sucesso do seu LP Gîtâ e da música Gita, que lhe rendeu um disco de ouro, após vender 600.000 cópias, fazem-no retornar ao Brasil. Neste ano separa-se de sua primeira mulher, Edith Wisner, com quem teve uma filha.
Em 1975, casa-se com Gloria Vaquer, e grava o LP "Novo Aeon".

Em [[1976, grava o disco "Há dez Mil Anos Atrás", e tem sua segunda filha, Scarlet.

Lançou mais outros três discos pela WEA (hoje Warner Music Brasil), a partir de 1977, que fizeram sucesso de público e desgosto na crítica. Por volta deste período, intensifica-se a parceria com o amigo Cláudio Roberto, com quem Raul comporia várias de suas canções mais conhecidas, como "Maluco Beleza", "O dia em que a terra parou", "Rock das Aranha", "Aluga-se" etc.

A partir do ano de 1978, começa a ter problemas de saúde devido ao consumo de álcool. Neste ano, conhece Tania Menna Barreto, com quem se casa, após abandonar a segunda esposa.

No ano de 1979, separa-se de Tania e conhece Angela Affonso Costa, a Kika Seixas, com quem se casa algum tempo depois .
No ano de 1980, assinando novamente contrato com a CBS, lançou apenas mais um álbum (Abre-te Sésamo) e rescindiu o contrato.

Em 1981, nasce a terceira filha, Vivian, fruto de seu casamento com Kika.

Seus dois discos seguintes ("Raul Seixas" - 1983 e "Metrô linha 743" - 1984) e o livro As Aventuras de Raul Seixas na Cidade de Thor fizeram sucesso, mas depois Raul teve as portas fechadas novamente, devido ao seu consumo excessivo de álcool e constantes internações para desintoxicação.

Em 1985, separa-se de Kika Seixas. Faz um show, em 1 de dezembro deste ano, no Estádio Lauro Gomes, na cidade de São Caetano do Sul. Só voltaria a pisar no palco no ano de 1988, ao lado de Marcelo Nova.

Conseguindo um contrato com a gravadora Copacabana, em 1986 (de propriedade da EMI), grava um disco que foi grande sucesso entre os fãs, (UAH-BAP-LU-BAP-LA-BEIN-BUM - 1987) estando presente até em programas de televisão, como o Fantástico. Nesta época, conhece Lena Coutinho, que se torna sua companheira. A partir desse ano, estreita relações com Marcelo Nova (fazendo uma participação no LP "Duplo Sentido", da banda Camisa de Vênus).

Um ano mais tarde, 1988, já sozinho, faz seu último álbum solo (A Pedra do Gênesis). A convite de Marcelo Nova, faz alguns shows em Salvador, após três anos sem pisar num palco.

No ano de 1989, faz uma turnê com Marcelo Nova, agora parceiro musical, totalizando mais de 50 apresentações pelo Brasil.

O último disco lançado em vida foi feito em parceria com Marcelo Nova, intitulado "A Panela do Diabo", que foi lançado pela Warner Music Brasil dois dias antes da sua morte. Raul Seixas faleceu dia 21 de agosto de 1989, aos 44 anos. Seu corpo foi encontrado às oito horas da manhã, pela sua secretária, Dalva. Foi vítima de parada cardíaca: seu alcoolismo, agravado pelo fato de ser diabético, e por não ter tomado insulina na noite anterior, causaram-lhe uma pancreatite fatal.

Das canções que "Raulzito" - como era conhecido - deixou, muitas foram aquelas que permaneceram eternizadas pelo gosto do público. Será sempre "uma mosca na sopa" a perturbar a História da Música no Brasil.

Gitá, será um grito ecoando nos ares, acreditando todos que Eu nasci há 10 mil anos atrás, pois muitos compram o Ouro de Tolo, têm Medo da Chuva, mas jamais conseguirão como ele ser a Metamorfose Ambulante. Mas, mesmo assim, Raulzito dirá: Tente Outra Vez... Tome o Trem das 7, encontre o Silvio Santos numa esquina... Não, ninguém jamais fará isto, porque no Brasil Raul foi, é e sempre será o primeiro e único... Maluco Beleza.
Mas os anos 80 realmente perderam o condutor........ E o rock in roll from "Raulzito" marcou minha geração e não se apagará sob a minha mente até eu repousar nos braços de anubís, assim como Raul. E eu também perdi minha pena...nem sei qual foi o mês...metro 2006.

a todos os fãs, Uma boa renovação, Xero Blues Boy (Piracicaba) .
Discografia
1968 - Raulzito e os Panteras
1971 - Sociedade da Grã-Ordem Kavernista Apresenta Sessão das 10 (com Sérgio Sampaio, Míriam Batucada e Edy Star)
1973 - Os 24 Maiores Sucessos da Era do Rock
1973 - Krig-Ha, Bandolo!
1974 - O Rebu (Trilha sonora original - Raul Seixas & Paulo Coelho)
1974 - Gita
1975 - 20 Anos de Rock (Reedição de Os 24 Maiores Sucessos da Era do Rock)
1975 - Novo Aeon
1976 - Há Dez Mil Anos Atrás
1977 - Raul Rock Seixas
1977 - O Dia Em Que a Terra Parou
1978 - Mata Virgem
1979 - Por Quem Os Sinos Dobram
1980 - Abre-Te Sésamo
1983 - Raul Seixas
1984 - Metrô Linha 743
1985 - Let Me Sing My Rock And Roll (Coletânea lançada somente em LP)
1986 - Raul Rock Volume 2
1987 - Uah-Bap-Lu-Bap-Lah-Béin-Bum!
1988 - A Pedra do Gênesis
1989 - A Panela do Diabo (com Marcelo Nova)
Álbuns póstumos
1992 - O Baú do Raul (Raridades)
1998 - Documento
2003 - Anarkilópolis
2005 - Raul Seixas - Série BIS Duplo
Álbuns ao vivo
1984 - Ao Vivo - Único e Exclusivo
1991 - Eu, Raul Seixas (Show na Praia do Gonzaga, Santos, 1982)
1993 - Raul Vivo (Reedição de Ao Vivo - Único e Exclusivo com faixas extras)
1994 - Se o Rádio Não Toca (Show em Brasília, 1974)

Tim Maia

2008-02-12T11:52:00.000-08:00

Sebastião Rodrigues Maia, mais conhecido como Tim Maia, (Rio de Janeiro, 28 de setembro de 1942 — 15 de março de 1998), é um dos cantores brasileiros mais queridos do público e da classe artística. Começou a compor suas primeiras melodias ainda criança e já surpreendia a numerosa família de 19 irmãos.

Se destacou pelo pioneirismo em trazer para a MPB o estilo soul de cantar. Com a sua voz carregada, tornou-se um dos grandes nomes da música brasileira, vendendo vários discos e emplacando vários sucessos, lembrados até hoje, e que influenciaram até o seu sobrinho, o também cantor Ed Motta.

Viveu nos Estados Unidos entre 1959 e 1964, até ser preso por posse de drogas, sendo em seguida deportado.
Gravou o primeiro disco, Tim Maia, em 1970, por indicação do grupo "Mutantes". Neste disco, obteve sucesso as faixas Primavera, Azul da cor do mar e Eu e você. Até Elis Regina, reconhecendo o êxito de Tim, gravou um disco com músicas de sua autoria, em inglês.

Durante os anos 70, tornava-se cada vez mais famoso com músicas como a dançante Não quero dinheiro (só quero amar), na era Disco. Teve vários altos e baixos durante a carreira, como o descaso de vários amigos, após sua prisão em Nova York, além de problemas financeiros e, principalmente, drogas.

Foi regravado por vários artistas, como Kid Abelha, Lulu Santos e Paralamas do Sucesso e recebeu até homenagens por parte de artistas do porte de Caetano Veloso e Jorge Ben Jor (W/Brasil)

Faleceu em 1998, depois de uma semana no hospital, após passar mal em um show, devido a problemas de saúde.
Dono de um tremendo vozeirão e sem papas na língua, Tim Maia não usava a voz somente para cantar; ele era craque em declarações escandalosas. Tim Maia falava o que ele queria, sem se importar com as conseqüências. Filho de cozinheiro, Tim Maia era carioca da Tijuca.
Sua relação com a música foi precoce - aos oito anos já compunha e aos doze tocava bateria. Tim Maia teve influências diversificadas: passou por Ângela Maria, Cauby Peixoto, Elvis Presley e até Chuck Berry. Tim Maia soube aproveitar o que cada um deles tinha de melhor.

Em 1957, criou a banda The Sputnicks com ninguém menos que Roberto Carlos. Nessa mesma época, conheceu os amigos Jorge Ben, Erasmo Carlos e Carlos Imperial. Tim Maia formava com os amigos a Turma do Matoso. O grupo se encontrava na Rua do Matoso onde compunham e conversavam sobre música.

Quando ainda era um adolescente, aos 16 anos, Tim Maia arrumou suas malas e foi tentar a vida nos Estados Unidos. Seu sonho era ser diretor de TV. Sobreviveu por algum tempo entregando pizzas. Nos EUA, teve a oportunidade de acompanhar de perto a música Soul que seria uma das suas principais influências.
Mas Tim Maia foi obrigado a deixar os Estados Unidos depois de ter sido preso por porte ilegal de maconha. No ano de 1964, quando surgia no Brasil a Jovem Guarda, aqui chegando, Tim Maia foi morar em São Paulo. Lá, conheceu Os Mutantes e através desta banda Tim Maia foi apresentado aos diretores da gravadora Philips. Assim, teve a oportunidade de gravar seu primeiro compacto com Eu Amo Você e Primavera.

Primavera que foi, e é um grande sucesso; fez parte do primeiro LP de Tim Maia, de 1970. Nesse mesmo ano, a grande cantora Elis Regina gravou These are the Songs. Em 1975, Tim Maia já era um grande sucesso; mas resolveu interromper a carreira e entrar para a seita Universo em Desencanto. Mas o lugar de Tim Maia era mesmo nas paradas de sucesso. Três anos depois abandonou a seita, voltou com todo o gás e trouxe hits como Sossego, Acenda o Farol e A fim de Voltar.

Os anos 80 foram marcados tanto por baladas, como por batidas funk. Tim Maia continuava em alta, chegando a gravar, com Gal Costa, a inesquecível Dia de Domingo. Nessa época, Tim Maia também estourou com Do Leme ao Pontal, Descobridor dos Sete Mares e Me dê Motivo.
Tim Maia foi muito celebrado no início dos anos 90. Artistas como Marisa Monte, Lulu Santos, Kid Abelha, Paralamas do Sucesso e Skank cantaram sucessos dele. Em 1991, gravou um CD de bossa nova interpretando clássicos como Eu e a Brisa e Minha Namorada.

Tim Maia morreu em 1998, aos 55 anos. A causa da morte foi infecção generalizada, que interrompeu o funcionamento de vários órgãos. Tim Maia começou a passar mal durante uma apresentação no Teatro Municipal de Niterói. Apesar da chuva que caía, centena de fãs faziam fila para dar ao ídolo um último adeus.
Discografia
Tim Maia ao Vivo II - 1998 - CD
What a wonderful world - 1997 - CD
Só você pra ouvir e dançar - 1997 - CD
Sorriso de criança - 1997 - CD
Pro meu grande amor - 1997 - CD
Amigos do rei - Tim Maia e os Cariocas - 1997 - CD
Os Hinos dos Grandes Clubes Brasileiros Cantados por Feras do Rock e da MPB - Participação, canta o Hino do América - 1996 - CD
Nova era glacial - f1995 - CD
Vou clarear - 1994 - CD
Tim Maia Romantico - 1993 - CD
Tim Maia ao vivo - 1992 - CD
Tim Maria interpreta clássicos da bossa nova - 1990 - CD e vinil
Dance bem - 1990 - CD
Carinhos - 1988 - CD e vinil
Somos América - 1987 - CD e vinil
Tim Maia - 1986 - CD e vinil
Tim Maia - 1985 - CD e vinil
Sufocante - 1984 - CD e vinil
Descobridor dos sete mares - 1983 - CD e vinil
Nuvens - 1982 - CD e vinil
Tim Maia - 1980 - CD e vinil
Reencontro 1979 - vinil
Tim Maia disco club / Sossego - 1978 - vinil
Tim Maia - 1978 - CD e vinil
Tim Maia - 1977 - vinil
Tim Maia racional vol2 - 1976 - vinil
Tim Maia - 1976 - CD e vinil
Tim Maia racional - 1975 - vinil
Tim Maia - 1973 - CD e vinil
Tim Maia - 1972 - CD e vinil
Tim Maia - 1971 - CD e vinil
Tim Maia - 1970 - CD e vinil

Renato Russo

2008-02-12T11:48:00.000-08:00

Renato Manfredini Júnior (Rio de Janeiro, 27 de março de 1960 — Rio de Janeiro, 11 de outubro de 1996), conhecido como Renato Russo, foi cantor, compositor e baixista da banda brasileiro Nascido numa família de classe média, é considerado um dos grandes compositores do rock brasileiro, ao lado de Raul Seixas e Cazuza. Tornou-se uma referência para seus fãs, que viam em sua música um resumo de suas próprias vidas. Assim como Cazuza, Renato Russo faleceu em razão da Aids (era soropositivo desde 1990), mas jamais revelou publicamente sua doença. Morreu em seu apartamento, no Rio de Janeiro, pesando apenas 45 quilos. Seu corpo foi cremado no dia seguinte, dia 12 de outubro, no cemitério do Caju.

As cinzas do Renato Russo foram jogadas no Jardim do sítio do Paisagista Roberto Burle Marx, na Zona Oeste da cidade do Rio de Janeiro. Era tocada a "Fantasia para piano" (opus 17), de Robert Schumann, música que Renato ouvia muito nos últimos dias de vida, na hora em que as suas cinzas eram jogadas entre as bromélias e outras flores do jardim.

Mesmo após sua morte, seus discos solo e os que gravou à frente da Legião Urbana continuam entre os mais vendidos do país.
Renato Russo, antes de virar um símbolo do rock da década de 80, foi professor de inglês, tendo aprendido o idioma quando morou em Nova Iorque, dos 7 aos 10 anos. Aos 13 anos, mudou-se para Brasília. Dos quinze aos dezessete, conviveu com uma rara doença óssea, a epifisiólise, que o manteve preso à cama e à cadeira de rodas. Nessa época, lia bastante e ouvia muita música. Nessa mesma época, começou a sonhar em montar uma banda de rock.

O "Russo" que adotou como sobrenome artístico foi a forma que Renato encontrou de homenagear Jean-Jacques Rousseau e Bertrand Russel, personalidades que admirava.

Sua primeira banda foi o Aborto Elétrico, ao lado de Felipe Lemos e André Pretorius. Não durou muito, terminando por brigas entre Felipe e Renato. O Aborto foi a semente que deu origem à Legião Urbana e ao Capital Inicial, liderado por Dinho Ouro-Preto.

Durante sua carreira teve 4 livros publicados e, após sua morte, 3 livros foram lançados sobre ele, sendo um deles "Conversações com Renato Russo", que contém trechos de entrevistas mostrando o seu ponto de vista sobre o rock, a homossexualidade (incluindo a sua própria), o mundo, as drogas, a política, enfim o mundo. Do ponto de vista da análise técnica, isto é, da crítica literária (acadêmica), dois livros importantes foram lançados sobre as letras de Russo: "Depois do Fim", de Angélica Castilho e Erica Schlude (ambas da UERJ), e, principalmente, "Poesia em Renato Russo - análise e interpretação", de Eziel Percino (bacharel em Letras pela Universidade de São Paulo (USP) e professor de Literatura Brasileira, bacharel em Teologia pelo STBI). Vale ser citado como bibliografia referêncial os livros "O Trovador Solítário" e "BRock - O rock brasileiro nos anos oitenta", ambos de Arthur Dapieve.

Renato Russo por ele mesmo
"Eu sou o Renato Russo. Eu escrevo as letras, eu canto. Nasci no dia 27 de março, eu tenho 26 anos. Sou Áries e ascendente em Peixes. Eu trabalhava com jornalismo, rádio, era professor de Inglês também e... comecei a trabalhar com 17 anos e tudo, mas só que de repente tocar rock era uma coisa que eu gostava mais de fazer. E como deu certo eu continuo fazendo isso até hoje."(extraído de "Riding Song", primeira faixa do álbum Uma Outra Estação, que trazia trechos de uma entrevista dos integrantes da Legião Urbana feita em 1986) .

Discos com a Legião Urbana
1985 - Legião Urbana
1986 - Dois
1987 - Que País É Este 1978/1987
1989 - As Quatro Estações
1991 - V
1992 - Música Para Acampamentos (coletânea de diversas gravações ao vivo)
1993 - O Descobrimento do Brasil
1996 - A Tempestade ou O Livro Dos Dias
1997 - Uma Outra Estação '(póstumo)'
1998 - Mais do Mesmo (coletânea) '(póstumo)'
1999 - Acústico MTV (gravado ao vivo em 1992) '(póstumo)'
2001 - Como É Que Se Diz Eu Te Amo (gravado ao vivo em 1994) '(póstumo)'
2004 - As Quatro Estações Ao Vivo (gravado ao vivo em 1990) '(póstumo)'

Disco Solo
Presente (2003) - Póstumo
O Último Solo (1997) - Póstumo
Equilíbrio Distante (1995)
The Stonewall Celebration Concert (1994

Cazuza

2008-02-12T11:41:00.000-08:00

Agenor de Miranda Araújo Neto, conhecido como Cazuza, (Rio de Janeiro, 4 de abril de 1958 — Rio de Janeiro, 7 de julho de 1990) foi um compositor e cantor brasileiro.
Filho do produtor fonográfico João Araújo e da dona-de-casa Maria Lúcia Araújo, Cazuza sempre teve contato com a música. Influenciado desde pequeno pelos fortes valores da música brasileira, ele tinha preferencia à músicas dramáticas e melancólicas, como as de Cartola, Lupicínio Rodrigues, Dolores Duran, e Maysa. Ele começou a escrever letras e poemas por volta de 1965. Em 1974, tirando férias em Londres, conheceu a música de Led Zeppelin, Janis Joplin, e dos Rolling Stones, e logo tornou-se um grande fã. Cazuza entrou na Universidade em 1978, mas abandonou seu curso de jornalismo três semanas depois, para trabalhar com seu pai na Som Livre. Em seguida foi a San Francisco, onde teve contato com a literatura, tornando-se assim altamente influenciado por ela. Em 1980 ele retornou ao Rio de Janeiro, onde trabalhou com o grupo teatral Asdrúbal Trouxe o Trombone. Lá, foi observado pelo então novato cantor/compositor Léo Jaime, que o apresentou a uma banda de rock que procurava por um vocalista, o Barão Vermelho.
Com o Barão Vermelho, que fez grande sucesso com a música Bete Balanço, Cazuza iniciou sua carreira como cantor. Em 1985, Cazuza se apresentou no Rock in Rio com o Barão Vermelho. Nesse período Caetano Veloso declarou que Cazuza era o grande poeta de sua geração. Foi nesse mesmo ano que Cazuza foi infectado pelo vírus da AIDS, precipitando seu desejo em deixar a banda a fim de ter liberdade para compor e se expressar, musicalmente e poeticamente. Após deixar a banda, suas músicas começaram a se diversificar, incorporando elementos de Blues como em Blues da Piedade, Só as mães são felizes e Balada da Esplanada, que foi baseada num poema homônimo de Oswald de Andrade, mostrando letras intimidantes, como em Só se for a Dois, também se abrindo para influências da música Pop Brasileira, com interpretações de O Mundo é um Moinho(Cartola), Cavalos Calados(Raul Seixas) e Essa Cara(Caetano Veloso). Ao contrário do que normalmente acontece quando um artista deixa a banda que o fez famoso, a carreira solo de Cazuza fez mais sucesso do que com sua ex-banda. Exagerado, O Tempo não Pára, e Ideologia foram seus sucessos, tornando-se assim uma grande influência para os músicos brasileiros subseqüentes.
Em 1989, ele admitiu publicamente pela primeira vez que tinha o vírus da AIDS e lançou seu último álbum: Burguesia.Ele morreu no Rio de Janeiro em 1990 com 32 anos devido a sua doença. Em 2004, um filme biográfico digirido por Sandra Werneck chamado Cazuza - O Tempo Não Pára foi lançado.
A partir dessa separação, Cazuza começa a diversificar sua produção, incorporando de maneira mais marcante elementos do Blues, como em "Blues da Piedade", "Só as mães são felizes" e "Balada do Esplanada" (baseada em poesia homônima de Oswald de Andrade), letras mais intimistas, como em "Só se for a Dois", e influências da música brasileira como em "O Mundo é um Moinho" de Cartola e "Faz Parte do meu Show", "Cavalos Calados" de Raul Seixas e "Essa Cara" de Caetano Veloso.

Contrariando a sensação de fracasso que sempre acompanham artistas que abandonam suas bandas de origem para um carreia solo, Cazuza surpreende em seus álbuns solo, dos quais os sucessos de maior repercussão no público foram, sem dúvida, "Exagerado", "O Tempo não Pára" e "Ideologia".
Duas características fundamentais de sua obra, especialmente no período solo, são:

uma postura ativa frente a vida, não apenas recebendo, descrevendo e sofrendo com seus acontecimentos mas se posicionando frente a eles (ao contrário de vários artistas do mesmo período com um espírito mais romântico), fossem de fundo sentimental (vide "Obrigado", "O Mundo é um Moinho", "Exagerado") ou político (vide "Burguesia");
intimismo e individualismo, no sentido de não se expressar em função ou considerando outros além de seu parceiro mas sim em função das suas crenças, vontades e impressões (essa postura fica muito clara quando notamos que Cazuza raramente usa nós em suas músicas para designar algum grupo ou conjunto de pessoas);
A sua luta contra o HIV que veio de seu estilo de vida, acabou com este e trouxe o fantasma da morte para perto dele.
Dentre diversos artistas relacionados a Cazuza, podemos mencionar Simone, Léo Jaime (que apresentou Cazuza para a banda Barão Vermelho quando esta já estava formada e precisando de um vocalista), Lobão, tanto pela sua amizade com Cazuza quanto pela influência de um em outro, por ter sido grande inspiração no começo de sua carreira, Cássia Eller por ter sido a intérprete que mais gravou canções do Cazuza, Arnaldo Antunes pela influência marcante e Renato Russo pela amizade e apresentações que fizeram juntos.

Discografia

Com o Barão Vermelho
1982 - Barão Vermelho
1983 - Barão Vermelho 2
1984 - Tema do filme Bete Balanço (Compacto)
1984 - Maior Abandonado
1985 - Barão Vermelho ao vivo (No "Rock In Rio 1")

Solo
1985 - Cazuza (Álbum de "Exagerado")
1987 - Só se For a Dois
1988 - Ideologia
1988 - O Tempo Não Pára - ao vivo
1989 - Burguesia
1991 - Por aí (póstumo)

Filmografia
Bete Balanço - 1984
Um Trem para as Estrelas - 1987
Cazuza - O tempo não pára - 2004

Cássia Eller

2008-02-12T11:34:00.000-08:00

Cássia Rejane Eller (Rio de Janeiro, 10 de dezembro de 1962 — Rio de Janeiro, 29 de dezembro de 2001) foi uma cantora e violonista do rock brasileiro dos anos noventa. Caracterizada por sua voz grave e pelo seu ecletismo musical, interpretou canções de grandes compositores do rock brasileiro, como Cazuza e Renato Russo, além de artistas da MPB como Caetano Veloso e Chico Buarque, passando pelo pop de Nando Reis e o incomum de Arrigo Barnabé e Wally Salomão, até sambas de Riachão e rocks clássicos de Jimi Hendrix e Beatles.

Teve uma trajetória musical bastante variada, porém curta, com algo em torno de dez álbuns próprios no decorrer de 12 anos de carreira. Com uma presença de palco bastante intensa, Cássia Eller assumia a sua preferência por álbuns gravados ao vivo e era constantemente convidada para participações especiais e interpretações encomendadas.

Outra característica importante é o fato de ela ter composto apenas duas canções das que gravou -Eles e O Marginal- , ou seja, assumindo uma postura de intérprete declarada. Vale lembrar que ela chegou a gravar dois álbuns em homenagem a Cazuza, sendo um deles apenas com músicas dele e o outro com a maioria.

Era homossexual, e morava com sua parceira Maria Eugênia Vieira Martins, com a qual criava o filho Francisco. Teve grandes problemas com álcool e drogas. Faleceu em 29 de dezembro de 2001 por parada cardiorrespiratória, possivelmente decorrente de estresse. A hipótese de overdose como causa de sua morte, apontada inicialmente, foi descartada pelos laudos periciais do Instituto Médico Legal do Rio de Janeiro. Foi apontada então morte por erro médico, mas o inquérito foi arquivado pelo Ministério Público

Dados do livro "Apenas uma Garotinha - A história de Cássia Eller", dos jornalistas Ana Cláudia Landi e Eduardo Belo (editora Planeta).

Álbuns de estúdio
1990 Cássia Eller
1992 O Marginal
1994 Cássia Eller
1997 Veneno AntiMonotonia
1999 Com Você... Meu Mundo Ficaria Completo
2002 Dez de Dezembro (Póstumo)
Álbuns ao vivo
1996 Cássia Eller Ao Vivo
1998 Veneno Vivo
2001 Acústico MTV

Recompilações
1997 Minha História
1997 Música Urbana
1998 Millennium
2000 Cássia Rock Eller
2002 Série Gold
2003 Perfil
2003 Participação Especial (Cássia Eller)
2004 A Arte de Cássia Eller
2004 I Love MPB
2005 Novo Millennium
DVDs
2000 Com Você... Meu Mundo Ficaria Completo
2001 Acústico MTV

Charles Mingus

2008-02-12T11:27:00.000-08:00

Charles Mingus Jr. é o mais influente contrabaixista do jazz moderno. Nascido numa base militar em Nogale, Arizona, cresceu em Los Angeles. Tendo começado a estudar música ainda criança, depois de tentativas sem muito sucesso com o trombone e o violoncelo, acabou por se decidir pelo contrabaixo na época do colégio. Seu talento logo foi percebido, e Mingus trocou nos anos 40 nos grupos de Barney Bigard, Louis Armstrong e Lionel Hampton. Participou do trio do vibrafonista Red Norvo (com o guitarrista Tal Farlow) em 1950-1951. Nos anos 50 tocou com uma constelação de grandes músicos: Billy Taylor, Stan Getz, Art Tatum, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Max Roach e Duke Ellington, a quem admirava muito.
Em 1956 Mingus gravou o disco Pithecanthropus Erectus, amplamente reconhecido como uma obra-prima, que estabeleceu definitivamente seu nome como um dos líderes do jazz moderno. Nos dez anos seguintes, ele comporia temas antológicos e gravaria discos idem, tocando com Eric Dolphy, Jackie McLean, J. R. Monterose, Jimmy Knepper, Roland Kirk, Booker Ervin e John Handy, entre outros. Durante a década de 60, porém, problemas psicológicos e dificuldades financeiras fizeram a carreira de Mingus entrar em parafuso (não sem antes gravar mais uma de suas obras-primas, The Black Saint and The Sinner Lady, e também um disco solo como pianista, Mingus Plays Piano). Alguns aspectos dessa fase estão documentados no documentário Mingus, de Thomas Reichman (1968).
As coisas só iriam melhorar, na vida profissional e pessoal, a partir de 1971, com o recebimento de uma bolsa de composição da fundação Guggenheim, a venda das matrizes do selo Debut (que fora fundado por Mingus e Max Roach) para a Fantasy, e a publicação da surpreendente autobiografia Beneath the Underdog (algo como “Mais por baixo que vira-lata”). A partir daí, começou a haver um reconhecimento maior por parte do público; porém há quem diga que o fogo criador havia sido um tanto atenuado. Em 1977 foi diagnosticada em Mingus uma esclerose lateral amiotrófica. Em 1978, realizou-se um concerto em sua homenagem na Casa Branca, ao qual Mingus compareceu já numa cadeira de rodas. O fim viria em 5 de janeiro de 1979, depois de uma série desesperada de tentativas de cura usando diversos tipos de medicina não-convencional. Depois de sua morte, seu prestígio cresceu ainda mais, e os grupos Mingus Dinasty e Mingus Big Band levaram seu legado adiante.

Mingus possuía uma personalidade complexa, contraditória e até mesmo agressiva - não são poucas as histórias que se contam de Mingus tendo agredido outros músicos. Tendo experimentado diversas interrupções na produção musical por conta de sua instabilidade emocional, recuperava-se a seguir para continuar tocando magistralmente. Sentia com intensidade o drama do preconceito racial, usando diversas vezes a música como veículo de protesto (por exemplo, na composição “Fables of Faubus”, endereçada a um governador do estado de Arkansas).
Nos anos 50 e 60, Mingus abriu novos caminhos para o jazz e para o contrabaixo em particular. Seu toque ao contrabaixo é nervoso, veloz e irregular, e seus solos são longos e intensos. Ele fez com o contrabaixo o que Max Roach e Art Blakey fizeram com a bateria: emancipou o instrumento, trouxe-o para o primeiro plano, conferiu-lhe um discurso próprio. As composições de Mingus, às vezes estruturadas de modo consideravelmente complexo, revelam um pensamento musical sofisticado. O conjunto de Mingus, em todas as suas diferentes formações, se caracterizava por uma intensa improvisação coletiva e por uma grande liberdade harmônica. Em certo sentido, ele pode ser considerado um precursor do free jazz. No entanto, é bom lembrar que Mingus nunca deixou de cultivar, mesmo em peças mais profundamente radicais, as raízes do jazz. Ora vanguardista, ora tradicionalista, ora lírico, ora feroz, porém sempre inovador e profundamente musical, Mingus criou, ao longo de seus 56 anos, uma obra profunda, que tem servido de inspiração para gerações de músicos .
Charles Mingus (Nogales, Arizona, 22 de abril de 1922 – 5 de janeiro de 1979) foi um contrabaixista, compositor e ocasionalmente pianista de jazz dos EUA. Ele também ficou conhecido por seu ativismo contra a injustiça racial, muito presente em seu país.

É considerado, ao lado de Thelonious Monk e Duke Ellington, um dos três maiores compositores da história do Jazz.

Freddie Mercury

2008-02-12T11:23:00.000-08:00

Freddie Mercury, nome artístico de Farokh Bommi Bulsara, (Zanzibar, 5 de setembro de 1946 — Londres, 24 de novembro de 1991) foi o vocalista e líder da banda de rock britânica Queen.

Mercury nasceu na localidade de Stone Town, na ilha Zanzibar, à época colônia britânica, hoje pertencente à Tanzânia, na África Oriental. Seus pais, Bomi e Jer Bulsara, eram indianos de etnia persa. Mercury foi educado na St. Peter Boarding School, uma escola inglesa perto de Mumbai, na Índia, onde deu seus primeiros passos no âmbito da música, ao ter aulas de piano. Foi na escola que ele começou a ser chamado "Freddie"; com o tempo até os seus pais passaram a chamá-lo assim.

Depois de se formar em sua terra natal, Mercury e família mudaram-se em 1964 para Inglaterra devido a uma revolução iniciada em Zanzibar. Ele tinha dezoito anos. Lá, diplomou-se em "Design Gráfico e Artístico" na Ealing Art College, seguindo os passos de Pete Townshend. Este conhecimento mostrar-se-ia útil depois de Freddie projetar o famoso símbolo da banda.

Na faculdade ele conheceu o baixista Tim Staffell. Tim tinha uma banda na faculdade chamada Smile, que tinha Brian May como guitarrista e Roger Taylor como baterista, e levou Freddie para participar dos ensaios.

Em abril de 1970, Tim deixa o grupo e Freddie acaba ficando como vocalista da banda que passa a se chamar Queen. Freddie decide mudar o seu nome para Mercury. Ainda em 1970 ele conheceu Mary Austin, com quem viveu por sete anos e manteve forte amizade até o fim de sua vida (inclusive sua casa em Londres ele deixou para ela).

Mercury compôs muitos dos sucessos da banda, como "Bohemian Rhapsody", "Somebody to Love" e We Are the Champions; hinos eloqüentes e de estruturação extraordinária, particulares e sempiternos.

Excepcional vocalista, apesar de nunca ter estudado música,conseguia através da amplitude da sua voz,versatilizar grave e agudo.Tinha também uma presença de palco fenômenal.As multidões acompanhavam o seu ritmo frenético.

Lançou dois discos solo, aclamados pela crítica e público. Mercury era bissexual, mas só assumiu publicamente sua condição ao anunciar que estava com AIDS, um dia antes de morrer, em 24 de novembro de 1991 em Londres.

Em 25 de novembro de 1992 foi inaugurada uma estátua em sua homenagem, com a presença de Brian May, Roger Taylor, da cantora Montserrat Caballé, Jer e Bomi Bulsara (pais de Freddie) e Kashmira Bulsara (irmã de Freddie) em Montreux, na Suíça, cidade adotada por Freddie como seu segundo lar.
Os membros remanescentes dos Queen fundaram uma associação de caridade em seu nome, a "The Mercury Phoenix Trust", e organizaram em abril de 1992 o show beneficente "The Freddie Mercury Tribute Concert" para homenagear o trabalho e a vida de Freddie.

O cantor também foi conhecido pelo pseudônimo de Larry Lurex e pelo apelido Mr. Bad Guy.
Discografia solo
Mr. Bad Guy (1985)
Barcelona (1988) (com Montserrat Caballé)
The Freddie Mercury Album (versão americana) (1992)
The Great Pretender (versão européia) (1992)

Um dia depois de anunciar que estava com AIDS, Freddie Mercury morreu em sua casa, cercado por amigos, na cidade de Londres. Seu corpo foi cremado três dias depois. Chamados por muitos de prima dona, por ser excêntrico e dado à esquisitices (em uma gigantesca festa para comemorar o seu aniversário, por exemplo, logo na entrada da festa, havia um anão coberto com fígado de boi sobre uma mesa). A sua banda QUEEN, foi a primeira a gravar um vídeo clipe, ou seja, um filme feito especialmente para divulgar uma música (Bohemian Rhapsosy).

Os amigos próximos a ele, mantiveram segredo da sua doença até o fim. Já muito fraco, Freddy Mercury ainda continuou gravando. Com a sua morte a banda nunca mais procurou alguém para substitui-lo, porque ele era simplesmente insubstituível. Freddy morreu no dia 4 de Novembro de 1991 aos 45 anos de idade.

Maurice Gibb

2008-02-12T11:17:00.000-08:00

Maurice Gibb, 53 anos, o personagem mais brincalhão do Bee Gees. Embora tenha poucas músicas como solista, era o responsável pelas harmonizações vocais e pela maioria das melodias e arranjos das músicas dos irmãos Gibb. Além de multi-instrumentista (tocava praticamente todos os instrumentos e especialmente piano, baixo e guitarra), tinha um papel reconhecidamente importantíssimo no grupo ao se colocar como elemento de equilíbrio entre as duas personalidades muito fortes do Bee Gees, os seus irmãos Robin Gibb e Barry Gibb, irmão gêmeo e irmão mais velho respectivamente. Sem Maurice, provavelmente o grupo não teria sido tão longevo. Foram 40 anos de carreira, interrompida às vezes, com altos e baixos, mas sempre lembrada pelos seus eternos fans. Sem Maurice, vai ser muito difícil o BEE GEES continuar sua carreira. Talvez Robin e Barry continuem, ou talvez Bee Gees continue. Não se sabe ainda. Mas vai ser muito difícil sem Maurice. Sentiremos saudades do seu bom humor, da sua voz, dos seus arranjos. Sempre que ouvirmos o piano ritmado ao fundo das músicas ou o baixo em I Started a Joke, lá estará Maurice.

Maurice Ernest Gibb (22 de dezembro de 1949 - 12 de janeiro de 2003), foi um músico e um membro dos Bee Gees. Nasceu na cidade de Douglas, Isle of Man, no Reino Unido. O gêmeo de Robin Gibb, Maurice era o mais novo por 35 minutos.

Em 2003, aos 53 anos, foi levado ao hospital às pressas e sofreu uma parada cardíaca antes de ser submetido a uma cirurgia para desobstrução intestinal. Ele morreu no domingo 12 de janeiro, no Centro Médico Mount Sinai, em Miami.

Ao lado de seus irmãos Robin e Barry, Maurice ajudou a criar uma das bandas de maior vendagem de todos os tempos, conhecida em todo o mundo pela trilha sonora do filme "Os Embalos de Sábado à Noite", de 1977.Foi co-autor e produtor de algumas das canções mais bem sucedidas nos ultimos 30 anos na história da musica pop.

Maurice Gibb nasceu na ilha de Man e foi criado em Manchester, na Inglaterra. Sua família imigrou para a Austrália em 1958. Ele vivia em Miami Beach havia muitos anos, com sua mulher, Yvonne e dois filhos.

Nome completo: Maurice Ernest Gibb
Data de nascimento: 22 de Dezembro de 1946
Local de nascimento: Douglas (Ilha de Man – Ilhas Britânicas)

Estado matrimonial: Barry primeiramente casou-se com a cantora Lulu em 1969, e quatro anos depois eles se separaram. Depois casou-se com Yvonne Spenceley em 1975 e teve dois filhos: Adam (1976) e Samantha (1980).

Maurice e os Bee Gees: Com 6 anos de idade, Maurice iniciou sua carreira musical com seus irmãos Barry e Robin, e essa carreira durou por mais de 45 anos. Juntos eles formavam um time perfeito, com Barry e Robin cantando e ele criando as harmonias e tocando.

Wolfgang Amadeus Mozart

2008-02-12T11:11:00.000-08:00

O gênio austríaco, Wolfgang Amadeus Mozart, nasceu em Salzsburg em 1756 e foi um fenômeno durante toda sua vida.

Aos três anos já conseguia tirar melodias do cravo, e chorava quando alguém tocava alto demais ou de forma muito discordante.

Aos quatro anos já tocava violino e cravo de forma tão fluente quanto uma criança com o triplo de sua idade e o triplo de tempo de estudos musicais.

Aos cinco anos Mozart já compunha minuetos e outras peças pequenas, porém, todo este poder critativo e musical não era visto por seu pai apenas com alegria, mas também com muito medo e alarme.

O pai de Mozart não tinha a menor idéia de como e o que mais poderia ensinar ao filho, pois este não gastava mais do que 30 minutos para solucionar os problemas mais complexos que o pai lhe oferecia.

Vaidoso, o pai de Mozart estremecia diante de tal genialidade, porém, não deixou de tirar dela tudo o que pode.

"Aproveitou" todo o poder criativo de seu pequeno filho para adquirir uma pequena fortuna. Levava-o para as casas aristocráticas e principescas e fazia-o executar alguns jogos musicais. O que fez com que Mozart passasse a maior parte de sua infância e adolescência viajando.

Mesmo tendo uma vida totalmente movimentada, aos 12 anos Mozart já era um compositor de altíssima qualidade, seus "métodos" de composição, no entanto, eram um tanto quanto diferentes.

Por ter tido uma vida cheia de viagens, Mozart criou uma maneira de compor só sua: primeiro ele criava a música em sua cabeça, até em seus menores detalhes, enquanto fazia outras coisas como jogar bilhar, ensinar piano, etc. Depois, logo que tinha a oportunidade de sentar-se em frente a uma partitura em branco, escrevia a música que trazia em sua cabeça com tal fervor e rapidez que não houve quem não tivesse ficado impressionado com tamanha força criadora.

Escrevia a música como se estivesse apenas copiando uma partitura que já sabia de cor.

Esta infância atribulada, porém, teve uma forte influência sobre sua personalidade. Alegre e encantador, Mozart ficava a vontade logo após ser apresentado a alguém, entretanto, achava muito difícil formar amizades mais duradouras e profundas. Sua infância o tornara um homem superficial em suas relações.

Mozart levou esta maneira leviana de viver até a sua idade adulta, pois mesmo casado e pai de família, mudava-se continuamente (chegou a mudar-se 9 vezes em um ano), era também absolutamente incapaz de controlar sua vida financeira. Foi "ciceroneado" até os 30 anos por seu pai, quando este veio a falecer.
Casado com Constanza, a qual era tão imprudente com relação ao dinheiro quanto o próprio Mozart, passou a viver atolado em dívidas e sob condições de extrema pobreza.

Nos últimos anos de sua vida, apesar de terem sido extremamente ricos no que se refere a criação musical, sofreu muitíssimo com a falta de recursos.

Mozart, a respeito de sua criação musical, sempre se viu como um grande compositor de óperas. Suas criações operísticas como Don Giovanni, Flauta Mágica e outras eram suas obras favoritas.

Seu instrumento preferido era a viola, que ele tocava admiravelmente em música de câmara com seus amigos, entre os quais, Haydn.

Entre as obras de Mozart estão 41 sinfonias; 27 concertos para piano; cinco concertos para violino; quatro concertos para trompas; um concerto para flauta; um para oboé; um para clarineta; um para fagote; uma sinfonia concertante para violino, viola e orquestra; sinfonia concertante para quatro instrumentos de sopro e orquestra; um concerto para dois pianos; um concerto para três pianos; um concerto para flauta e harpa; concertone para dois violinos; 17 divertimentos, treze serenatas, mais de cem minuetos, gavotas, marchas e outras peças para dança, freqüentemente agrupadas em conjuntos de seis.
maior parte das sinfonias escritas por Mozart foi composta como música de entretenimento, um contraponto alegre aos divertimentos e serenatas.

Da música vocal composta por Mozart, fazem parte 19 missas (incluindo o Requiem); 4 cantatas; vésperas e uma dezena de obras corais e orquestrais menores; 24 óperas e outras obras para o palco (incluindo, "Idomeneo", "O Rapto do Serralho", "As Bodas de Fígaro", "Cosi Fan Tutte", "Don Giovanni" e "A Flauta Mágica"); 12 árias de concerto, a cantata Exultante, Jubilate e um punhado de peças menores para voz solista e orquestra; 50 canções para voz e piano.

Seus concertos para piano foram escritos, em sua grande maioria, para serem utilizados em suas apresentações. Mozart compôs o primeiro concerto aos 11 anos de idade e o útlimo em 1791, ano de sua morte.

Mozart, um dos maiores gênios da música de todos os tempos, morreu a 5 de dezembro de 1791.

Frédéric Chopin

2008-02-12T11:00:00.000-08:00

Frédéric Chopin, forma afrancesada do nome Fryderyk Franciszek Chopin, em polonês, nasceu em Żelazowa Wola, 1 de março de 1810 — Paris, 17 de outubro de 1849) foi um dos maiores compositores para piano e o mais conhecido compositor polaco.

Filho do professor francês Nicolas Chopin, que dava aulas de língua e literatura francesa, e da polaca Justyna Krzyzanowska, que tocava o piano.
Iniciou aulas de piano aos seus sete anos com o professor Wojciech Żywny e nesta altura compôs suas primeiras Polonaises. O primeiro concerto público deu-se no ano de 1818.

Estudou musica no Conservatório de Varsóvia entre os anos de 1826-1829. Durante este período, tornou-se ativo participante da vida musical de Varsóvia. Assistiu aos concertos de Paganini bem como a óperas no Teatro Nacional de Varsóvia (Don Giovanni, Barbeiro de Sevilla), e compôs as Variações em Si bemol Maior sobre um motivo da ópera Don Giovanni e uma série de Rondós baseados em motivos lúdicos.

Deixou a Polônia no dia 2 de Novembro de 1830 e seguiu para Paris com vinte e um anos de idade e nunca regressou.

Chopin dedicou toda sua obra ao piano, com exceção de uma ou duas peças para violoncelo, um trio de câmara, os dois concertos para piano e algumas canções . Assim, seu nome ficou internacionalmente ligado ao do instrumento, de forma que é impossível fazer uma história da música para piano sem Fryderyk Chopin (chopén). A música de Chopin tem na maioridade suas origens no folclore polonês. Este facto não era compatível com o ambiente político na Polônia, que estava na altura e durante cerca de 100 anos sobre ocupação do tzar da Russia. Várias obras têm os nomes das danças populares do seu país de origem, como é o caso das mazurcas (Mazurki) e polonaises (Polonezy). Em outras obras, como os estudos, nocturnos, valsas e sonatas com facilidade encontramos temas das cantigas populares do povo da Polônia, bem influências do bel canto italiano.

No período em que viveu em Paris, teve contato com outros compositores que marcaram época: Franz Liszt, com quem estabeleceu uma duradoura relação de amizade, e que, por sua vez, sofreu influências da música de Chopin; Robert Schumann e Hector Berlioz são alguns de seus contemporâneos.

Viveu durante nove anos com a escritora e feminista francesa George Sand, com quem teve uma relação conflituosa. Vítima da tuberculose que o acometera desde a infância, faleceu em 1849, dois anos após o rompimento com Sand. Há teorias de que o rompimento foi provocado por uma briga de Sand e sua filha, Solange. Chopin teria apoiado a jovem, irritando a escritora.

Sepultado no cemitério do Père Lachaise em Paris. Seu coração ficou sepultado dentro de um dos pilares da igreja de Santa Cruz em Varsóvia.

Sua obra é reverenciada como parte fundamental do repertório pianístico - é uma dos maiores desafios, tanto para jovens pianistas como para virtuoses - e dá nome a alguns dos mais importantes concursos de piano do mundo,como o concurso Chopin de Varsóvia (Polônia), que é o mais antigo, organizado desde 1927. - Competição Internacional de Piano Frédéric Chopin.

Entre os monumentos erguidos em sua honra, há uma estátua sua, com 2m50 de altura, diante do Teatro Municipal do Rio de Janeiro. A obra do escultor Augusto Sambynsky, também polonês, foi inaugurada em 1º de setembro de 1944 na Praia Vermelha, e depois transferida .
Lista de obras
Composições:

57 (41+2) Mazurcas
16 (7) Polonaises
19 (8) Valsas
19[1] (18) nocturnos
4 baladas
4 Scherzos
3 Sonatas para piano e 1 para violoncelo e piano
26 (25) Prelúdios
27 (24+3) estudos
4 (3) Impromptus
2 Concertos (op.11 em mi menor, op.21 em fá menor)
4 outras obras para piano e orquestra
17 + 2 canções
2 obras para violoncelo e piano (não incluindo a Sonata de violoncelo), trio de piano
outras obras para piano (rondós, variações, marchas), algumas peças para 4 mãos
obras singulares: Fantasia, Barcarola, Berceuse, Tarantella, Bolero
Exemplo de música
Desejo da Moça, melodia popular com arranjo de Chopin (Gdybym ja była)

Ludwig Van Beethoven

2008-02-12T10:55:00.000-08:00

Ludwig van Beethoven (Bonn, 16 de Dezembro de 1770 — Viena, 26 de Março de 1827) foi um compositor erudito alemão do período de transição entre o Classicismo e o período romântico . É considerado o maior e mais influente compositor do século XIX. Suas 32 sonatas para piano são consideradas o "Novo Testamento da Música", sendo o Cravo Bem-Temperado de Johann Sebastian Bach, o "Antigo Testamento".

A sua vida artística poderá ser dividida em três fases: 1ªfase: Quando se muda para Viena em 1792, e alcança a fama de brilhantíssimo improvisador ao piano; 2ªfase: Quando, por volta de 1794, se inicia a redução da sua acuidade auditiva, facto que o leva a pensar em suicídio; 3ªfase: Quando, nos últimos dez anos de vida, fica completamente surdo, impedido de executar e ouvir música, escrevendo obras abstractas que, naquele tempo, ninguém compreendia.
Em 1801, Beethoven afirma não estar satisfeito com o que compôs até então, decidindo tomar um "novo caminho". Três anos depois, em 1803, surge o grande fruto desse "novo caminho": a Sinfonia nº3 em Mi bemol Maior apelidada de "Eroica", cuja dedicatória a Napoleão Bonaparte foi retirada com alguma polémica. A Sinfonia nº3 em Mi bemol Maior era duas vezes maior em duração que qualquer sinfonia escrita até então.

Em 1808, surge a Sinfonia nº5 em Dó menor - a sua tonalidade preferida -, cujo o famoso tema da abertura foi considerado por muitos como uma evidência da sua loucura.

Em 1814, na 2ªfase, Beethoven já era reconhecido como o maior compositor do século.

Em 1824, surge a Sinfonia nº9 em Ré Menor. Pela primeira vez na história da música, é inserido um coral numa sinfonia. Pela primeira vez, numa sinfonia, é inserida a voz humana como exaltação dionisíaca da fraternidade universal, com o apelo à aliança entre as artes irmãs: a poesia e a música.
Beethoven começou a compor música como nunca antes se houvera ouvido. A partir de Beethoven a música nunca mais foi a mesma. As suas composições eram criadas sem a preocupação em respeitar regras que, até então, eram seguidas. Considerado um poeta-músico, foi o primeiro romântico apaixonado pelo lirismo dramático e pela liberdade de expressão. Foi sempre condicionado pelo equilíbrio, pelo amor à natureza e pelos grandes ideais humanitários. Inaugura, portanto, a tradição de compositor livre, que escreve música para si, sem estar vinculado a um príncipe ou a um nobre. Hoje em dia muitos críticos o consideram como o maior compositor do século XIX, a quem se deve a inauguração do período Romântico, enquanto que outros o distinguem como um dos poucos homens que merecem a adjectivação de "génio".

Beethoven foi batizado a 17 de Dezembro de 1770, tendo nascido presumivelmente no dia anterior na Renânia do Norte (Alemanha). Seu pai era tenor na corte de Colônia (Köln em língua alemã) e também lecionava. Foi dele que Beethoven recebeu as suas primeiras lições de música.
A mãe de Beethoven, Maria Magdalena Keverich (1746-1787) casou-se duas vezes. O primeiro marido foi Johann Leym (1733-1765). Tiveram apenas um filho, Johann Peter Anton, que nasceu e morreu em 1764. Depois da morte do marido, Magdalena, viúva, casou-se com o futuro pai de Beethoven, Johann van Beethoven (1740-1792), músico alcoólico. Tiveram sete filhos: o primeiro Ludwig Maria que nasceu e morreu no ano de 1769; o segundo Ludwig van Beethoven (1770-1827), o compositor, que morreu com 56 anos; o terceiro Caspar Anton Carl van Beethoven (1774-1815) que também tinha dotes para a Música e que morreu com 41 anos; o quarto Nicolaus Johann van Beethoven (1776-1848), que se tornou muito rico, graças à indústria farmacêutica, e que morreu com 72 anos; a quinta Anna Maria, que nasceu e morreu em 1779; o sexto Franz Georg (1781-1783), que morreu com dois anos de idade; e a sétima Maria Magdalena (1786-1787), que morreu com apenas um ano de idade. Portanto, Beethoven – que foi o terceiro filho da sua mãe e o segundo do seu pai – teve sete irmãos, cinco dos quais morreram na infância. Quanto aos irmãos vivos, Beethoven foi o primeiro, Caspar foi o segundo e Nicolaus o terceiro.
Ludwig nunca teve estudos muito aprofundados mas sempre revelou um talento exepcional para a música. Com apenas nove anos de idade foi confiado a Christian Gottlob Neefe (1748-1798) que lhe deu a conhecer os grandes mestres alemães da música. Compôs as suas primeiras peças aos onze anos. Os seus progressos são de tal forma notáveis que 1784 já era segundo organista da capela do Eleitor. Pouco tempo depois é violetista na orquestra da corte. Em 1787 é enviado para Viena para estudar com Mozart onde este reconheceu imediatamente o talento prodigioso de Beethoven e onde proferiu a célebre frase "Não o percam de vista, um dia há de dar que falar".

Tinha como hábito despejar água gelada sobre a cabeça sob o pretexto de que isso estimulava o cérebro.

Em 1792, muda-se para Viena, e, afora algumas poucas viagens, permaneceria lá para o resto da vida. Durante os anos 1790, firma uma sólida reputação como pianista virtuose e compõe suas primeiras obras-primas: Três Sonatas para piano Op.2 (1795), Concerto para Piano No.1 em Dó maior Op.15 (1795), Sonata No.8 em Dó menor Op.13 [Sonata Patética] (1798), Seis Quartetos de cordas Op.18 (1800).
Em 2 de Abril de 1800 sua Sinfonia Nº1 em Dó maior Op.21 estréia em Viena, mas no ano seguinte ele confessa aos amigos que não estava satisfeito com o que tinha composto até então e que havia decidido seguir “um novo caminho”.

Pelos seus 24 anos (1794), Beethoven sentiu os primeiros indícios de surdez. Consultou vários médicos, inclusive o médico da corte de Viena, fez curativos, realizou balneoterapia, usou cornetas acústicas, mudou de ares, mas os seus ouvidos permaneciam enrolhados. Desesperado, entrou em profunda crise depressiva e pensou em suicidar-se. Em 1802, escreve o seu testamento aos seus dois irmãos vivos Karl e Johann: é o «Testamento de Heilingenstadt».

Embora tenha feito muitas tentativas para tratá-la durante os anos seguintes, a doença continuou a progredir e, aos 46 anos (1816), ficou completamente surdo. Apesar de tudo, de 1816 até 1827, ano da sua morte, ainda conseguiu compor cerca de 44 obras musicais em total surdez. Outros compositores como Smetana e Fauré também compuseram música em estado de surdez completa. Beethoven não é o único caso, embora
Em 1803 Beethoven começa a trilhar este “novo caminho” com a Sinfonia nº 3 em Mi bemol maior Op.55 [Eroica], uma obra sem precedentes na história da música sinfônica, considerada o início do período Romântico na Música Erudita. Os anos seguintes à Eroica foram de extraordinária fertilidade criativa e viram surgir numerosas obras-primas: Sonata nº 21 em Dó maior Op.53 [Waldstein] (1804), Sonata nº 23 em Fá menor Op.57 [Appassionata] (1805), Sinfonia No.4 em Si bemol maior Op.60 (1806), Três Quartetos de cordas Op.59 [Rasumovsky] (1806), Sinfonia No.5 em Dó menor Op.67 (1808), Sinfonia nº 6 em Fá maior Op.68 [Pastoral] (1808), Concerto para Piano nº 4 em Sol maior Op.58 (1807), Concerto para Violino em Ré maior Op.61 (1806), Concerto para Piano nº 5 em Mi bemol maior Op.73 [Imperador] (1809), Quarteto em Fá menor op.95 [Serioso] (1811), Sinfonia nº 7 em Lá maior Op.92 (1812), Sinfonia nº 8 em Fá maior (1812), e a primeira versão da única ópera de Beethoven, Fidelio (a versão definitiva é de 1814).

Depois de 1812, a surdez progressiva aliada à perda das esperanças matrimoniais e problemas com a custódia do sobrinho o levaram a uma crise criativa que faria com que durante esses anos ele escrevesse poucas obras importantes.

A partir de 1818 Beethoven, aparentemente recuperado, passou a compor mais lentamente, mas com um vigor renovado. Surgem então algumas de suas maiores obras: Sonata nº 29 em Si bemol maior op.106 [Hammerklavier] (1818), Sonata nº 30 em Mi maior Op.109, Sonata nº 31 em Lá bemol maior Op.110 (1822), Sonata nº 32 em Dó menor Op.111 (1822), Variações Diabelli Op.120 (1823), Missa Solemnis Op.123 (1823). A culminância desses anos foi a Sinfonia nº 9 em Ré menor Op.125 (1824), para muitos a sua obra-prima. Pela primeira vez é inserido um coral num movimento de uma sinfonia. O texto é uma adaptação do poema de Schiller “Ode à Alegria”, feita pelo próprio Beethoven. Ele estava totalmente surdo quando compôs essa sinfonia.

Os anos finais de Beethoven foram dedicados quase que exclusivamente à composição de quartetos de cordas. Foi nesse meio que ele produziu algumas de suas mais profundas e visionárias obras: Quarteto em Mi bemol maior Op.127 (1825), Quarteto em Lá menor Op.132 (1825), Quarteto em Si bemol maior Op.130 (1826), Grande Fuga Op.133 (1826), Quarteto em Dó sustenido menor Op.131 (1826) e Quarteto em Fá maior Op.135 (1826). Sua influência na história da música foi imensa. Ao morrer em 26 de Março de 1827 estava trabalhando em uma décima Sinfonia. Conta-se que cerca de dez mil pessoas compareceram aos seus funerais. Entre os presentes, Franz Schubert.

Obras
9 sinfonias
5 concertos para piano
Concerto para violino
Concerto Tríplice para piano, violino, violoncelo e orquestra
32 sonatas para piano
16 quartetos de cordas
10 sonatas para violino e piano
5 sonatas para violoncelo e piano
12 trios para piano, violino e violoncelo
Bagatelas ("Klenigkeiten") para piano, entre as quais a famosíssima Bagatela para piano "Für Elise" ("Para Elisa")
Missa em Dó Maior
Missa em Ré Maior ("Missa Solene")
Oratório "Christus am Ölberge", op. 85 ("Cristo no Monte das Oliveiras")
Fantasia Coral, op. 80 para coro, piano e orquestra
Aberturas
Danças
Ópera Fidelio
Canções

Johann Sebastian Bach

2008-02-12T10:50:00.000-08:00

Johann Sebastian Bach, (21 de Março, 1685 - 28 de Julho, 1750) foi um músico e compositor do período barroco da música erudita. Foi também um organista notável. Nasceu em Eisenach (Alemanha), no seio de uma família de músicos. É considerado um dos maiores e mais influentes compositores da história da música, ainda que pouco reconhecido na altura em que viveu. Muitas das suas obras reflectem uma grande profundidade intelectual, uma expressão emocional impressionante e, sobretudo, um grande domínio técnico em grande parte responsável pelo fascínio que diversas gerações de músicos demonstraram pelo Pai Bach, especialmente depois de Felix Mendelssohn que foi um dos responsáveis pela reabilitação da obra de Bach, até então bastante esquecida.
Bach nasceu em Eisenach, na Turíngia, no seio de uma família de músicos. Sua mãe morreu quando ele tinha 9 anos de idade. Um ano depois morreu seu pai Johann Ambrosius Bach, que era músico da cidade e o havia ensinado os rudimentos da música. Foi viver e estudar com seu irmão maior, Johann Christoph Bach, 16 anos mais velho que ele, então organista de Ohrdruff. Através de seu irmão Bach aprendeu a tocar órgão e a compor. Christoph, no entanto, não era um grande entusiasta do talento do jovem Sebastian. O irmão mais novo certa vez pediu a Christoph que lhe deixasse estudar algumas partituras de Pachelbel, que fora padrinho e professor de Christoph, mas este recusou. Sebastian então passou a copiar, todas as noites, as partituras de seu irmão, enquanto este estava dormindo, para que pudesse estudá-las mais tarde. De nada lhe valeu esse esforço, já que Christoph, ao descobrir as cópias, destruiu-as. Especula-se também que o esforço realizado por Sebastian para copiar as partituras na escuridão tenha sido responsável pela cegueira que o atormentou no final da vida.

Em 1703, aos 18 anos, Bach ascendeu ao posto de organista em Arnstadt, graças a seu precoce domínio do instrumento. Nessa época estudou com o famoso organista Dietrich Buxtehude, além de assistir a concertos de outro organista, Jan Adam Reinken.Quatro anos mais tarde se transladou a Mühlhausen, onde casou-se com sua prima Maria Bárbara Bach, que assim como ele era órfã. Ali escreveu também suas primeiras cantatas. Só um ano depois, em 1708, foi nomeado organista da Corte, e em 1714 diretor de orquestra na corte do duque Wilhelm Ernst, em Weimar.

- De 1717 a 1723 Bach foi mestre de capela (Kapellmeister) na corte de príncipe Leopold de Anhalt-Köthen. Em 1720 morreu a sua primeira esposa, e um ano mais tarde ele voltou a casar, desta vez com a cantora Anna Magdalena Wülcken. A partir de 1723 e até a sua morte Bach foi Diretor de Música (Kantor) na igreja de São Tomás em Leipzig. Chegou a ser convidado a corte de Frederico II o Grande em Sans Souci. Morreu em 1750, depois de uma intervenção cirúrgica fracassada nos olhos. Bach foi ficando cego até perder totalmente a vista. Atualmente se crê que a sua cegueira foi originada por um diabetes não tratado.

Bach encabeçou uma família numerosa. Teve sete filhos em seu primeiro matrimônio e 13 no segundo. Quatro de seus filhos do seu segundo casamento se transformaram em compositores respeitados. Entre eles se destacaram Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), que segundo o patriarca era o mais talentoso de seus filhos, Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), de quem Mozart tinha uma opinião excelente, e que viria ser o Bach mais famoso de sua época, e Johann Christian Bach (1735-1782) que ficou famoso na inglaterra. Entretanto, a confiança que Bach pôs em um Wilhelm Friedemann teve tristes conseqüências depois de seu falecimento. Friedemann possuía uma personalidade evasiva, nunca se fixando nos empregos, e muitas vezes em dificuldades financeiras. Essas dificuldades levaram-no, muitas vezes, a vender várias partituras de seu pai. Nesse processo perderam-se para sempre várias paixões compostas por Johann Sebastian (quem sabe agora fossem elas tão apreciadas como a Paixão segundo São Mateus e a Paixão segundo São João). Se não tivesse sido o cuidado que teve Carl Phillip Emanuel Bach em conservar os manuscritos de seu pai, o mundo poderia ter sido privado de uma boa parte das obras primas de Bach.

Um aspecto impressionante da vida de Bach é que o compositor teve pouco reconhecimento em vida. Era tido por todos como um virtuoso do órgão, talvez o melhor de que se tinha notícia. Como compositor, porém, era considerado como antiquado e sem criatividade. Outros compositores, como Haendel e Tellemann, tiveram suas obras muito mais apreciadas. Na época que se seguiu a sua morte, Bach caiu no esquecimento. Seu filho Carl Phillip Emanuel teve então grande destaque como um dos fundadores do classicismo.

Alguns compositores e músicos conheciam e apreciavam a obra de Johann Sebastian Bach. Haydn, Mozart e Beethoven tiveram um grande apreço pelas obras de Bach.

Entre as características sobressalentes de J. S. Bach encontra-se o domínio de complexos e engenhosos contrapontos. Teve seu ápice no gênero da fuga com a obra O Cravo Bem Temperado, que consiste em 48 prelúdios e fugas, sendo um prelúdio e uma fuga para cada tonalidade maior e menor. Outro trabalho importante é A Arte da Fuga, que ficou incompleto com a sua morte. Composto com a intenção de que fosse um conjunto de exemplos das técnicas de contraponto, A Arte da Fuga consta de 14 fugas com diferentes formas, pois todas com o mesmo tema básico.

Também despertam bastante interesse seus concertos, que Bach compôs baseando-se na forma dos concertos de Antonio Vivaldi, compositor e violinista italiano contemporâneo de Bach (sete anos mais velho que ele). Assim por exemplo os concertos de Brandenburgo caracterizam-se por estarem dedicados cada um a um grupo diferente de instrumentos solistas.

Bach escreveu muitas de suas músicas para a igreja luterana: em particular suas cantatas foram compostas para as missas dominicais, e suas paixões para as cerimônias de Sexta-feira Santa.

Além das citadas, outras obras célebres de Bach são as Variações Goldberg, as suites para orquestra, as suites para violoncelo, os concertos para violino e a Missa em Si menor.

A re-estréia da Paixão Segundo São Mateus, por iniciativa de Meldelssohn em 11 de Março de 1829, deu um grande impulso na divulgação da música de Bach.

Bach teve numerosos alunos e estudantes ao longo de sua vida. Entre eles se conta Johann Friedrich Agricola.
Durante a sua vida Bach se tornou mais conhecido como organista, consultor e construtor de órgãos e Compositor de trabalhos para órgão todos em gêneros livres (tais como: Prelúdios, Fantasias e Tocatas) e formas proscritas como prelúdios corais. Apesar de sua falta de treinamento formal como organista, Bach logo cedo estabeleceu sua reputação por sua criatividade e habilidade em integrar aspectos de muitos estilos nacionais diferentes dentro de seu trabalho organístico. Uma influência decididamente norte-alemã foi exercida por Georg Böhm, com quem Bach manteve contato em Lüneburg, e Buxtehude em Lübeck, quando o jovem organista o visitou em 1704 em uma licença estendida de seu trabalho em Arnstadt. Neste período Bach copiou os trabalhos de numerosos compositores franceses e italianos de forma a ampliar sua capacidade dentro dessas linguagens composicionais, e mesmo depois arranjou muitos concertos para violino de Vivaldi e outros para órgão.

Seu período mais produtivo (1708-1714) viu não somente composições de muitos pares de prelúdios e fugas e toccatas e fugas, mas também a composição do Orgelbüchlein ("pequeno livro para órgão"), uma coleção incompleta de 49 prelúdios corais curtos feitos para demonstrar varias técnicas composicionais que poderiam ser usadas em arranjos de melodias corais. Após deixar Weimar, a produção organistica de Bach caiu, embora seus trabalhos mais conhecidos (as seis trio-sonatas, o livro III da pratica para instrumento de teclado de 1739, e os Corais "Grande Dezoito" revisados muito tarde na vida dele.) foram todos compostos após esse período. Bach esteve também muito empenhado depois em sua vida como consultor em vários projetos de construção de órgãos, testando órgãos recentemente construídos, e tocando órgão em recitais vespertinos.
Esta monumental Chaconne (Ciacona) é o 5º movimento da partita nº 2 para violino solo (e o seu movimento final) e é considerado um monumento da música europeia, tendo-se tornado num dos pilares da literatura para violino. A Chaconne é um dos poucos trabalhos de variações de Bach e é possivelmente o maior conjunto de variações alguma vez escrito para um só instrumento. As únicas outras variações que se aproximam da sua perfeição são as Variações Goldberg. E muitos músicos são de opinião que, mesmo que Bach só tivesse composto estas duas peças, já mereceria ser considerado um dos maiores compositor de todos os tempos.

De acordo com a musicologista alemã Helga Thoene, cada um dos movimentos da Partita nº2 é inspirado num coral religioso associado à meditação sobre a morte. Dentro da harmonia da Chaconne estão as notas do coral "Christ lag in Todesbanden" (Cristo jaz sujeito à morte) que representa a intensa tristeza da morte e a esperança de uma vida eterna. Segundo ela, Bach terá provavelmente composto a Partita nº2 como um memorial fúnebre à sua primeira mulher .
O registro das obras de Bach foi elaborado por Wolfgang Schmieder e é conhecido pelas siglas "BWV", que significam Bach Werke Verzeichnis ('Catálogo de Obras de Bach'). O catálogo foi publicado em 1950 e os números BWV algumas vezes são chamados como números de Schmieder. Uma variante desse sistema usa S no lugar de BWV, significando Schmieder.

O catálogo é organizado mais tematicamente do que cronologicamente; BWV 1-222 são as cantatas, BWV 225-248 as obras corais feitas em larga-escala. BWV 250-524 corais e canções sacras, BWV 525-748 obras para orgão, BWV 772-994 outras obras para instrumentos de teclado, BWV 995-1000 musica para alaúde, BWV 1001-1040 música de câmara, BWV 1041-1071 música orquestral e BWV 1072-1126 cânones e fugas. Para a compilação do catálogo, apesar de quase metade da obra de bach ter sido perdida ao longo do tempo, Schmieder seguiu grande parte da "Bach Gesellschaft Ausgabe" (edição da sociedade Bach), uma ampla edição dos trabalhos do compositor produzida entre 1850 e 1905.

Antonio Vivaldi

2008-02-12T10:45:00.000-08:00

Antonio Lucio Vivaldi (Veneza, 4 de Março de 1678 — Viena, 28 de Julho de 1741) foi um sacerdote e compositor de música barroca italiana.

O seu pai, um barbeiro mas também um talentoso violinista (alguns chegam a considerá-lo como um virtuoso), ajudou-o a iniciar uma carreira no mundo da música e foi responsável pela sua admissão na orquestra da Basílica de São Marcos, onde se tornou no maior violinista do seu tempo.

Em 1703, Vivaldi tornou-se padre, vindo a ser apelidado de Il Prete Rosso ("O Padre Vermelho"), muito provavelmente devido ao seu cabelo ruivo. Em 1704, foi-lhe dada dispensa da celebração da Santa Eucaristia devido à sua saúde fragilizada (aparentemente sofreria de asma), tendo-se voltado para o ensino de violino num orfanato de raparigas chamado Ospedale della Pietà em Veneza. Pouco tempo após a sua iniciação nestas novas funções, as crianças ganharam-lhe apreço e estima; Vivaldi compôs para elas a maioria dos seus concertos, cantatas e músicas sagradas.

Em 1705, a primeira colecção (raccolta) dos seus trabalhos foi publicada. Muitos outros se lhe seguiram. No orfanato, desempenhou diversos cargos interrompidos apenas pelas suas muitas viagens, e, em 1713, tornou-se responsável pelas actividades musicais da instituição. Vivaldi foi realmente um compositor prolífico e a sua fama deve-se sobretudo à composição das seguintes obras:
mais de quinhentos concertos (210 dos quais para violino ou violoncelo solo), dos quais se destaca o seu mais conhecido e divulgado trabalho, Le quattro stagioni (As quatro estações),
46 óperas,
sinfonias,
73 sonatas,
música de câmara (mesmo se algumas sonatas para flauta, como Il Pastor Fido, lhe tenham sido erradamente atribuídas, apesar de compostas por Cedeville),
música sacra (oratorio Juditha Triumphans, composta para a Pietá; dois Gloria; Stabat Mater; Nisi Dominus; Beatus Vir; Magnificat; Dixit Dominus e outros).
Menos conhecido é o facto de a maior parte do seu repertório ter sido descoberto apenas na primeira metade do século XX em Turim e Génova, mas publicado na segunda metade. A música de Vivaldi é particularmente inovadora, quebrando com a tradição consolidade em esquemas; deu brilho à estrutura formal e rítmica do concerto, repetidamente procurando contrastes harmónicos, e inventou melodias e trechos originais.

Vivaldi era francamente capaz de compôr música não acadêmica, apreciada supostamente pelo público geral, e não só por uma minoria intelectual. A alegre aparência dos seus trabalhos revela uma alegria de compôr. Estas estão entre as razões da vasta popularidade da sua música. Esta popularidade rapidamente o tornou famoso em países como a França, na altura muito fechada nos seu valores nacionais.

É considerado um dos compositores que fez com que a música barroca (com o seu típico contraste entre sonoridades pesadas) evoluísse num estilo impressionista. Vivaldi tem sido apontado como um precursor dos músicos românticos.

Johann Sebastian Bach foi deveras influenciado pelo concerto e Aria de Vivaldi (revivido nas sua Paixões e cantate). Bach transcreveu alguns dos concertos de Vivaldi para teclas solo, bem como alguns para orquestra, incluindo o famoso Concerto para Quatro Violinos e Violoncelo, Cordas e Continuo (RV580). Contudo, nem todos os músicos demonstraram o mesmo entusiasmo: Igor Stravinsky afirmou em tom provocativo que Vivaldi não teria escrito centenas de concertos mas um único, repetido centenas de vezes.

Apesar do seu estatuto de sacerdote, é suposto ter tido vários casos amorosos, um dos quais com a cantora Anna Giraud, com quem Vivaldi era suspeito de manter uma menos clara actividade comercial nas velhas óperas venezianas, adaptando-as apenas ligeiramente às capacidades vocais da sua amante. Este negócio causou-lhe alguns dissabores com outros músicos, como Benedetto Marcello, que terá escrito um panfleto contra ele.

Vivaldi, tal como muitos outros compositores da época, terminou sua vida em pobreza. As suas composições já não suscitavam a alta estima que uma vez fizeram em Veneza; gostos musicais em mudança rapidamente o colocaram fora de moda, e Vivaldi terá decidido vender um avultado número dos seus manuscritos a preços irrisórios, por forma a financiar uma migração para Viena. As razões da partida de Vivaldi para Viena não são claras, mas parece provável que terá querido conhecer Carlos VI, que adorava as suas composições (Vivaldi dedicou La Cetra a Carlos em 1727), e assumiu a posição de compositor real na Corte Imperial.

Contudo, pouco depois da sua chegada a Viena, Carlos viria a morrer. Este trágico golpe de azar deixou o compositor desprovido da protecção real e de uma fonte de rendimentos. Vivaldi teve que vender mais manuscritos para se governar, e terá eventualmente falecido não muito tempo depois, em 1741. Foi-lhe dada uma sepultura anônima de pobre (a missa de Requiem na qual o jovem Joseph Haydn terá cantado, no coro). Igualmente desafortunada, sua música viria a cair na obscuridade até aos anos de 1900.

Apesar de todos os detractores, de todas as críticas negativas que Vivaldi recebeu, o seu talento é inegável, foi o compositor que inventou, ou pelo menos, estabeleceu a estrutura definitiva do concerto e da sinfonia. A sua facilidade na escrita era impressionante, escrevia tão rápido quanto a pena o permitia. Consta que demorava a escrever um novo concerto em menos tempo que um copista a copiá-lo.
A ressurreição do trabalho de Vivaldi no século 20 deve-se sobretudo aos esforços de Alfredo Casella, que em 1939 organizou a agora histórica Semana Vivaldi. Desde então, as composições de Vivaldi obtiveram sucesso universal, e o advento da "actuação historicamente informada" conseguiu catapultá-lo para o estrelato novamente. Em 1947 o empresário veneziano Antonio Fanna fundou o Istituto Italiano Antonio Vivaldi, com o compositor Gian Francesco Malipiero como seu director artístico, e o propósito de promover a música de Vivaldi e publicar novas edições dos seus trabalhos.

A música de Vivaldi, juntamente com a de Mozart, Tchaikovsky e Corelli, foi incluída nas teorias de Alfred Tomatis sobre os efeitos da música no comportamento humano, e usada em terapia musical.

Franz Liszt

2008-02-12T10:40:00.000-08:00

Franz Liszt nasceu em Raiding (Hungria) a 22 de outubro de 1811. Menino prodígio como pianista, iniciou os estudos de piano com seu pai. Apresentou-se ao público pela primeira vez, aos nove anos de idade, em Sopron, impressionando de tal forma os presentes, que vários nobres húngaros concordaram em contribuir com fundos para a continuação de seus estudos.

Foi então para Viena (1822), a fim de tomar lições, dando vários concertos públicos, tendo os primeiros sucessos. Recebeu os aplausos de Beethoven, que ficou impressionado com a técnica do jovem pianista em abril de 1823. Aluno de Salieri (composição), e Czerny (piano), radicou-se na França, onde foi impedido de ingressar no conservatório de Paris, por ser estrangeiro. Liszt completou seus estudos em caráter particular, com Reicha e Paer. Em Paris ouviu Paganini, resolvendo tornar-se o ‘Paganini do piano’. Compôs aos quatorze anos de idade, sua primeira ópera, em um ato, Don Sancho.

Amigo de Chopin, Berlioz, Lamartine, Victor Hugo, Georges Sand e Heine, familiarizou-se com o Romantismo. As influências recebidas, iriam traduzir-se na escolha de seus temas literários para grande número de composições (poemas sinfônicos). Adepto do catolicismo democrático de Lamennais, pertencia depois à seita dos saint-simonistas, professando um socialismo religioso.

Tendo deixado de se apresentar em público, para praticar, quando reapareceu em 1832, seu domínio no teclado transformou-o no mais famoso pianista da época. Foi para Suíça, em 1835, com a condessa Marie d’Agoult, com quem vivia em união livre. Ela lhe deu três filhos, entre eles Cosima.

Quando Cosima abandonou o marido, Hans von Bülow, para casar-se com Wagner, desaprovou Liszt este passo. Mais tarde, porém, reconciliou-se com a filha e o novo genro e passou a viver em Bayreuth, onde recebeu admiradores, visitantes e alunos do mundo inteiro, consagrando pianistas novos. Em 1844 separou-se da condessa.
Depois de triunfal carreira de virtuose em todos os grandes centros europeus, renunciou ao piano, tocando daí em diante só para amigos. Foi nomeado diretor de ópera do teatro em Weimar (1848), que por sua atividade se tornou um centro musical. Fez executar obras como Tannhäuser e Lohegrin, de Wagner, Benvenuto Cellini de Berlioz, além de Schubert, Schumann e Weber.

Liszt ligou-se em nova união livre, à princesa Caroline Sayn-Wittgenstein. Entre outras mulheres na vida do pianista, encontram-se a escritora George Sand, Lola Montez e Maria Duplessis. Foi proclamado chefe do movimento musical neo-alemão, fazendo a propaganda da música de Wagner. Abandonou suas funções em Weimar, aborrecido com intrigas contra sua direção.

Separado da princesa por motivos religiosos, Liszt foi para Itália (1858), onde se tornou membro da terceira ordem dos Franciscanos em 1865, sendo chamado, a partir dessa época, Abade Liszt. Em Roma, gozava da proteção do papa Pio IX. Recebeu ordens religiosas, e dedicou-se a obras sacras, como a Missa solene de Gran, para a inauguração da basílica de Gran. Dividindo o seu tempo entre Roma e Budapeste, dedicou-se ao ensino da música; entre seus alunos destacam-se alguns que, mais tarde, tornaram-se músicos famosos como Bizet, Saint-Saëns, Albénis, Rosenthal e outros.

Fez uma visita à Inglaterra, em 1886, mas a viagem esgotou-o. Foi triunfalmente recebido em Budapeste e festejado como compositor nacional da Hungria. Liszt morreu na casa de Wagner, em Bayreuth a 31 de julho de 1886, conseguindo ser o maior pianista do século XIX e talvez de todos os tempos.

Liszt era húngaro pelo lugar de nascimento e pela fama das Rapsódias húngaras (19) (1846-1885). Escritas para piano, são obras brilhantes, de alto virtuosismo pianístico. Devem sua imensa popularidade à versão orquestrada: sobretudo a Rapsódia húngara n.º 2 em dó sustenido menor, a Rapsódia húngara n.º 15 em lá menor - Marcha de Rakóczy e a Rapsódia húngara n.º 19 em mi bemol maior - Carnaval em Pest. Com essas obras criou Liszt o nacionalismo musical de sua nação e tornou a música húngara querida no mundo inteiro.

Só no século XX, descobriram Bartók e Kodály que a autêntica música húngara é inteiramente diferente e que Liszt tinha popularizado, por equívoco, a música dos ciganos húngaros. Com esse equívoco combina o fato de que Liszt não sabia a língua húngara: era de ascendência alemã e foi em língua alemã criado. Mas enraizou-se tão totalmente na França que pode ser considerado como francês. Era filho de uma época cosmopolita.

Liszt era homem de grande generosidade, amigo fiel e apoio eficiente de todos os talentos novos. Tinha ampla cultura literária e filosófica e um desejo nunca plenamente realizado da satisfação religiosa. Sua musicalidade era fenômeno espantoso: sabia de cor O cravo bem temperado. Sobre sua artes de pianista, a posteridade não pode afirmar opinião crítica. Contudo, bastam os elogios entusiasmados de todos os músicos e críticos que o ouviram. Mas Liszt também tinha a ambição de ser um grande compositor. E a esse respeito as opiniões continuam até hoje divididas.

Obras pianísticas - Todos os pianistas gostam dos dois concertos para piano de Liszt: Concerto para piano em mi bemol maior (1849) e Concerto para piano em lá maior (1839): música brilhante e nada superficial. Também são excelentes as peças para piano solo: Anos de viagem (1839), inspiradas por recordações da Itália e Suíça, Harmonias poéticas e religiosas (1848), inspiradas pela poesia de Lamartine, e as Lendas (1863). A grande Sonata para piano em si menor (1853) não é uma sonata em sentido beethoveniano e desagradou a Brahms. Mas tem alto valor musical como rapsódia apaixonada.

Música vocal - Os lieder de Liszt são muito românticos, de um romantismo de salão, já fora de moda. A Missa solene de Gran (1855) e a Missa de coração húngara (1867) são obras pomposas, nada litúrgicas. O oratório A Santa Elisabeth (1862) é prejudicado pelo uso arbitrário de motivos de música húngara, por tratar-se da padroeira da Hungria. O último oratório, Cristo (1866), com texto em latim, é artificialmente arcaizante.
A suprema ambição de Liszt como compositor foi a criação de obras orquestrais com programas literários, superando Berlioz. Só se ouvem hoje nos concertos os poemas sinfônicos O que se ouve na montanha (1848), inspirado por um poema de Hugo, e Os prelúdios (1854), inspirado pela poesia de Lamartine. Mas Mazeppa (1854) e muitos outros poemas sinfônicos são considerados música de mau gosto por alguns críticos. A maior sinfonia de programa do mestre é Fausto (1855), realmente uma obra notável, ao passo que Dante (1856) é menos convincente.

Influência - Nenhuma obra e nenhum estilo de Liszt chegaram a influenciar outros compositores. Mas seu nacionalismo musical desencadeou uma onda de parecidos nacionalismos musicais na Europa inteira: é preciso lembrar o tcheco Smetana e o norueguês Grieg, também os nacionalistas russos Balakirev e Borodin. E essa influência animadora ainda se sente na música programática do finlandês Sibelius.

Piotr Ilyich Tchaikovsky

2008-02-12T10:32:00.000-08:00

Pietr Ilyitch Tchaikovsky nasceu a 7 de maio de 1840, em Votkinsk - hoje pertencente à República Autônoma de Udmurtes, Rússia - às margens do Volga. Pelo lado paterno era um russo de quatro costados: seu bisavô lutou contra os suecos, sob o comando de Pedro, o Grande. Seu avô fez brilhante carreira na administração do czar, tornando-se chefe de polícia de Slobodsk, pequeno burgo na Província de Viatka.

Seu pai, o engenheiro Ilya Petrovitch Tchaikovsky, dirigia desde 1837 uma usina siderúrgica do governo, que extraia ferro da região e fabricava locomotivas, vagões e navios a vapor. Testemunhas da época o descrevem como um homem robusto e destemido, mas brando, extremamente sentimental, afetivo, sonhador. Quando jovem, tocava flauta e era um apaixonado pela literatura. Aos trinta e dois anos, casou-se com Maria Karlovna Keiser, que lhe deu uma filha, Zinaida, e morreu dois anos e meio depois do casamento.

Em 1833, casou-se com Alexandra Andreivna d’Assier, que emigrara para a Rússia depois da promulgação do Edital de Nantes. Jovem de origem francesa, era muito bonita, majestosa, de olhos fascinantes e mãos extremamente bem desenhadas. Mais tarde, o compositor diria: ‘Jamais vi mãos comparáveis às de minha mãe’. O casal teve seis filhos: Nicolau, Pedro (Pietr), o compositor, Alexandra, Hipólito e os gêmeos Anatólio e Modesto. Este último escreveu uma biografia do irmão, em três volumes, publicadas entre 1900 e 1902.

Da infância do compositor, sabe-se que bem cedo revelou dotes musicais, mas não recebeu educação sistemática nesse sentido; os pais achavam que isso era pouco saudável para uma criança por demais sensível e até mesmo neurótica. Sua governanta, a jovem suíço-francesa Fanny Durbach, que o educou dos quatro aos oito anos, sintetizou sua personalidade dizendo que ele era ‘uma criança de vidro’: extremamente frágil, por qualquer motivo caía em pranto. Aos sete anos, compôs uma pequeno poema em francês, sobre Joana d’Arc, no qual se evidencia a importância do elemento feminino em sua vida. Sabe-se também que se identificou profundamente com a figura da mãe. Sua morte, quando ele tinha quatorze anos, abalou-o seriamente.

Em 1848, o pai mudou-se para Moscou, onde o compositor sentiu-se muito mal, por não poder viver em condições tão boas como em Votkinsk e por ser tratado como um grosseiro camponês. Consolava-se, no entanto, com as lições de piano que passou a ter com Filipov, um verdadeiro músico; em pouco mais de um ano, seu progresso foi enorme.

Dois anos depois (1850), a família mudou-se para Alapaiev, perto de Nijni-Novgorod (atual Górki), onde o pai do compositor foi dirigir uma usina siderúrgica. Nesse mesmo ano, decidiu-se, em conselho da família, que Tchaikovsky deveria tornar-se advogado. Para tanto, faria os exames de ingresso nas classes preparatórias - correspondente ao atual secundário - da Escola de Direito de São Petersburgo. Aprovado brilhantemente, os anos seguintes seriam dedicados parte à preparação para a futura carreira de advogado, parte à música.

Dois anos depois (1850), a família mudou-se para Alapaiev, perto de Nijni-Novgorod (atual Górki), onde o pai do compositor foi dirigir uma usina siderúrgica. Nesse mesmo ano, decidiu-se, em conselho da família, que Tchaikovsky deveria tornar-se advogado. Para tanto, faria os exames de ingresso nas classes preparatórias - correspondente ao atual secundário - da Escola de Direito de São Petersburgo. Aprovado brilhantemente, os anos seguintes seriam dedicados parte à preparação para a futura carreira de advogado, parte à música.

Desse período da adolescência destacam-se três acontecimentos que o marcaram para o resto da vida. O primeiro levou ao paroxismo o sentimento de culpa que já se manifestara anteriormente. Irrompida uma epidemia de escarlatina na classe que freqüentava, um amigo da família que exercia o papel de tutor de Tchaikovsky, Modesto Alexeievitch Vakar, levou-o para sua própria casa, em vez de deixá-lo em quarentena na escola. Um dos filhos de Vakar, de cinco anos apenas, contraiu a moléstia e faleceu. Tchaikovsky considerou-se culpado pela morte do menino e jamais cessou de se auto-acusar, declarando que desejava morrer. Inúteis foram os esforços da família e do próprio Vakar: Tchaikovsky nunca se perdoou.

O segundo acontecimento foi uma experiência feliz e muito gratificante. Curiosamente, Vakar foi personagem importante também neste caso. Afeiçoando-se ainda mais o jovem Tchaikovsky e querendo atenuar o seu sentimento de culpa, Vakar - passado o período de luto - levou-o ao teatro de ópera para assistir ao ‘Don Giovanni’, de Mozart. O espetáculo o impressionou muito; foi uma verdadeira revelação: ‘A música de Don Giovanni é a primeira que me transtornou. Ela fez nascer em mim um êxtase (...). Transmitiu-me a chave das esferas da beleza pura, onde planam os maiores gênios. (...) Devo à Don Giovanni o ter-me consagrado inteiramente à música’.
terceiro fato marcante da adolescência de Tchaikovsky, foi a morte da mãe, pela qual nutria verdadeira paixão. Um estudo psicanalítico mostraria como o culto da figura materna provocou no compositor uma tal idealização do feminino que ele passou a se recusar a ver em qualquer mulher uma amante física. Nisso residiriam as raízes da homossexualidade que constituiu o núcleo de sua personalidade.

No mais, a adolescência do compositor transcorreu entre a rígida disciplina da Escola de Direito e estudos de piano com um novo professor, Kundiger, sob cuja influência pensou em escrever uma ópera-bufa, ‘Hipérbole’ - projeto nunca realizado. Kundiger escreveria mais tarde: ‘(...) em momento algum surgiu-me a idéia de que Tchaikovsky pudesse ter o estofo de um músico (...). Sem dúvida, ele era dotado, tinha muito bom ouvido, memória, mãos excelentes, mas, ao lado disso, nada, absolutamente nada que anunciasse um compositor ou mesmo um instrumentista de qualidade (...). Nada de marcante, nada de fenomenal...’.

Em 1859, Tchaikovsky concluiu os estudos jurídicos e passou a trabalhar no Ministério da Justiça. Um ano antes, seu pai perdera toda a fortuna, enganado por uma aventureira. Obrigado a ganhar o próprio sustento, o compositor teve de submeter-se às tarefas rotineiras de um burocrata. Péssimo funcionário, constantemente advertido pelos chefes, sentia-se um pária desprezado por todos, o que, provavelmente, era agravado pelas dúvidas com relação à natureza de sua sexualidade.

Para esquecer e superar esses sentimentos negativos, refugiava-se nos prazeres dos restaurantes, dos teatros, dos salões mundanos. Dançava elegantemente, improvisava ao piano sobre árias da moda, entusiasmando as moças. Por diversas vezes, julgava ter encontrado a mulher de seus sonhos e fazia poéticas declarações de amor; as eleitas não o levavam a sério, como se ele fosse apenas um menino. No teatro, apreciava sobretudo a ópera italiana e os espetáculos de bailado, cuja técnica ficou conhecendo profundamente; anos depois, tornar-se-ia um dos mestres do gênero.

Em 1861, viajou pela Alemanha, Bélgica e França e, em setembro do ano seguinte, ingressou no recém fundado Conservatório de São Petersburgo - primeira escola de música oficial da Rússia. Aí, sob a direção de Anton Rubinstein, seguiu os cursos de composição - ministrados por Zaremba -, piano e flauta, além de adquirir noções de órgão. Meses depois, tomou uma decisão fundamental para seu futuro: optando de uma vez por todas pela carreira de músico, abandonou o Ministério da Justiça, muito embora isso significasse uma vida de pobreza e privações. Particularmente importante para chegar a essa decisão foi a influência do amigo Hermann Laroche, que conheceu no conservatório e que, anos depois, se tornaria crítico musical.
A partir de então, o compositor passou a viver de raras lições que podia dar, de magros cachês acompanhando cantores medíocres e de alguns trocados pela tarefa de copiar partituras, o que o obrigava a trabalhar até alta madrugada. Mas, como isso não bastava para suas necessidades, era obrigado a recorrer aos amigos e aos agiotas. Nesses anos de dificuldades financeiras, Tchaikovsky compôs algumas poucas obras, entre as quais merecem menção uma abertura para o drama A tempestade, de Ostrovsky, e a Ode a alegria, sobre texto de Schiller traduzido por Aksakov. Esta última foi executada em 31 de dezembro de 1865, como peça de conclusão de curso. Embora saudada com entusiasmo pelo amigo Laroche (‘Você é o mais bem dotado dentre todos os músicos russos contemporâneos’), Cesar Cui e muitos outros criticaram-na severamente.

A miséria material juntava-se, assim, a absoluta falta de estima por sua música. Frustrado e abatido, só encontrava momentos gratificantes junto à irmã Kamenka, perto de Kiev. Desde a morte da mãe, Tchaikovsky transferira todo seu sentimento filial para a irmã. Sempre que possível, viajava para Kamenka, onde encontrava a calma e a serenidade que julgava necessárias para compor: ‘(...) a condição absoluta de toda criação artística é a faculdade de se desligar totalmente das preocupações da vida do homem e viver exclusivamente do artista’.

Outros tempos, no entanto, estavam para iniciar em sua vida. O Conservatório de São Petersburgo abarrotara-se de alunos, o que levou Anton Rubinstein a fundar uma outra escola de música em Moscou. Nikolai Rubinstein, irmão de Anton, foi encarregado de organizá-la, e uma de suas primeiras providências foi convidar alguns dos recém formados para preencher o quadro de professores. Entre eles, Tchaikovsky.
Em Moscou, já no início de 1866, o compositor foi morar na casa de Nikolai Rubinstein, que o introduziu na melhor sociedade e o pôs em ligação estreita com personagens importantes para seu futuro: o musicólogo Kachkin, o editor Jurgenson, os escritores Ostrovsky, Pissemsky, Plestcheiev e Sologub. Em março do mesmo ano, uma composição sua era, pela primeira vez, bem recebida:

‘Na sexta-feira, Rubinstein dirigiu uma abertura composta por mim. Foi um grande sucesso. Fui chamado ao palco e - segundo a fórmula consagrada - recebido por uma tempestade de aplausos’. Não se tratava de uma obra de grande valor, mas o fato de Tchaikovsky ter sido tão festejado serviu para lhe dar ânimo por algum tempo e impedir o desespero total.

Pouco tempo depois, começou a compor a Sinfonia n.º 1, tarefa que trouxe de volta toda a sua angústia: ‘Tenho os nervos completamente em frangalhos. Minha sinfonia não progride. (...) Vou morrer logo, bem o sei, antes mesmo de acabar minha sinfonia. (...) Odeio a humanidade e desejo me retirar para um deserto’. O trabalho quase levou-o à loucura, depois de noites e noites em claro, alucinações, complicações intestinais, enxaqueca, todos os sintomas de neurastenia aguda.

Seu médico afirmou que ele estava ‘a um passo da demência’ e proibiu-lhe de escrever uma só nota. Nos primeiros dias de 1867, seu estado ainda inspirava cuidados, mas Tchaikovsky, já concluída a Sinfonia n.º 1, passou a compor a ópera Voievode, sob influência do grupo de compositores nacionalistas de São Petersburgo, principalmente Balakirev. Levada à cena no Teatro de Moscou, a ópera não obteve sucesso algum e o compositor, em estado de grande excitação nervosa, destruiu o manuscrito.
O ano seguinte (1868) foi marcado por seus primeiros contatos com o grupo dos Cinco e pela mal sucedida ligação amorosa com a cantora francesa Désirée Artot. As relações com o grupo dos Cinco originaram-se de um indignado protesto que Tchaikovsky enviou à revista ‘Entreato’, por ter esta publicado uma crítica infamante a Rimski-Korsakov, por ocasião da estréia de sua ‘Fantasia Sérvia’.

Tchaikovsky admirava profundamente a música de seu aluno Rimsky-Korsakov, um dos Cinco, e seu violento protesto sensibilizou os outros membros do grupo, que o convidaram a visitá-los em São Petersburgo. Esse fato, no entanto, não fez dele um novo membro do grupo. Tchaikovsky não admirava especialmente a música dos Cinco, salvo a de Rimsky-Korsakov. Os outros quatro, por outro lado, o consideravam demasiado ocidental. Uma maneira derivada de sua admiração por compositores como Mozart, Beethoven, Weber, Schumann e Meyerbeer. A essa acusação de ‘falso russo’ , no entanto, ele responderia irado, em carta ao irmão Modesto: ‘Eu sou russo, russo, russo até a medula dos ossos’.

Em boa medida devido a inegável influência ocidental - à qual se somou com os anos de sua aproximação de Massenet, Saint-Saëns, e de dois compositores que o deslumbraram, Bizet, com sua Carmen, e Wagner, com O Anel dos Nibelungos - Tchaikovsky sempre foi considerado arquiinimigo do nacionalista grupo dos Cinco. E, se é verdade que estava em desacordo com os princípios autodidatas e empiristas do grupo, a atitude de Tchaikovsky nunca foi hostil, salvo no caso de Mussorgsky, que se desprezavam mutuamente.
As relações com Désirée Artot iniciaram-se em outubro de 1868, quando ela esteve em Moscou como membro de um grupo italiano. Aluna de Pauline Viardot, possuidora de voz volumosa e grande talento dramático, Désirée era capaz de interpretar quase todos os papéis da ópera italiana para soprano lírico, soprano dramático e meio-soprano. O compositor entusiasmou-se com ela: ‘Que cantora, que atriz! (...) Raras vezes vi uma mulher tão amável, boa e inteligente (...)’. Nas férias, passearam juntos por diversas cidades, e, em novembro do mesmo ano, de volta à Moscou, o compositor resolveu desposá-la. Mas Désirée não o levou a sério e, um mês depois, casava-se na Polônia com um barítono espanhol. Mais uma vez sua tentativa de firmar-se como homem fracassava.

Os anos seguintes da carreira de Tchaikovsky foram arcados pelo crescente sucesso como compositor e como regente, entremeado por diversas crises em sua vida íntima. Datam desse período suas mais conhecidas obras: a Fantasia-Abertura Romeu e Julieta (1869), a canção Apenas um coração solitário (1869), o Quarteto para cordas n.º 1 (1871), o Concerto para piano n.º 1 (1874), o balé O lago dos cisnes (1876), o Concerto para violino (1878), o Capricho italiano (1879), a Abertura ‘1812’ (1880).

Como regente de suas próprias composições, diversas viagens ao estrangeiro trouxeram-lhe a glória internacional. Entre suas turnês, destaca-se a que realizou durante seis meses (1891-1892) pelos Estados Unidos, onde a sua música gozaria de muito prestígio e seria aplaudida entusiasticamente pelo grande público. Tanto foi o sucesso que, em 5 de maio de 1891, Tchaikovsky inaugurou a que se tornaria uma das salas de concertos mais importantes do mundo: o Carnegie Hall de Nova Iorque. Outra turnê triunfal foi a de 1893, pela Alemanha, Suíça, França, Bélgica e Inglaterra; É a época das honras: o czar lhe outorgou uma pensão de 3.000 rublos anuais e, na universidade de Cambridge, recebeu o título de doutor honoris causa , juntamente com Grieg, Saint-Säens, Bruch e Arrigo Boito.

No plano pessoal, o último terço da vida do compositor foi dominado por um desastroso casamento - que não chegou a se consumar - e pela estranha ligação que manteve com Nadejda von Meck, sua protetora. Em 1877, durante um período de febril atividade em que compôs a Sinfonia n.º 4 e a ópera Eugênio Oneguin, Tchaikovsky conheceu Antonina Ivanovna Miliukova, sua aluna, moça de vinte e oito anos, porte médio, loura, olhos azuis e sorriso sensual.

De inteligência abaixo da média, era, porém, megalomaníaca; de origem social humilde, afirmava não ser filha de seus pais, mas de um grande senhor. Ninfomaníaca, apaixonava-se por qualquer homem que encontrasse, sobretudo quando rico ou célebre. Não se sabe exatamente como os dois se conheceram, mas, logo depois, Antonina enviava ao compositor uma carta apaixonada: ‘Meu primeiro beijo será para você e para nenhum outro. Não posso viver sem você’. Dezenas de cartas como essa ela já tinha enviado a banqueiros, artistas, generais, até mesmo a membros da família imperial. Preocupado com os mexericos sobre a sua vida sexual, Tchaikovsky, ao que tudo indica, quis dar aos outros e a si mesmo uma prova de que era viril, e casou-se com ela no dia 30 de julho de 1877. Três dias depois, escrevia a seu irmão Anatólio: ‘Fisicamente, ela me inspira repugnância total’.

As semanas seguintes foram de intenso sofrimento para o compositor, culminando com uma tentativa de suicídio. Entre 29 de setembro e 5 de outubro (a data exata é desconhecida), entrou nas águas do rio Moscou, ali permanecendo até que o frio se tornou uma tortura; pretendia contrair uma pneumonia que o matasse. Isso não aconteceu, mas foi acometido de violenta crise depressiva, perdeu a consciência e ficou dois dias em coma. O médico que o atendeu exigiu que mudasse imediatamente de casa e transformasse seu modo de vida.
ligação com Nadejda von Meck começou em 1876, quando ela tinha 45 anos de idade. Aos dezessete casara-se com Karl Georg-Otto von Meck, proprietário e construtor das duas primeiras ferrovias russas. Von Meck a deixara viúva, com doze filhos e uma imensa fortuna, que ela, excelente mulher de negócios, soubera administrar. Impressionada com a música de Tchaikovsky (‘...graças a vossa música, a vida torna-se mais doce e digna de ser vivida’), desejou ajudá-lo.

Para tanto, aproximou-se de Nikolai Rubinstein, que lhe pintou com cores vivas a pobreza material do compositor. Nadejda respondeu-lhe: ‘Nikolai Grigorievitch, não precisa advogar sua causa com tanta eloqüência: sua música já o fez antes e muito melhor’. A partir desse momento, Nadejda von Meck tornou-se protetora do compositor, fornecendo-lhe uma pensão de 6.000 rublos anuais, que lhe permitia viver sem problemas materiais.

A única condição estabelecida foi que os dois jamais deveriam se encontrar, comunicando-se somente por cartas. E em uma destas, Tchaikovsky pinta seu auto-retrato, no que se refere ao amor: "Você me pergunta se eu conheci outro amor que não o amor platônico. Sim e não. Se a questão me tivesse sido colocada de outra forma: ’Você experimentou a felicidade de um amor completo?’, minha resposta seria: não, não e não! Mas pergunte-me se sou capaz de compreender a força imensa do amor, e eu lhe direi: sim, sim e sim!".
E de fato, como haviam combinado, os dois jamais se encontraram, a não ser em apenas três ocasiões, quando puderam ver-se, mas de longe. Essa estranha ligação envolveu também aspectos emocionais. O afeto de Nadejda transformou-se em amor apaixonado, mas silencioso. Por outro lado, o compositor via nela, um anjo protetor, uma substituta da mãe.

A relação durou muitos anos, até outubro de 1890, só terminando devido a intrigas engendradas pelo violinista Pakhulski, um dos membros do círculo de Nadejda. Auxiliado por outros, Pakhulski acabou convencendo-a de que Tchaikovsky era apenas um aproveitador. O rompimento deu-se a 17 de outubro de 1890, com uma carta seca de Nadejda, na qual simplesmente avisava o compositor que, ameaçada pela tuberculose e passando por momentos difíceis, não poderia mais enviar-lhe a pensão; nas entrelinhas, deixava claro que a ruptura era total e definitiva.

O compositor ficou profundamente abalado pela decisão da protetora, mas não por seus aspectos materiais; na época, Tchaikovsky estava no auge da fama e ganhava muito dinheiro, de tal forma que podia sustentar seu irmão Modesto e vários jovens músicos sem fortuna. O que chocou foi o significado afetivo da ruptura. Em carta ao editor Jurgenson, o compositor expressou a sua decepção: ‘(...) meu amor-próprio foi violentamente ferido. Descubro que, na realidade, tudo não passou de um negócio de dinheiro que termina da maneira mais banal e estúpida (...)’. Se isso não bastasse, Tchaikovsky acrescenta: ‘(...) Toda minha fé nos semelhantes, toda minha confiança no mundo ficaram reduzidas a nada. Perdi minha tranqüilidade, e a felicidade que talvez o destino ainda me reservasse ficou envenenada para sempre’.
Profundamente chocado, Tchaikovsky refugiou-se na música e nas viagens, mas outro golpe o esperava. A 18 de abril de 1891, embarcando no porto do Havre para a turnê pelos Estados Unidos, recebeu a notícia da morte da irmã Alexandra. A viagem pelo Novo Mundo, apesar da entusiástica acolhida, é marcada pela angústia da ausência daquela que era sua segunda mãe e confidente.

Na volta (1892), compõe e balé O quebra-nozes e Iolanda, sua última ópera. No ano seguinte, compõe a Sinfonia n.º 6 - Patética. Interpretada pela primeira vez em São Petersburgo, a obra é recebida friamente, inclusive pelos músicos. O compositor, no entanto, tinha outra opinião. Escrevendo ao sobrinho Bob Davidov, ao qual se ligara muito intimamente, afirmou: ‘(...) considero esta sinfonia a melhor de todas as obras que escrevi. Em todo caso, é a mais sincera. Eu a amo como jamais amei qualquer de minhas partituras’.

A 3 de novembro de 1893, alguns dias após a primeira audição da Patética, o compositor, bebendo água não fervida, foi contaminado pela epidemia de cólera que grassava em São Petersburgo. Alguns biógrafos interpretam o fato como uma verdadeira tentativa de suicídio, pois nada custava tomar os cuidados necessários contra a possibilidade de contrair a moléstia. Seja como for, sua saúde piorou rapidamente. No dia seguinte, Tchaikovsky mostrou ter plena consciência de seu estado: ‘Creio que é a morte; adeus, Modesto’. A 6 de novembro, por volta das 3 horas da madrugada, exalou o último suspiro.
Modesto Tchaikovsky, irmão do compositor e seu primeiro biógrafo, foi um dos poucos familiares e amigos que testemunharam seus últimos momentos: 'De repente, seus olhos abriram-se completamente. Uma consciência lúcida, alucinante, brilhava em seu olhar, que nos fitou, um de cada vez, depois dirigiu-se para o céu. No espaço de alguns poucos instantes, um clarão dançou no fundo de suas pupilas e se apagou com o último suspiro. Era pouco mais de 3 horas da manhã...'

Criticado por muitos contemporâneos que achavam sua arte demasiado ocidental, Tchaikovsky se defendeu escrevendo: ‘No que se refere ao caráter geralmente russo de toda minha música, de suas relações com o folclore no terreno da melodia e da harmonia, saiba simplesmente que, desde a mais tenra infância, eu me impregnei da miraculosa beleza dos cantos populares; de tal forma amo apaixonadamente cada manifestação da alma russa que sou um russo cem por cento’.

Tchaikovsky nunca admitiu a música como ‘um jogo de sons sem propósito’. Suas obras são, como ele mesmo as definiu, ‘a confissão musical da alma’. A preocupação com a verdade, a simplicidade e a sinceridade da expressão estão unidas ao tema fundamental de sua música, que é a luta - e o fracasso - do homem para dominar seu destino. Homem sensível, de doentia timidez, sufocado pelo sentimento de culpa e por manias de perseguição, e provavelmente sofrendo de distúrbios sexuais, Tchaikovsky foi essencialmente um solitário, que sempre morou com a irmã em algumas das propriedades de Nadezhda von Meck, mecenas que o manteve mas nunca conheceu. As escassas tentativas de aproximação do sexo oposto terminaram em estrepitosos fracassos .

Se a sua vida particular foi um mistério, não o foi menos sua morte. Durante muito tempo teve-se a versão oficial por cólera, mas pesquisas posteriores revelaram que muito provavelmente foi ‘condenado’ ao suicídio. Seja qual for a verdade, Tchaikovsky deixou uma obra que se tornaria uma das mais populares na música clássica.

Tchaikovsky esteve em contato com os inovadores da música russa, o Grupo dos Cinco. Foi influenciado por suas idéias mas opôs-se ao seu nacionalismo exacerbado, preferindo assimilar influências ocidentais. Seu ídolo é Mozart. Temperamento instável, emotivo, Tchaikovsky criou obra desigual, eclética, que refletiu a sua personalidade. A Sinfonia n.º 1 - Sonhos de inverno (1866) foi prosseguida de uma crise nervosa e alucinações, das quais fora periodicamente vítima. Seu primeiro sucesso internacional foi a abertura-fantasia Romeu e Julieta.

A maior parte de sua obra é instrumental. As obras pianísticas e camerísticas são, com exceções, música leve, de salão. Mas o Quarteto para cordas em ré maior (1872) é justamente famoso pela melancolia do movimento lento - que arrancou lágrimas de Leon Tolstói. Em 1876 escreveu o poema sinfônico Francesca da Remini e o seu primeiro balé O lago dos cisnes que teve sucesso ruidoso e, até hoje, permanente. A Abertura 1812 (1878) é música emocionante e divertida, da mesma forma como a Sinfonia n.º 4 em fá menor (1878).

O Concerto para piano n.º 1 em si bemol menor Op. 23 (1875) é o mais famoso de seus concertos. O Concerto para violino em ré maior Op. 35 (1878) é cativante pela melodias engenhosas e o ritmo vivaz. Na Serenata para cordas (1888) e nas Suíte n.º 3 (1884) e n.º 4 (1888) sente-se, sobretudo, a influência de Mozart. Inspirado pela morte de Rubinstein, que lhe favorecera o lançamento das obras, Tchaikovsky compôs em Roma o Trio para piano em lá menor (1882), que é uma obra séria.

Entre as melhores obras de Tchaikovsky encontram-se as suas óperas. Eugênio Oneguin (1877), tirado da obra homônima de Puchkin, recria a atmosfera dos grandes romances russos do século XIX. A música, de uma nobre melancolia, reúne elementos russos, italianos e franceses. Destaca-se ainda a ópera A dama de espadas (1890), muito representada ainda hoje na Rússia.

Em Frolovskoye escreveu a Sinfonia n.º 5 em mi menor (1888). Suas sinfonias são poéticas e bem trabalhadas. O desespero dos intelectuais russos de 1870-1890 é refletido na mais popular dessas sinfonias, sua última produção, a Sinfonia n.º 6 em si menor - Patética (1893). É o apogeu de seu sentimentalismo melancólico. Seu último trabalho para o palco foi o balé Quebra-nozes, um dos seus maiores sucessos.

A música de Tchaikovsky tem gozado de grande popularidade, sendo considerada expressão autêntica da alma russa por ingleses e americanos e também na Alemanha. A França é menos entusiástica, preferindo Borodin e Mussorgsky. Na Rússia continua Tchaikovsky sendo considerado como o grande compositor nacional, talvez por ser acessível às massas. Foi também muito elogiado por Stravinsky. Tchaikovsky é um caso: as opiniões, positivas e negativas, são até hoje reconciliáveis.
às músicas mais conhecidas de Tchaikovsky
Valsa das flores (da música de cena O quebra-nozes) - Somente o tema principal desta música é conhecido (neste midi, próximo ao tempo 1:20).
Cisne ao luar (da música de cena O lago dos cisnes)
Valsa (da música de cena A bela adormecida)
Abertura 1812 - Somente o tema principal desta música é conhecido (neste midi, próximo ao tempo 3:30).
1.º movimento (Concerto para piano n.º 1)
Dança russa (da música de cena O quebra-nozes)

Giuseppe Verdi

2008-02-12T10:27:00.000-08:00

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (Roncole, 10 de outubro de 1813 — Milão, 27 de janeiro de 1901) foi um compositor de óperas do período romântico italiano, sendo na época considerado o maior compositor nacionalista da Itália, assim como Richard Wagner era na Alemanha.
Verdi era filho de Carlo Verdi, dono de uma taverna, e de Luisa Utini, tendo nascido na pequena localidade de Roncole, no Ducado de Parma. Começou ainda pequeno a se interessar pela música e, aos doze anos passou a estudar música em Busseto, sede do muninípio, financiado pelo comerciante Antonio Barezzi. Quando completou 18 anos foi ao Conservatório de Milão, mas foi reprovado por ser maior de catorze anos (os estudantes eram aceitos somente até esta idade), e então demonstrar talento musical. Depois disso, foi atrás de um professor particular e prosseguiu seus estudos por três anos.

Voltando a Busseto, passou a atuar como mestre de capela e maestro da banda, mas isso fez com que ele conseguisse muitos inimigos. Posteriormente, Verdi transferiu-se definitivamente para Milão, com sua esposa Margherita Barezzi, filha de Antonio Barezzi.

Em novembro de 1839, Verdi escrevia a ópera Oberto, Conte di San Bonifacio, que foi estreada no Teatro alla Scala. Pouco depois, em 1840, morriam seus dois filhos e sua esposa, de apenas 27 anos e a sua segunda ópera, Un Giorno di Regno, fracassou. Verdi prometeu que nunca mais comporia, após o incidente.

Bartolomeo Morelli, diretor do Teatro alla Scala, não aceitou a promessa de Verdi e solicitou-lhe que estudasse uma outra peça de teatro, Nabucco. Pouco tempo depois, Verdi entregava uma ópera escrita em cima do libretto. Nabucco é uma ópera que falava a respeito da dominação dos hebreus por Nabucodonosor e isso se identificava com o sentimento do povo italiano, sob a repressão dos austríacos e franceses. A ária Va pensiero su ali dorate (Vai, pensamento, em asas douradas) foi considerada um símbolo nacional pelos italianos.

Passado o sucesso de Nabucco, Verdi continuou a escrever óperas e tornando-se mundialmente conhecido. Surgiam as óperas Ernani, Rigoletto, Don Carlo, Un ballo in maschera, Il trovatore. Houve uma das óperas (La Traviata) que fracassou, apesar de hoje ser uma das óperas mais encenadas no mundo todo. Algum tempo depois, Verdi se casava com Giuseppina Strepponi. Durante esse período, Verdi era aclamado como um patriota, sendo eleito deputado em 1861, ano da unificação e, posteriormente, senador. E continuou escrevendo óperas: em 1871 estreou Aida, em comemoração à abertura do Canal de Suez. Após Aida, Verdi escreveu ainda as óperas Otello e Falstaff, baseadas em Shakespeare além de algumas peças religiosas.

Em 19 de janeiro de 1901 sofre uma trombose e acaba falecendo no dia 27 do mesmo mês, em Milão, causando imensa comoção em toda a Itália. Atendendo seus desejos, seu túmulo foi colocado na Casa di Reposo Giuseppe Verdi mantida até hoje com recursos de parte dos direitos autorais do compositor.
Lista de óperas

Oberto, 1839
Un Giorno di Regno, 1840
Nabucco, 1842
I Lombardi nella Prima Crociata, 1843
Ernani, 1844
I Due Foscari, 1844
Alzira, 1845
Giovanna d'Arco, 1845
Attila, 1846
Macbeth, 1847
I Masnadieri, 1847
Jerusalem, 1847
Il Corsaro, 1848
La Battaglia di Legnano, 1849
Luisa Miller, 1849
Stiffelio, 1850
Rigoletto, 1851
Il Trovatore, 1853
La Traviata, 1853
I Vespri Siciliani, 1855
Aroldo, 1857
Simon Boccanegra, 1857
Un Ballo in Maschera, 1859
La Forza del Destino, 1862
Don Carlo, 1867
Aida, 1871
Otello, 1887
Falstaff, 1893
Outras obras
Seis romanças, 1838
Réquiem, 1874 - (em memória do escritor Alessandro Manzoni).
Quatro peças sacras, 1898

Niccolò Paganini

2008-02-12T10:20:00.000-08:00

Niccolò Paganini (Gênova, 27 de outubro de 1782 – Nice, 27 de maio de 1840) foi um compositor italiano que revolucionou a arte de tocar violino. Em 1833 recusou Haroldo na Itália, peça para viola e orquestra encomendada por Hector Berlioz, alegando que seu solo era fácil demais.

Niccolo Paganini nasceu em Gênova (Itália) em 27 de outubro de 1782. De família humilde, seu pai, Antonio Paganini, era um operário do porto, no entanto, e apesar de sua condição social, era um bandolinista amador, apaixonado pela música e quem primeiro ensinou seu filho nessa arte.

Pouco tempo depois, Paganini começou a ter aulas de violino com Antonio Cervetto, violinista da orquestra do Teatro de Gênova e com Giacomo Costa, mestre de capela da catedral de São Lourenço.

Nessa época, sua paixão pelo violino era grande, segundo ele mesmo declarou, quando adulto, ao recordar sua infância: ‘Eu era um entusiasta do meu instrumento e estudava continuamente com o intuito de descobrir posições completamente novas, que jamais haviam sido escutadas, cuja combinação deixasse as pessoas estupefatas’.

Aos nove anos estreou como interprete em sua cidade natal, tocando com grande êxito sua Variações sobre a Carmanhola, uma canção revolucionária anônima que datava da época de Luis XVII e cujo nome procedia de um ornamento que levavam, no sul da França e norte da Itália, os trabalhadores piemonteses originários da Carmanhola. Segundo o cronista Conestabile, o prestigioso músico Salvatore Tinti ficou completamente maravilhado ao ouvir Paganini tocar em sua casa as Variações sobre a Carmanhola com uma precisão e entoações tão perfeitas que em virtude de sua idade poderia ser qualificada como uma interpretação fantástica.

Seus progressos no campo da interpretação prenunciavam a eclosão de um gênio do violino, tanto que seu pai decidiu, em 1795, levá-lo à cidade italiana de Parma, para que estudasse com Alessandro Rolla, conhecido violinista. Desse período, data sua curiosidade pelo violão, outro instrumento cujos segredos dominou, sem, no entanto, tê-lo utilizado demasiado em seus concertos

Quando criança era constantemente obrigado pelo próprio pai a estudar violino muitas horas por dia, sob ameaça de castigos severos. Em seus primeiros concertos públicos foi considerado uma criança prodígio. Após de libertar-se da custodia do pai-déspota, começou a carreira como virtuoso do violino, em toda a Itália. Ficou famoso também pelo seu estilo da vida rebelde, freqüentemente gastando todo seu o dinheiro em jogos e diversões noturnas. Durante os anos 1800-1805 desapareceu completamente da vida pública. Diz a lenda que passou estes anos na prisão.
Embora, no início de sua vida profissional desse os seus concertos apenas na Itália, sua fama como violinista-virtuoso logo espalhou-se por toda Europa.
Só em 1828 saiu da Itália para uma viagem de concertos no estrangeiro. Tocou na Austria, Alemanha e França entre outros paises, sempre com grande sucesso.

Os últimos anos da sua vida foram passados em Nice. Apesar de muito rico, ficou doente de tuberculose e não podia falar.
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estilo de vida de Niccolò Paganini e a sua aparência mefistofélica deram origem a historias de que o seu virtuosismo era devido a um pacto com o demônio. É mais provável que ele fosse portador de uma doença, a Síndrome de Marfan, cujos os sintómas típicos são os dedos particularmente compridos e magros.

Nicoló Paganini(1782-1842) Na história dos intérpretes do violino os pontos de referência mais importantes podem ser encontrados a partir do século dezessete. De uma parte isso é coerente com a origem do que hoje em dia é considerado um "verdadeiro" violino, e de outra com o desenvolvimento da legítima música instrumental na qual a virtuosidade se tornou cada vez mais importante. Ainda que em séculos anteriores diversos instrumentos de cordas tivessem ficado conhecidos tais como o árabe redab e o violino medieval, o violino com quatro cordas não se transformou em padrão antes de que o estilo barroco viesse a surgir na Itália. Com o novo idioma o estilo do instrumental concertante veio a florescer: embora tivesse havido definitivamente obras instrumentais anteriormente, elas tinham sido baseadas principalmente nos modelos vocais e o verdadeiro estilo virtuoso de execução desenvolveu-se durante o período no qual o pricípio concertante estava se tornando gradualmente mais importante.Os compositores mais importantes para o instrumento no século dezessete e na primeira parte do século dezoito foram italianos, tais como Marini, Corelli, Vivaldi e Tartini.

Só gradualmente é que outros países começaram a desempenhar algum papel, por exemplo, com Leopold Mozart (pai de Wolfgang Amadeus) que foi não somente um músico talentoso como também publicou um dos mais influentes métodos para a execução do instrumento. Tão esquecido quanto possa estar Viotti em nossos dias, assim também é Nicoló Paganini. Sendo um dos primeiros instrumentistas do romantismo musical. Paganini mostrou a pianistas do quilate de um Franz Liszt a forma de explorar a virtuosidade. Nascido em Gênova, Nicoló era forçado por seu pai a praticar desde a manhã até a noite. Quando tinha nove anos de idade foi para Parma afim de estudar com o famoso violinista Alessandro Rolla. Após ter executado o mais recente concerto de Rolla na primeira leitura, entretanto, o velho maestro aconselhou- o a continuar os seus estudos em composição:"Nada tenho a lhe ensinar, meumenino, vá e procure Paer". É desnecessário dizer que a maioria das obras de Paganini foram escritas para violino. Conquanto diversas obras para violino e orquestra possam fazer parte das suas peças, o violinista somente compôs cinco verdadeiros concertos para violino. A maioria deles foi composta quando já adentrado em anos, embora o Primeiro Concerto pode provavelmente ser datado de 1817. Em todas as apreçiações, cartas e outras fontes contemporâneas aparece o testemunho de como as platéias e os críticos reagiram à execução deste "violinista diabólico". E mesmo agora - ainda que Paganini tenha morrido há mais de um século e meio - ele ainda aparece como um exemplo clássico da execução "virtuose" do violino: Paganini está morto, longa vida a Paganini!!!!!!!
Em 1796, tocou para o renomado violinista alemão Rodolfo Kreutzer - a quem Beethoven dedicaria a célebre Sonata para piano e violino n.º 9 em lá maior - e no ano seguinte iniciou uma turnê de concertos pela Lombardia, em companhia de seu pai. Quando regressou a Parma, Rolla declarou-se incapaz de ajudá-lo: ‘Não posso fazer nada por ti. A melhor solução é procurar por Ferdinando Paer. Aqui não farias mais do que perder seu tempo!’. Por esse motivo, em 1797, começou um período de estudo de quatro anos com Gasparo Ghiaretti e Ferdinando Paer, célebre compositor operístico e, de 1801 a 1804, decidiu aprofundar seus conhecimentos de violão, assim como da obra de Locatelli, compositor barroco que provavelmente inspirou suas primeiras composições de destaque, os destacados Caprichos Op. 1 (24).

A partir de então, Paganini começava ser um músico bastante conhecido. Em 1805, Paganini foi nomeado em Lucca primeiro violinista e diretor de orquestra da corte da princesa Elisa Bacciochi, irmã de Napoleão, cargo que ocupou até 1813. Nessa cidade, Paganini dedicou-se à composição e ao aprimoramento das técnicas do violino, além de se ocupar, segundo a lenda que o perseguiu durante toda a sua vida, de uma de suas grandes paixões: seu amor pelas mulheres. Outra de suas paixões, e que o faria perder grande parte de sua fortuna, era o jogo. Pode-se dizer que, de alguma maneira, o jogo e as mulheres interromperam sua carreira.

Tudo indica que entre a irmã de Napoleão e o violinista genovês havia algo mais que uma relação profissional. Em uma ocasião, Paganini relatou um episódio que ocorreu naquela corte: ao que parece, havia anunciado que apresentaria uma novidade em honra da princesa, titulada Cena amorosa. O compositor apareceu no teatro, completamente lotado, com um violino que possuía apenas duas cordas, a mais grave e a mais aguda: ‘Uma deveria expressar os sentimentos de uma jovem, a outra deveria emprestar sua voz a um jovem apaixonado. Com essa finalidade, estabeleci uma espécie de doce e sentimental diálogo, no qual as mais cálidas palavras eram seguidas pelos arrebatos do ciúme. Eram melodias, às vezes, insinuantes e outras lamentosas, eram gritos de alegria, de cólera, de dor e de felicidade. Essa cena foi coroada de êxito. Não falo dos olhares que a dama dos meus pensamentos me dirigiu’.

Na época em que viveu em Lucca, Paganini conheceu algumas das personalidades mais importantes da cultura européia. Em 1813, iniciou sua amizade com Rossini, a quem sempre respeitou. Alguns anos mais tarde, seria Stendhal quem declararia sua admiração pela técnica de Paganini, mostrando um sentido artístico notável ao escrever as seguintes linhas sobre a primeira vez que ouviu o músico tocar: ‘Paganini me parece o primeiro violinista italiano. Ele se sobressai por sua doçura. Toca concertos insignificantes, como os que em Paris fazem bocejar, porém seu grande mérito é a doçura. Tem trinta e dois anos. Com o tempo, talvez toque coisas melhores do que concertos, ou também tenha o bom senso de compreender que vale mais a pena tocar uma formosa ária de Mozart.

Paganini gostava de cortejar as mulheres e em várias ocasiões pensou em casar-se com algumas delas. Em 1822, decidiu-se casar com a jovem Carolina Banchieri, e por isso solicitou a um amigo que lhe enviasse os papéis necessários, porém omitindo alguns detalhes: ‘Com relação ao documento de batismo, não gostaria que contasse que já entrei em meu quadragésimo ano. Se você puder conversar com o pároco de San Salvatore e ver se é possível que conste que tenho menos de quarenta, me produziria grande satisfação’. No entanto, o casamento não chegou a se realizar. A atração que o compositor sentia por essas mulheres, segundo suas próprias palavras, não superava três ou quatro dias. Somente uma delas, Antonia Bianchi, uma jovem bailarina, representaria algo importante na vida do músico.

Segundo muitos biógrafos, Paganini sentia verdadeira obsessão para se casar e formar uma família. Inclusive, havia declarado em algumas ocasiões: ‘meus dias passam felizes, e poderei me ver encarnado em meus filhos’. No entanto, em 1822, um renomado médico de Pávia, Siro Borda, lhe diagnosticou a sífilis, doença que naquela época era considerada incurável e que representava um impedimento para o seu desejo de ser pai. Devido à isso, Paganini mergulhou em uma grave depressão e assim permaneceu por quase dois anos, sem se sentir capaz de compor.
Embora várias mulheres tenham passado pela vida do compositor, e em um momento ou outro ocupado seus pensamentos, somente uma delas conseguiu penetrar seu coração, a jovem bailarina italiana Antonia Bianchi. O violinista genovês conviveu com Antonia de 1824 até 1828, em uma relação que foi marcada por altos e baixos, incluindo cenas tempestuosas em público. Em julho de 1825, em carta a um amigo Paganini comentava: ‘É bom que saiba que a senhorita Bianchi possui um grande defeito. Fica histérica sem motivo algum. Uma noite, porque não a levei à casa de um negociante, onde não pensava em permanecer por mais de quinze minutos, porque apenas necessitava resolver alguns assuntos, agarrou a caixa do meu violino e atirou no chão quatro vezes, até destruí-la por completo. Graças ao meu fiel criado, que conseguiu se apoderar do meu violino, ou melhor, que conseguiu arrancá-lo de suas mãos, pudemos salvá-lo por um milagre’.

Em outra ocasião, na casa de amigos espanhóis, e enquanto a anfitriã os apresentava a um apaixonado pelo violino, Antonia Bianchi os surpreendeu. O próprio Paganini relatou o fato da seguinte maneira: ‘Talvez, acho eu, por ciúme, disse para que a acompanhasse a casa. Eu lhe perguntei o porquê e ela me deu uma bofetada, acompanhada por gritos infernais...Entrou em crise histérica e não esperávamos que recobrasse a razão’. Da relação entre ambos, nasceu, em 23 de julho de 1826, Achilline, o único filho que se conhece do músico. Paganini o adorava e, após a separação, viajou com ele por toda a Europa, como um companheiro inseparável.
Durante a década de 1820, Paganini seguiu realizando concertos pelas cidades italianas mais importantes. Sua fama de intérprete, dotado de características técnicas quase mágicas, espalhou-se rapidamente. Não demorou para que começassem a ser divulgados prodígios acerca de suas habilidades. Em 1821, difundiu-se em episódio cuja veracidade nunca foi comprovada, segundo o qual alguém presenciara Paganini tocar a partitura de Matilde de Shabran, de Rossini. No mesmo instante em que as páginas iam caindo da mesa do seu autor, ainda frescas de tinta.

Conta-se que Paganini imitava o baixo, parodiava os efeitos orquestrais e enriquecia o conjunto com uma mescla de variações. No ensaio geral de Matilde de Shabran, seu autor, Rossini, costumava comentar o seguinte fato, ao se referir à morte repentina do diretor de orquestra: ‘A amizade de Paganini foi muito proveitosa. Ele dirigiu a obra durante três noites e chegou, inclusive, a tocar com a viola um difícil solo de trompa, na ausência do maestro que também havia ficado doente’.

A amizade entre Paganini e Rossini foi duradoura. Em fevereiro de 1822, ambos encontraram-se em Roma, onde interpretaram e compuseram as músicas para o carnaval daquela cidade. Durante essa década, surgiram algumas obras mais importantes do compositor genovês.

A consagração definitiva de Paganini na Europa ocorreu em virtude da célebre turnê que o músico iniciou em 1828 e que até 1834 fez com que percorresse grande parte do continente. O entusiasmo que provocou não só no público comum, mas também entre os artistas e intelectuais mais influentes da época foi notório e propiciou a consolidação do mito do intérprete virtuoso como ídolo das massas. Primeiramente, Paganini viajou para a Alemanha, Áustria, Boêmia, Saxônia, Polônia, Baviera e Prússia. Em Viena, como em outras cidades que passou, obteve grande êxito, sendo nomeado pelo imperador o virtuose da corte. Schubert, desmentindo, talvez de maneira intencional, a fama demoníaca do genovês, declarou: ‘Ouvi um anjo cantar no adágio de Paganini’.

Depois de percorrer meio continente, em 1831 chegou a Paris, onde no dia 9 de março realizou o seu primeiro concerto naquela cidade, onde permaneceu até o mês de maio. Sainte-Beuve, De Vigny, Rossini, George Sand, Théphile Gautier, De Musset, Delacroix e Victor Hugo foram alguns dos literatos que se renderam ante o talento de Paganini. No final de maio, o músico transferiu-se para a Inglaterra, onde realizou um primeiro concerto no dia 3 de junho, em Londres. Permaneceu nas ilhas britânicas até junho de 1832. Da capital do Tâmisa escreveu: ‘Uma série de retratos feitos por diversos artistas apareceu nos estabelecimentos comerciais. Alguns melhores, outros piores, que reproduzem minha fisionomia, porém entre eles não apareceu nenhum que realmente se pareça comigo. Também podem ser encontradas algumas caricaturas burlescas: uma onde eu apareço tocando em uma posição estranha, enquanto o atril se encendeia e arde...eu caio na risada e deixo que o façam’.

A lenda de Paganini, que foi sendo tecida ao longo dos anos, encontraria respaldo na famosa turnê realizada entre os anos de 1828 e 1834. Entre os artistas que puderam admirar sua arte, figuravam Liszt, Chopin, Schumann, Goethe, entre outros.

Ao escutar o músico italiano, o primeiro deles declarou: ‘Que homem, que violino, que artista! Meu Deus, quantos sofrimentos, quantas misérias, quantas torturas naquelas quatro cordas!’. Do seu primeiro encontro com Paganini, um dos ícones da literatura romântica, Johann Goethe, destacou: ‘Ontem escutei Paganini. Para o que se define como prazer, isso que para mim flutua entre a sensualidade e a inteligência, me falta uma base para esta coluna de chamas e nuvens...só ouvi algo meteórico e não pude sequer percebê-lo’. Berlioz também se deixou seduzir pelo gênio de Paganini. Em janeiro de 1834 ambos os músicos se conheceram, e o genovês solicitou a Berlioz que compusesse para ele um solo para viola. Desse pedido nasceu Haroldo na Itália, obra que, no entanto, Paganini nunca chegou a interpretar.

A partir de 1834, a saúde do grande virtuose passou a dar sinais de debilidade, agravada por sua carreira internacional febril e, aos poucos retirou-se de cena, tendo como única companhia seu filho Achillino.
A lenda de Paganini permaneceu viva durante muito tempo. A sua morte foi anunciada em 27 de maio de 1840, em Nice, cidade em que se instalou para tentar recuperar sua saúde. Para os românticos, Paganini tornou-se um símbolo e um exemplo. Um jornal francês definiu, assim, os últimos momentos de um dos maiores mitos musicais de todos os tempos: ‘Na hora final, estendeu a mão ao encantado violino, ao íntimo companheiro de sua peregrinação, ao consolador de suas penas, e enviou aos céus, com as últimas notas, os suspiros finais de uma existência que foi uma melodia’.

Paganini introduziu inovações que estenderam o registro do violino. Graças a ele, a técnica deste instrumento ultrapassou a interpretação habitual e sua obra apresenta dificuldades às que ele buscou superar: o uso de pizzicatos com a mão esquerda, harmônicos com cordas duplas, arcadas em ricochetes e um tratamento ousado da execução, influenciando violinistas como Ernst, Bériot e Vieuxtemps.

As primeiras obras conhecidas de Paganini datam do início do século XIX: os Caprichos (24) - suas mais importantes composições, foram transcritos posteriormente para piano por Schumann e Liszt -, a Sonata Concertante para violão e violino em lá maior (1804), o Dueto amoroso, também para violão e violino, e 12 sonatas para essa combinação instrumental, compostas a partir de 1805. Destacam-se também a Sonata Napoleão para a quarta corda, obra para violino e orquestra (1807), 3 duetos concertantes para violino e violoncelo, e uma série de quartetos para violão, viola, violino e violoncelo, os primeiros de uma série de 21 que o músico compôs entre 1806 e 1820.

Na década de 1820 surgiram algumas obras mais importantes de Paganini, como por exemplo, o Concerto para violino n.º 2 em si bemol menor Op. 7 (1826), o Concerto para violino n.º 3 em mi maior (1826), a obra Convento de São Bernardo (1828-1839), também para violino e orquestra, e o Concerto para violino n.º 4 em ré menor (1830). A data do Concerto para violino n.º 1 em mi bemol maior Op. 6, não é de todo confirmada, embora muitos musicólogos que estudaram a obra do violinista genovês tenham situado a sua composição por volta de 1817.